Bepalende Momenten in de Geschiedenis van Abstracte Kunst

Woorden kunnen zo controversieel zijn. We willen gewoon de geschiedenis van abstracte kunst bespreken. Maar die zin zit vol met conceptuele gevaren. (Wiens geschiedenis? Wat is kunst? Wat betekent het om abstract te zijn?) Om precies te zijn, misschien moeten we dit artikel iets als "Bepalende Momenten in de Ketting van Gebeurtenissen die de Algemeen Geaccepteerde Tijdlijn van de Westerse Beschaving Betreffen met Betrekking tot Objecten en Fenomenen Gecreëerd door Zichzelf Beschouwde Kunstenaars die Niet de Intentie Hebben om Representatief te Zijn voor Objectieve Visuele Realiteit" noemen. Maar dat is niet echt een klikbare kop. (Of wel?) Voor de geestelijke gezondheid, laten we voor dit artikel de semantiek opzijzetten en gewoon bij het begin beginnen.

De Prehistorie van de Abstracte Kunst

Onder de vroegste sporen van prehistorische grotdwellers waren lijnen, krassen en handafdrukken. Onze beste interpretatie is dat ze symbolisch waren. Maakt dat ze de eerste voorbeelden van abstracte kunst ? Misschien. Maar zelfs de representatieve beelden die onze oude voorouders hebben achtergelaten, zijn niet precies foto-realistisch. Wat ontbreekt in onze analyses is een begrip van de intentie van onze vroegste kunstenaars. Wanneer we het over abstracte kunst hebben, bedoelen we kunst die specifiek bedoeld was om abstract te zijn. Aangezien we niet kunnen weten wat prehistorische kunstenaars bedoelden te communiceren met hun beelden, kunnen we niet oordelen of het abstract was, of zelfs of het kunst is. Het had voor zover wij weten utilitaire doeleinden kunnen hebben. Dus we zullen vooruit springen, heel ver vooruit, naar een tijd die beter gedocumenteerd is, wanneer de intenties van kunstenaars duidelijker waren.

Henri Matisse - Vrouw met een Hoed, 1905, Olieverf op doek, 31 3/4 × 23 1/2 in, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Voor het begin van de 19e eeuw is het veilig om te zeggen dat de overgrote meerderheid van de kunstenaars de overgrote meerderheid van de tijd niet de luxe had om te beslissen wat ze zouden maken. De meeste kunstenaars uit de pre-Romantische periode waren afhankelijk van de steun van religieuze instellingen of een andere autoritaire macht om te overleven. Koningen en heilige mannen bepaalden daarom het onderwerp van de meeste werken van die kunstenaars. Toen dat systeem van patronage afnam, dienden zich andere manieren van overleven aan voor kunstenaars. Een galerij-systeem ontstond; onafhankelijke kunsthandelaren begonnen het werk van kunstenaars te vertegenwoordigen; rijke individuen en particuliere instellingen begonnen kunstenaars te steunen en hun werken te verzamelen. Voor het eerst kregen kunstenaars de kans om zelf het antwoord te geven op de vraag: "Wat wil ik maken?" Onmiddellijk kwam de volgende onvermijdelijke vraag: "Waarom wil ik het maken?" Het antwoord op die vraag is een belangrijke oorzaak van de uiteindelijke opkomst van abstracte kunst, en is misschien wel het meest blijvende concept dat voortkwam uit de Romantische periode; een concept dat door veel denkers van die tijd werd uitgedrukt en door de Fransen werd samengevat als: "L'art pour l'art." Kunst omwille van de kunst. Of zoals de schrijver Edgar Allen Poe het in 1850 verwoordde: "...als we ons maar zouden toestaan om in onze eigen zielen te kijken, zouden we daar onmiddellijk ontdekken dat er onder de zon geen werk bestaat of kan bestaan dat grondiger gedignifieerd, nobeler is dan ditzelfde gedicht... geschreven uitsluitend omwille van het gedicht zelf."

Andre Derain - De Droogende Zeilen, 1905, olie op doek, 82 x 101 cm, © Pushkin Museum, Moskou

Eerste indrukken

Toen kunstenaars bevrijd waren van de beperkingen van vooraf bepaalde onderwerpen, begonnen ze zich ook van andere beperkingen te bevrijden. Van ongeveer de jaren 1850 tot de jaren 1870 gaf de Esthetische Beweging kunstenaars de macht om kunst puur voor esthetische doeleinden te maken, in plaats van zich te concentreren op onderwerpen die verband hielden met cultuur, samenleving en politiek. Toen kwamen de Impressionisten, in Parijs gevestigde kunstenaars die werken maakten die sterk gericht waren op de weergave van de kwaliteiten van licht, wat een destillatie begon van de individuele esthetische elementen van een kunstwerk. In de jaren 1880 ontwikkelde de schilder Georges Seurat een techniek om een afbeelding volledig uit kleine stippen op te bouwen. Deze techniek, bekend als Pointillisme, creëerde vervormde, maar representatieve beelden. Pointillisme droeg bij aan de opkomst van experimentele penseelstreken en compositietechnieken die een trend naar abstractie suggereerden. Deze trend werd verder uitgebreid gedurende de Post-Impressionistische periode toen kunstenaars begonnen te experimenteren met symboliek en het willekeurig gebruik van kleur, vorm en lijn.

Het is allemaal subjectief

In de jaren 1900 droegen de Expressionisten bij aan de trend naar pure abstractie met hun focus op subjectiviteit. Door hun beelden dramatisch te vervormen, probeerden ze een diep persoonlijk perspectief te presenteren, dat meer representatief was voor emotie dan voor fysieke realiteit. Tijdens deze periode kwam ook de opkomst van de Fauvisten, schilders die zich bijna uitsluitend richtten op levendige kleuren en schilderachtige penseelstreken. Voor de Fauvisten was het onderwerp ondergeschikt aan de esthetische componenten van het werk. Tegen deze tijd was de opkomst van pure abstractie onvermijdelijk. Overal werkten kunstenaars met symbolische representaties van de realiteit, terwijl ze probeerden ideeën en gevoelens te communiceren op manieren die niet gerelateerd waren aan het onderwerp. Ze waren per definitie aan het abstraheren. Maar wie was de eerste die erin slaagde een schilderij te maken dat puur abstract was?

Hans Hofmann - Opkomende Maan, 1965, Olieverf op doek, Privécollectie, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Zal de echte eerste abstractor alstublieft opstaan?

Bijna alle historici zijn het erover eens dat de eerste abstracte schilderij Untitled (First Abstract Watercolor) van Wassily Kandinsky was, geschilderd in 1910. Het bestaat uit levendig gekleurde vlekken, cirkels, lijnen, krabbels en kleurvelden die op een schijnbaar willekeurige manier zijn samengevoegd, en het werk verwijst op geen enkele manier naar bestaande visuele elementen van de fysieke wereld. Conspiratoriaal zouden we, alleen voor de lol, kunnen postuleren dat Kandinsky’s Untitled (First Abstract Watercolor) niet het eerste puur abstracte schilderij was. Een jaar eerder, in 1909, schilderde de Franse avant-garde kunstenaar Francis Picabia Caoutchouc, een proto-cubistisch werk met onherkenbare geometrische vormen omhuld door schijnbaar niet-verwante kleurvelden. Dit werk lijkt op geen enkele manier de objectieve visuele realiteit te vertegenwoordigen. Het woord Caoutchouc betekent losjes natuurlijk rubber sap, een verwijzing naar het grondstof voor het maken van gevulkaniseerd rubber. Aangezien we de visuele elementen van ongevulkaniseerd rubber nooit hebben geanalyseerd, kunnen we het niet zeggen, maar misschien is dit schilderij representatief. Wie weet? Wat we wel weten is dat Kandinsky een fervent kunsttheoreticus en productief kunstschrijver was. Hij schreef enthousiast over zijn streven om 's werelds eerste puur abstracte kunstwerk te creëren. Hij sprak openlijk over zowel zijn bedoeling om de grondlegger van de abstracte kunst te worden, als zijn succes in het bereiken daarvan. Niemand kan ontkennen dat het zijn bedoeling was om de eerste te zijn, ongeacht of iemand die hem voorafging hem per ongeluk voor was.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Olieverf op doek, 85 1/4 x 73 1/2 in (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Wat Kandinsky Zeker Heeft Gedaan

