De Late Abstracte Expressionisme in het Werk van Sam Francis

Sommige mensen zeggen dat voor echte kunstenaars het maken van kunst geen keuze is; het is een dwang. Ze maken kunstwerken, of ze nu betaald worden of niet, zelfs als ze genegeerd worden. Met andere woorden, kunstenaars maken kunst omdat ze niet anders kunnen dan kunst maken. Zo serieus als dat klinkt, beschouwde Sam Francis de relatie tussen kunstenaars en het maken van kunst als nog intenser. Hij zag het maken van kunst niet als iets dat een kunstenaar doet, maar als iets dat simpelweg is omdat de kunstenaar er is. Hij zei: “de kunstenaar is zijn werk en niet langer menselijk.” Voor Francis was het scheiden van kunst van een kunstenaar net zo onmogelijk als het scheiden van regen van een wolk. De regen is de wolk. De kunst is de kunstenaar. Er is geen scheiding. Ze zijn één.

Donkerte Is Slechts Een Kleur

Wanneer we terugkijken op de geschiedenis van Abstract Expressionisme, wordt al snel duidelijk dat de kunstenaars die geassocieerd worden met de vroege dagen van de beweging diep beïnvloed waren door de angsten van hun tijd. Ze waren van een generatie die werd gedefinieerd door lijden en opoffering, achtervolgd door de gruwelen van de oorlog en de angst voor de atoombom. Door middel van hun kunstwerken probeerden ze oprecht contact te maken met hun onderbewustzijn en hun innerlijke toestanden van zijn uit te drukken. De duisternis van hun tijd lijkt vaak evident in hun kunst, hetzij in het kleurenpalet, hetzij in de angst van de gebaren, vormen, texturen of composities. Maar diezelfde werken zijn ook onthullend, waardoor kijkers transcendente, contemplatieve toestanden van bewustzijn ervaren. Dus is het werkelijk duisternis die ze uitdrukken?

Sam Francis wordt geassocieerd met de tweede generatie van abstract expressionisme. Hij kwam op de voorgrond na zijn deelname aan de 12 American Artists tentoonstelling in MoMA in 1956, hetzelfde jaar waarin Jackson Pollock, de leidende figuur in de vroege beweging, overleed. Francis begon met schilderen in het ziekenhuis terwijl hij herstelde van een rugblessure die hij opliep tijdens zijn dienst als jachtpiloot in de Tweede Wereldoorlog. Na de oorlog keerde hij terug naar school in zijn geboorteland Californië, waar hij in 1950 een Masterdiploma behaalde aan UC Berkeley. Daar ontmoette hij enkele schilders van de eerste generatie Abstract Expressionisten, waaronder Mark Rothko, die op dat moment lesgaf aan de California School of Fine Arts in San Francisco. Francis vond inspiratie in de focus die deze creatievelingen hadden op zijn en worden, en in hun toewijding aan de zoektocht naar het authentieke zelf. 

Sam Francis - Untitled, 1959, gouache op papier, 11,5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

De Huwelijk van Donker en Licht

Voor Sam Francis waren duisternis en licht geen tegenstrijdige krachten. Het waren complementaire krachten, of misschien zelfs fluctuerende manifestaties van dezelfde kwaliteit. Hij zei ooit: “Een toename van licht geeft een toename van duisternis.” Zei hij dat licht en duisternis één zijn? Of sprak hij over de manier waarop licht een schaduw werpt, wat betekent dat hoe helderder een licht wordt, hoe donkerder de schaduw die het werpt? Of verwees hij naar verlichting, en de metafysische impact van het besef dat hoe meer we leren, hoe meer we realiseren hoe weinig we weten?

Hij had misschien geen van die dingen bedoeld. Hij zei ook eens: “Kleur ontstaat uit de doordringing van licht en donker.” Het is dus mogelijk dat hij simpelweg sprak over contrasten, en hoe de witte ruimte op een canvas de duisternis van verf uitdrukt. Hoe dan ook, zijn opmerkingen bieden tenminste een genuanceerd perspectief van waaruit de schijnbare duisternis van de abstracte expressionistische beweging in het algemeen kan worden geïnterpreteerd. En ze geven ons een startpunt om te begrijpen hoe hij de duisternis, het licht en kleur in zijn eigen schilderijen confronteerde.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 Amerikaanse Schilders

Francis toonde zeven schilderijen in zijn doorbraakgroepsexpositie in MoMA. Ze waren enorm van schaal. Het kleinste was meer dan zes voet hoog en het grootste was meer dan twaalf voet bij tien voet. De schilderijen waren allemaal vernoemd naar kleuren: Blauw Zwart, Geel, Groot Rood, Zwart in Rood, Rood in Rood, Grijs, en Diep Oranje op Zwart. Elk van deze schilderijen deelde een gemeenschappelijke esthetiek, die Francis vestigde als een schilder met een gedefinieerde visuele stijl. Ze waren samengesteld uit gelaagde biomorfe vormen, versterkt door ongebreidelde druppels.

Deze doeken omhullen de kijkers in de composities. De stem van de werken herdefinieert het woord compositie, om minder te focussen op de schikking van esthetische elementen en meer op wat het betekent om samengesteld te voelen. Ze stralen een gevoel van controle, van zelfvertrouwen en van harmonie uit. Ze geven een gevoel dat alles wat nodig is om het schilderij te begrijpen, zich binnen de ruimte van het doek bevindt. En toch nodigt hun sensuele, persoonlijke aard ons uit tot een diepere verkenning van wat er verder verborgen blijft.

Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation

Inperking

Geen sooner had Sam Francis bekendheid verworven om zijn unieke esthetiek dan ging hij er verder mee. Hij breidde zijn kleurenpalet uit met een levendige reeks heldere, pure kleuren. En hij verkende een veelheid aan benaderingen van compositie, waaronder biomorfe representatie in een serie werken genaamd Blue Balls, die prominente blauwe bollen bevatten geïnspireerd door zijn strijd met nierziekte. In het midden van de jaren '60 kwam hij aan bij een andere onderscheidende esthetische idioom gekenmerkt door kleurrijke penseelstreken rond de randen van zijn schilderijen die bijna lege witte ruimte omringen.

Deze werken spreken direct en elegant de ideeën aan die Francis uitdrukte over lichtheid en duisternis. De toegenomen witte ruimte, of lichtheid, versterkt de uitdrukking van de duisternis die door kleur wordt overgebracht. De kleur is geminimaliseerd en definieert toch het beeld. Deze foto's weerstaan de alomtegenwoordige aard van zoveel abstract expressionistische werken. Ze spreken over nietsheid en de kracht van nuance, en vestigen de aandacht op wat niet wordt uitgedrukt.

Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation

Zonder beperkingen

Gedurende het grootste deel van zijn carrière vermeed Francis de New Yorkse kunstscene, en gaf de voorkeur aan leven en werken in Parijs, Tokio en Californië. Hij was niet gebonden aan trends. Hij gebruikte de technieken die geassocieerd worden met action painting, zoals druppelen, gieten en spatten, en gebruikte ook vlekken en werkte met traditionele penselen. Hij maakte afdrukken, litho's en monotypes, en werkte met een scala aan verschillende media en oppervlakken. En hij evolueerde onvermoeibaar zijn compositiestijl. In de jaren '70 en '80 includeerde hij vaak geometrische vormen in zijn schilderijen, en soms schilderde hij zelfs hardedge geometrische werken.

Hij wordt het meest herinnerd om de felgekleurde spetterverf schilderijen die hij in de jaren '80 maakte. Hun vasthouden aan technieken die door veel andere schilders van zijn generatie al lang waren verlaten, zette ze zelfverzekerd apart. Hun primitieve kwaliteiten spraken in gesprek met de Neo-Expressionistische werken van schilders zoals Basquiat. Hun kleurenpalet weerklonk dat van de Pop Art en de Chicago Imagists. En hun beeldtaal riep de abstracte kunstgeschiedenis op, verwijzend naar schilders zoals Miro, Calder en Gorky.

Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation

Voorbij de Tweede Generatie

Sam Francis heeft nooit zijn persoonlijke artistieke evolutie stopgezet. Zelfs nadat hij kort voor zijn dood het gebruik van zijn rechterhand verloor, leerde hij links te schilderen en werkte hij aan een groot nieuw oeuvre dat hij voortzette tot aan zijn dood. Ondanks het veranderen van zijn esthetische stijl heeft hij nooit de essentiële beginselen van abstract expressionisme verlaten. In zijn toewijding eraan heeft hij echter ook fundamenteel getransformeerd wat abstract expressionisme kan zijn. Niet te zeggen dat hij het heeft veranderd. Hij behield de integrale elementen. Hij stopte nooit met intuïtief schilderen, om verbinding te maken met zijn eigen innerlijke staat van zijn, en om te interageren met het canvas als een arena waarin een gebeurtenis plaatsvindt. Maar hij voegde ook iets toe aan de definitie. Wat hij toevoegde, wordt mooi samengevat in zijn eigen beschrijving van wat schilderen is: “Schilderen gaat over de schoonheid van ruimte en de kracht van inhoud.”

Alles is in de vier woorden, schoonheid, ruimte, kracht en beheersing. Sam Francis achtervolgde zonder schaamte schoonheid. Hij omarmde zowel de beperkingen als de mogelijkheden van een gedefinieerde ruimte. Hij erkende en nam persoonlijke verantwoordelijkheid voor de primaire realiteit van de menselijke zoektocht naar macht. En tot slot uitte hij het vertrouwen en de zekerheid die inherent zijn aan het gevoel dat iets is beheerst. Vergelijk dat met wat Jackson Pollock ooit zei over schilderen: “Het schilderij heeft een leven van zijn eigen. Ik probeer het te laten doorkomen.” Naast alles waar hun werk over ging, waren Pollock en de eerste generatie abstracte expressionisten ongebreideld in hun experimenten. Ze hielden een wilde tijger bij de staart, enthousiast om te ontdekken wat het misschien als volgende zou doen, volledig open voor de mogelijkheden, en vooral toegewijd om het zo wild mogelijk te houden zo lang als mogelijk. Sam Francis hielp de tijger temmen. Door dit te doen gaf hij ook de volgende generaties kunstenaars toestemming om te definiëren wat abstract expressionisme voor hen betekent.

Uitgelichte afbeelding:Sam Francis - Untitled, 1962, Acryl en gouache op papier. © The Sam Francis Foundation
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio