Bepalende Momenten in de Geschiedenis van Abstracte Kunst

Woorden kunnen zo controversieel zijn. We willen gewoon de geschiedenis van de abstracte kunst bespreken. Maar die zin zit vol conceptuele valkuilen. (Wiens geschiedenis? Wat is kunst? Wat betekent het om abstract te zijn?) Om precies te zijn, zouden we dit artikel misschien iets moeten noemen als: “Bepalende momenten in de keten van gebeurtenissen die de algemeen aanvaarde tijdlijn van de westerse beschaving betreffen, met betrekking tot objecten en verschijnselen gemaakt door zelfbenoemde kunstenaars die niet de bedoeling hadden representatief te zijn voor objectieve visuele werkelijkheid.” Maar dat is niet bepaald een pakkende kop. (Of toch wel?) Voor het behoud van het verstand, laten we voor dit artikel de semantiek even terzijde schuiven en gewoon bij het begin beginnen.

De prehistorie van de abstracte kunst

Onder de vroegste sporen van prehistorische grotbewoners waren lijnen, krassen en handafdrukken. Onze beste interpretatie is dat ze symbolisch waren. Maakt dat ze dan de eerste voorbeelden van abstracte kunst ? Misschien. Maar zelfs de representatieve beelden die onze oude voorouders achterlieten zijn niet bepaald fotorealistisch. Wat ontbreekt in onze analyses is een begrip van de intentie van onze vroegste kunstenaars. Wanneer we het over abstracte kunst hebben, bedoelen we kunst die specifiek bedoeld was om abstract te zijn. Omdat we niet kunnen weten wat prehistorische kunstenaars wilden communiceren met hun beelden, kunnen we niet beoordelen of het abstract was, of zelfs of het kunst is. Het kan ook een nuttig doel hebben gehad, voor zover wij weten. Dus slaan we een grote sprong vooruit, naar een beter gedocumenteerde tijd, waarin de intenties van kunstenaars duidelijker waren.

Henri Matisse - Vrouw met een hoed, 1905, Olie op doek, 31 3/4 × 23 1/2 inch, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Voor de vroege 1800s is het veilig te zeggen dat de overgrote meerderheid van kunstenaars het grootste deel van de tijd niet de luxe had om te beslissen wat ze zouden maken. De meeste kunstenaars uit de pre-Romantische tijd waren afhankelijk van de steun van religieuze instellingen of een andere autoritaire macht om te overleven. Koningen en geestelijken bepaalden daarom het onderwerp van het grootste deel van het werk van die kunstenaars. Toen dat systeem van mecenaat afnam, kwamen er andere manieren van overleven voor kunstenaars. Er ontstond een galerijsysteem; onafhankelijke kunsthandelaren begonnen het werk van kunstenaars te vertegenwoordigen; rijke particulieren en privé-instellingen begonnen kunstenaars te steunen en hun werken te verzamelen. Voor het eerst kregen kunstenaars de kans om zelf de vraag te beantwoorden: “Wat wil ik maken?” Direct daarop volgde de volgende onvermijdelijke vraag: “Waarom wil ik het maken?” Het antwoord op die vraag is een belangrijke oorzaak van de uiteindelijke opkomst van abstracte kunst, en is misschien wel het meest blijvende concept dat uit de Romantische tijd voortkwam; een idee dat door veel denkers uit die tijd werd uitgedrukt en door de Fransen werd samengevat als “L'art pour l'art.” Kunst om de kunst. Of zoals de schrijver Edgar Allen Poe het in 1850 stelde: “…als we onszelf maar toestonden in onze eigen ziel te kijken, zouden we daar onmiddellijk ontdekken dat er onder de zon geen werk bestaat of kan bestaan dat grondiger waardig is, meer uitermate nobel, dan dit gedicht zelf… geschreven alleen omwille van het gedicht.”

Andre Derain - De drogende zeilen, 1905, olie op doek, 82 x 101 cm, © Pushkin Museum, Moskou

Eerste indrukken

Toen kunstenaars bevrijd werden van de beperkingen van vooraf bepaalde onderwerpen, begonnen ze zich ook van andere beperkingen te bevrijden. Van ongeveer de jaren 1850 tot 1870 gaf de Esthetische Beweging kunstenaars de macht om kunst puur voor esthetische doeleinden te maken, in plaats van zich te richten op onderwerpen die met cultuur, samenleving en politiek te maken hadden. Toen kwamen de Impressionisten, kunstenaars uit Parijs die werk maakten dat sterk gericht was op het weergeven van de eigenschappen van licht, waarmee ze een destillatie begonnen van de individuele esthetische elementen van een kunstwerk. In de jaren 1880 ontwikkelde de schilder Georges Seurat een techniek om een beeld volledig op te bouwen uit kleine stippen. Deze techniek, bekend als Pointillisme, creëerde vervormde, maar toch representatieve beelden. Pointillisme droeg bij aan de opkomst van experimentele penseelstreken en compositietechnieken die een trend naar abstractie suggereerden. Deze trend werd verder uitgebreid gedurende de Postimpressionistische periode, toen kunstenaars begonnen te experimenteren met symboliek en het willekeurig gebruik van kleur, vorm en lijn.

Het is allemaal subjectief

In de jaren 1900 droegen de Expressionisten bij aan de trend naar pure abstractie met hun focus op subjectiviteit. Door hun beelden sterk te vervormen, probeerden ze een diep persoonlijk standpunt te presenteren, dat meer emotie dan fysieke werkelijkheid vertegenwoordigde. In deze periode kwam ook de opkomst van de Fauves, schilders die zich bijna uitsluitend richtten op levendige kleur en schilderachtige penseelstreken. Voor de Fauves was het onderwerp ondergeschikt aan de esthetische componenten van het werk. Tegen die tijd was de opkomst van pure abstractie onvermijdelijk. Overal werkten kunstenaars met symbolische voorstellingen van de werkelijkheid, waarbij ze probeerden ideeën en gevoelens uit te drukken op manieren die niets met het onderwerp te maken hadden. Ze waren per definitie aan het abstraheren. Maar wie was de eerste die erin slaagde een schilderij te maken dat puur abstract was?

Hans Hofmann - Rijzende maan, 1965, Olie op doek, Particuliere collectie, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Wie is de echte eerste abstracte kunstenaar?

Bijna alle historici zijn het erover eens dat het eerste abstracte schilderij Wassily Kandinsky’s Untitled (First Abstract Watercolor) was, geschilderd in 1910. Bestaan uit levendig gekleurde vlekken, cirkels, lijnen, kronkels en kleurvlakken die op het eerste gezicht willekeurig zijn samengevoegd, verwijst het werk op geen enkele manier naar vooraf bestaande visuele elementen van de fysieke wereld. Samenzweerderig zouden we, voor de lol, kunnen veronderstellen dat Kandinsky’s Untitled (First Abstract Watercolor) niet het eerste puur abstracte schilderij was. Een jaar eerder, in 1909, schilderde de Franse avant-garde kunstenaar Francis Picabia Caoutchouc, een proto-cubistisch werk met onherkenbare geometrische vormen omgeven door ogenschijnlijk niet-gerelateerde kleurvlakken. Dit werk lijkt op geen enkele manier objectieve visuele werkelijkheid te vertegenwoordigen. Het woord Caoutchouc betekent echter losjes natuurlijk rubbersap, een verwijzing naar het grondstof voor het maken van gevulkaniseerd rubber. Omdat we de visuele elementen van ongevulkaniseerd rubber nooit hebben geanalyseerd, kunnen we het niet zeggen, maar misschien is dit schilderij representatief. Wie weet? Wat we wel weten is dat Kandinsky een fervent kunsttheoreticus en productief kunstschrijver was. Hij schreef enthousiast over zijn streven om het eerste puur abstracte kunstwerk ter wereld te maken. Hij sprak openlijk over zowel zijn intentie om de grondlegger van abstracte kunst te worden, als zijn succes daarin. Niemand kan ontkennen dat het zijn bedoeling was de eerste te zijn, ongeacht of iemand hem per ongeluk voor was.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Olie op doek, 85 1/4 x 73 1/2 inch (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Wat Kandinsky zeker deed