Door openlijk zijn intentie aan te kondigen om pure abstracte kunst te maken, bevrijdde Kandinsky kunstenaars van hun afhankelijkheid van verwijzingen naar de waarneembare wereld. Hij scheidde kunst van zijn vroegere logica. Hij opende het veld voor diepgaande en snelle experimentatie. Hij bracht de belofte van de Romantici tot rijpheid, dat, zoals Caspar David Friedrich, de Duitse romantische kunstenaar, zei, “Het gevoel van de kunstenaar is zijn wet.”

Wassilly Kandinsky - Compositie IV, 1911, olie op doek, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Duitsland

De wereld in oorlog

In de daaropvolgende decennia experimenteerden kunstenaars wild met abstractie. Veel nieuwe stijlen kwamen tot stand, beïnvloed door de oproep tot vrijheid van abstractie, en ook door de verschrikkingen van de Eerste Wereldoorlog en de opkomst van het mechanische tijdperk. Het kubisme beïnvloedde kunstenaars om hun visuele taal te reduceren tot de meest basale bouwstenen. Het futurisme toonde de vitaliteit en kracht in de lijn. Dadaïsme daagde de betekenis van kunst uit, en herbevestigde de vrijheid van de kunst van en de afwijzing van de bourgeoisie. In de jaren 1920 opende het surrealisme de geesten van kunstenaars voor de kracht van het onderbewuste. Met de focus op droomachtige beelden en de afwijzing van bewuste logica, beïnvloedde het abstracte kunstenaars diepgaand om meer te experimenteren met technieken, media en methoden die hen mogelijk directer met hun onbewuste zelf konden verbinden.

Wassiliy Kandinsky - Compositie 6, 1913, Olieverf op doek, 76 2/5 × 115 7/10 in, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parijs / Erich Lessing / Art Resource, NY

Maak het nieuw!

In de jaren dertig wordt de in Duitsland geboren Amerikaanse schilder Hans Hofmann gecrediteerd met het verspreiden van de essentiële filosofieën van wat bekend kwam te staan als het Modernisme naar Amerika, de nieuwste iteratie van de afwijzing van de manieren en methoden van het verleden. Zelf een abstracte schilder, moedigde Hofmann zijn studenten van Californië tot New York aan om nieuwe methoden van beeldvorming aan te nemen, op zoek naar manieren om de angsten en wonderen van een snel industrialiserende samenleving onder ogen te zien en uit te drukken. In 1934 vatte de dichter Ezra Pound de houding van de Modernisten samen met zijn nu beroemde oproep aan kunstenaars: “Maak het nieuw!” Pound was een controversieel figuur, die uiteindelijk naar Italië verhuisde, waar hij de leidende fascistische figuren van de Tweede Wereldoorlog steunde. Desondanks wortelde zijn enthousiaste afwijzing van het oude in de geesten van abstracte kunstenaars, wat leidde tot krachtige veranderingen aan de nabije horizon.

Wasilly Kandinsky - Zwarte Vlek I (detail), 1912, Olieverf op doek. 39,4 × 51,2 inch (100,0 × 130,0 cm), Het Russische Museum, Sint-Petersburg, Rusland