Door openlijk zijn intentie aan te kondigen om pure abstracte kunst te maken, bevrijdde Kandinsky kunstenaars van hun afhankelijkheid van verwijzingen naar de waarneembare wereld. Hij scheidde kunst van haar vroegere logica. Hij opende het veld voor diepgaande en snelle experimenten. Hij bracht de belofte van de Romantici tot rijping, dat, zoals Caspar David Friedrich, de Duitse romantische kunstenaar zei, “Het gevoel van de kunstenaar is zijn wet.”

Wassilly Kandinsky - Compositie IV, 1911, olie op doek, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Duitsland

De wereld in oorlog

In de daaropvolgende decennia experimenteerden kunstenaars wild met abstractie. Veel nieuwe stijlen ontstonden, beïnvloed door de roep om vrijheid van abstractie, en ook door de verschrikkingen van de Eerste Wereldoorlog en de opkomst van het mechanische tijdperk. Het kubisme beïnvloedde kunstenaars om hun visuele taal terug te brengen tot de meest basale bouwstenen. Het futurisme toonde de levendigheid en kracht van de lijn. Dadaïsme daagde de betekenis van kunst uit, bevestigde de vrijheid van kunst en verwierp de burgerij. In de jaren 1920 opende het surrealisme de geest van kunstenaars voor de kracht van het onderbewuste. Met zijn focus op droomachtige beelden en de afwijzing van bewuste logica, beïnvloedde het abstracte kunstenaars diepgaand om meer te experimenteren met technieken, middelen en methoden die hen mogelijk directer met hun onbewuste zelf konden verbinden.

Wassiliy Kandinsky - Compositie 6, 1913, Olie op doek, 76 2/5 × 115 7/10 inch, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parijs / Erich Lessing / Art Resource, NY

Maak het nieuw!

In de jaren 1930 wordt de in Duitsland geboren Amerikaanse schilder Hans Hofmann erkend voor het verspreiden in Amerika van de essentiële filosofieën van wat bekend werd als het modernisme, de laatste uiting van de afwijzing van de manieren en methoden van het verleden. Zelf een abstract schilder, moedigde Hofmann zijn studenten van Californië tot New York aan om nieuwe methoden van beeldvorming te omarmen, op zoek naar manieren om de angsten en wonderen van de snel industrialiserende samenleving te confronteren en uit te drukken. In 1934 vatte de dichter Ezra Pound de houding van de modernisten samen met zijn nu beroemde oproep aan kunstenaars: “Maak het nieuw!” Pound was een controversieel figuur, die uiteindelijk naar Italië verhuisde, waar hij de leidende fascistische figuren van de Tweede Wereldoorlog steunde. Desalniettemin wortelde zijn enthousiaste afwijzing van het oude in de geest van abstracte kunstenaars, wat leidde tot krachtige veranderingen aan de horizon.

Wasilly Kandinsky - Zwarte vlek I (detail), 1912, Olie op doek. 39,4 × 51,2 inch (100,0 × 130,0 cm), Het Russische Museum, Sint-Petersburg, Rusland