Een nieuwe zuiverheid

Na twee wereldoorlogen, een wereldwijde depressie, hongersnoden, wreedheden en twee nucleaire aanvallen op bevolkte steden, kan de mate waarin de gemiddelde mens angst ervoer in het midden van de jaren veertig niet worden overschat. Deze angst leidde tot een nieuwe en wijdverspreide interesse in het relatief jonge veld van de psychoanalyse. Onder de vele miljoenen mensen die in deze tijd naar psychoanalyses wendden, was Jackson Pollock , een van de leidende leden van een groep kunstenaars die bekend staat als de Abstract Expressionisten. Pollock werd blootgesteld aan psychoanalyses terwijl hij in rehabilitatie was. Het opende zijn geest voor de wereld van oerkennis die opgesloten zat in zijn onderbewustzijn. Veel van zijn tijdgenoten zochten naar nieuwe manieren om verbinding te maken met de verborgen essentie van hun menselijkheid, en werkten eraan om rauwe, primaire emotie uit te drukken door middel van hun schilderijen. Pollock zocht naar verborgen beelden, in de hoop dat hij verbinding kon maken met iets diep van binnen, iets purer dan tot nu toe was uitgedrukt door abstracte kunst. Rond 1947 introduceerde Pollock zijn nu iconische druppeltechniek. Deze techniek hield in dat verf op een oppervlak werd aangebracht met behulp van krachten zoals zwaartekracht en momentum, in plaats van door direct contact met gereedschappen op een doek. Door dit nieuwe niveau van fysiekheid te omarmen en alle gevoel van herkenbare vorm volledig te verwerpen, betrad Pollock een nieuw rijk van pure abstractie, volledig gebaseerd op onderbewuste intentie, kleur, beweging, kracht en energie.

Wassily Kandinsky - Kandinsky's eerste abstracte aquarel, 1910, Aquarel en Indische inkt en potlood op papier, 19,5 × 25,5 inch, (49,6 × 64,8 cm), Parijs, Centre Georges Pompidou

Het Einde van het Begin

Het werk van Pollock vervulde op veel manieren de belofte van abstractie: de totale bevrijding van de kunstenaar van de beperkingen van esthetische verwachtingen. Misschien leidde zijn inspanning ook tot het logische einde van abstractie. Pollock bracht de belangrijkheid van textuur, materialiteit, proces en het idee van het zien van een kunstwerk niet als een oppervlak waarop kunst wordt overgebracht, maar als een zelf een verenigde vorm, scherp in beeld. Hoewel deze concepten in een primale zin in het werk van Pollock worden weerspiegeld, zijn ze integraal voor het werk van de Minimalisten , die de abstract expressionisten zouden vervangen als de meest invloedrijke kunstenaars van de jaren '60. Net als Kandinsky, de leidende figuur van de Minimalistische beweging, was Donald Clarence Judd een fervent kunsttheoreticus en schrijver. Hoewel hij het Minimalistische label verwierp, werd Judd representatief voor de ideeën van het reduceren van de visuele taal en het zuiveren van de concepten van vorm en ruimte. In plaats van herkenbare visuele referenties en objectieve realiteit te verwerpen, concentreerden Minimalistische kunstenaars zoals Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt en Frank Stella zich op vorm, het gebruik van levendige en pure kleur, scherpe lijnen, minimale textuur en moderne materialiteit. In plaats van de realiteit te abstraheren, manifesteerden de Minimalisten de vormen, kleuren, vormen en lijnen die vaak in abstracte kunst worden verkend, en bewoonden ze in fysieke ruimte op een representatieve manier.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

De nieuwe nieuwe

De geschiedenis van abstracte kunst is de geschiedenis van de zoektocht van kunstenaars naar vrijheid. Wat dat vandaag de dag betekent, is dat kunstenaars vrij zijn om zichzelf op welke manier dan ook uit te drukken, en om elke methode te verkennen die hen aanspreekt. De schoonheid van de open stijl van vandaag is dat een kunstenaar elke stijl, medium of methode kan gebruiken die het beste werkt voor de realisatie van een idee. Hoewel het minimalisme abstracte kunst in de jaren '70 op de achtergrond heeft gedrukt, is abstractie teruggekeerd naar de voorgrond van de praktijken van veel kunstenaars. Hedendaagse abstracte schilders profiteren van de open-minded mentaliteit van hun voorgangers. Abstractie blijft ons verbinden met iets dat de objectieve werkelijkheid niet kan uitleggen; iets diep van binnen dat verder reikt dan de zichtbare werkelijkheid.

Uitgelichte afbeelding: Wassily Kandinsky - Kandinsky's eerste abstracte aquarel, 1910, foto via Wikipedia

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.

Door Phillip Barcio