Een nieuwe zuiverheid

Na twee wereldoorlogen, een wereldwijde depressie, hongersnoden, gruweldaden en twee nucleaire aanvallen op bevolkte steden, kan de mate waarin de gemiddelde mens angst ervoer in het midden van de jaren 1940 niet worden overschat. Deze angst leidde tot een nieuwe en brede belangstelling voor het relatief jonge vakgebied van de psychoanalyse. Onder de vele miljoenen mensen die zich in die tijd tot psychoanalyse wendden, was Jackson Pollock , een van de leidende leden van een groep kunstenaars die bekend staan als de Abstracte Expressionisten. Pollock kwam in aanraking met psychoanalyse tijdens zijn afkickperiode. Het opende zijn geest voor de wereld van oeroude kennis die in zijn onderbewuste was opgesloten. Veel van zijn tijdgenoten zochten nieuwe manieren om verbinding te maken met de verborgen essentie van hun menselijkheid, en probeerden rauwe, oeroude emotie uit te drukken via hun schilderijen. Pollock zocht verborgen beelden, in de hoop dat hij iets diep in zichzelf kon bereiken, iets zuiverders dan ooit tevoren door abstracte kunst was uitgedrukt. Rond 1947 ontwikkelde Pollock zijn nu iconische druppeltechniek. Deze techniek hield in dat verf op een oppervlak werd aangebracht met behulp van krachten zoals zwaartekracht en momentum, in plaats van door direct contact met gereedschap op een doek. Door dit nieuwe niveau van lichamelijkheid te omarmen en alle herkenbare vormen volledig te verwerpen, betrad Pollock een nieuw rijk van pure abstractie, volledig gebaseerd op onderbewuste intentie, kleur, beweging, kracht en kracht.

Wassily Kandinsky - Kandinsky’s eerste abstracte aquarel, 1910, Aquarel en Indiase inkt en potlood op papier, 19,5 × 25,5 inch (49,6 × 64,8 cm), Parijs, Centre Georges Pompidou

Het einde van het begin

Pollocks werk vervulde op vele manieren de belofte van abstractie: de totale bevrijding van de kunstenaar van de beperkingen van esthetische verwachtingen. Misschien leidde zijn inspanning ook tot het logische einde van abstractie. Pollock bracht scherp in beeld het belang van textuur, materialiteit, proces en het idee om een kunstwerk niet te zien als een oppervlak om kunst over te brengen, maar als een op zichzelf staande, samenhangende vorm. Hoewel deze concepten in Pollocks werk op een oeroude manier weerspiegeld worden, zijn ze integraal onderdeel van het werk van de Minimalisten , die de abstracte expressionisten zouden vervangen als de meest invloedrijke kunstenaars van de jaren 1960. Net als Kandinsky was het leidende lid van de Minimalistische beweging, Donald Clarence Judd, een fervent kunsttheoreticus en schrijver. Hoewel hij het label Minimalist afwees, werd Judd representatief voor de ideeën van het terugbrengen van de visuele taal tot het noodzakelijke en het zuiveren van de concepten van vorm en ruimte. In plaats van herkenbare visuele verwijzingen en objectieve werkelijkheid te verwerpen, richtten Minimalistische kunstenaars als Judd, Sol LeWitt, Barcio en Frank Stella zich op vorm, het gebruik van levendige en pure kleur, scherpe lijnen, minimale textuur en moderne materialiteit. In plaats van de werkelijkheid te abstraheren, brachten de Minimalisten de vormen, kleuren, vormen en lijnen die vaak in abstracte kunst werden onderzocht tot uitdrukking in de fysieke ruimte op een representatieve manier.

Jackson Pollock - Convergentie, 1952, Albright-Knox Kunstgalerij, Buffalo, NY, VS

Het nieuwe nieuwe

De geschiedenis van abstracte kunst is de geschiedenis van de zoektocht van kunstenaars naar vrijheid. Wat dat vandaag betekent, is dat kunstenaars vrij zijn om zich op welke manier dan ook uit te drukken, en te onderzoeken welke methode hen ook maar aanspreekt. De schoonheid van de open stijl van vandaag is dat een kunstenaar elke stijl, elk middel of elke methode kan gebruiken die het beste werkt voor de realisatie van een idee. Hoewel het minimalisme abstracte kunst in de jaren 1970 opzij zette, is abstractie weer op de voorgrond van veel kunstenaarspraktijken gekomen. Hedendaagse abstracte schilders profiteren van de open geest van hun voorgangers. Abstractie blijft ons verbinden met iets dat objectieve werkelijkheid niet kan verklaren; iets diep in ons dat verder reikt dan zichtbare werkelijkheid.

Uitgelichte afbeelding: Wassily Kandinsky - Kandinsky’s eerste abstracte aquarel, 1910, foto via Wikipedia

Alle afbeeldingen worden alleen voor illustratieve doeleinden gebruikt

Door Phillip Barcio