De Late Abstracte Expressionisme in het Werk van Sam Francis

Sommige mensen zeggen dat voor ware kunstenaars het maken van kunst geen keuze is; het is een dwang. Ze maken kunstwerken, of ze nu betaald worden of niet, zelfs als ze genegeerd worden. Met andere woorden, kunstenaars maken kunst omdat ze niet anders kunnen dan kunst maken. Hoe serieus dat ook klinkt, Sam Francis beschouwde de relatie tussen kunstenaars en het maken van kunst als nog intenser. Hij zag kunst maken niet als iets wat een kunstenaar doet, maar als iets dat simpelweg is omdat de kunstenaar is. Hij zei: “de kunstenaar is zijn werk en niet langer mens.” Voor Francis was het scheiden van kunst en kunstenaar net zo onmogelijk als regen scheiden van een wolk. De regen is de wolk. De kunst is de kunstenaar. Er is geen scheiding. Ze zijn één.

Donker is slechts een kleur

Als je terugkijkt op de geschiedenis van Abstract Expressionisme, wordt al snel duidelijk dat de kunstenaars die met de vroege dagen van de beweging geassocieerd worden diep beïnvloed waren door de angsten van hun tijd. Ze behoorden tot een generatie die werd gekenmerkt door lijden en opoffering, achtervolgd door de verschrikkingen van oorlog en de angst voor de atoombom. Via hun kunstwerken probeerden ze oprecht contact te maken met hun onderbewustzijn en hun innerlijke gemoedstoestanden uit te drukken. De duisternis van hun tijd lijkt vaak duidelijk in hun kunst, hetzij in het kleurenpalet, hetzij in de angstige gebaren, vormen, texturen of composities. Maar diezelfde werken zijn ook openbarend, waardoor kijkers transcendente, beschouwende bewustzijnstoestanden ervaren. Drukken ze dan werkelijk duisternis uit?

Sam Francis wordt geassocieerd met de tweede generatie abstract expressionisme. Hij werd bekend nadat hij was opgenomen in de tentoonstelling 12 American Artists in het MoMA in 1956, hetzelfde jaar dat Jackson Pollock, de leidende figuur in de vroege beweging, overleed. Francis begon te schilderen in het ziekenhuis terwijl hij herstelde van een ruggenmergblessure die hij opliep tijdens zijn dienst als gevechtspiloot in de Tweede Wereldoorlog. Na de oorlog keerde hij terug naar school in zijn geboortestad Californië, waar hij in 1950 een masterdiploma behaalde aan UC Berkeley. Daar ontmoette hij enkele schilders van de eerste generatie Abstract Expressionisten, waaronder Mark Rothko, die destijds lesgaf aan de California School of Fine Arts in San Francisco. Francis vond inspiratie in de focus die deze creatievelingen hadden op zijn en worden, en in hun toewijding aan de zoektocht naar het authentieke zelf.

Sam Francis - Zonder titel, 1959, gouache op papier, 11,5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

Het huwelijk van duisternis en licht

Voor Sam Francis waren duisternis en licht geen tegengestelde krachten. Ze waren elkaar aanvullende krachten, of misschien zelfs schommelende verschijningsvormen van dezelfde eigenschap. Hij zei ooit: “Een toename van licht geeft een toename van duisternis.” Bedoelde hij dat licht en duisternis één zijn? Of sprak hij over de manier waarop licht een schaduw werpt, wat betekent dat hoe helderder een licht wordt, hoe donkerder de schaduw die het werpt? Of verwees hij naar verlichting, en de metafysische impact van het besef dat hoe meer we leren, hoe meer we beseffen hoe weinig we weten?

Hij had geen van die dingen kunnen bedoelen. Hij zei ook ooit: “Kleur ontstaat uit de doordringing van licht en donker.” Dus het is mogelijk dat hij simpelweg sprak over contrasten, en hoe de witte ruimte op een doek de duisternis van verf uitdrukt. In ieder geval bieden zijn opmerkingen ten minste een genuanceerd perspectief van waaruit de schijnbare duisternis van de abstract expressionistische beweging in het algemeen kan worden geïnterpreteerd. En ze geven ons een uitgangspunt om te begrijpen hoe hij zelf duisternis, licht en kleur in zijn eigen schilderijen benaderde.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 Amerikaanse schilders

Francis toonde zeven schilderijen in zijn doorbraakgroepstentoonstelling in het MoMA. Ze waren enorm van formaat. Het kleinste was meer dan zes voet hoog en het grootste was meer dan twaalf bij tien voet. De schilderijen waren allemaal genoemd naar kleuren: Blauw Zwart, Geel, Groot Rood, Zwart in Rood, Rood in Rood, Grijs, en Diep Oranje op Zwart. Elk van deze schilderijen deelde een gemeenschappelijke esthetiek, die Francis vestigde als een schilder met een duidelijk visuele stijl. Ze bestonden uit gelaagde biomorfe vormen, versterkt door ongeremde druppels.

Deze doeken omhullen de kijkers in de composities. De stem van de werken herdefinieert het woord compositie, met minder nadruk op de rangschikking van esthetische elementen en meer op wat het betekent om gecomponeerd te voelen. Ze stralen een gevoel van beheersing, vertrouwen en harmonie uit. Ze geven het gevoel dat alles wat nodig is om het schilderij te begrijpen binnen de ruimte van het doek is opgenomen. En toch nodigt hun zinnelijke, persoonlijke aard ons uit tot een diepere verkenning van wat er nog meer verborgen blijft.

Sam Francis - Diep Oranje op Zwart, 1955, olieverf op doek. © The Sam Francis Foundation

Beheersing

Nog voordat Sam Francis bekend werd om zijn unieke esthetiek, ging hij daar voorbij. Hij breidde zijn kleurenpalet uit met een levendig scala aan heldere, pure kleuren. En hij verkende een veelheid aan benaderingen van compositie, waaronder biomorfe voorstelling in een reeks werken genaamd Blauwe Ballen, die prominente blauwe bollen tonen geïnspireerd door zijn strijd tegen nierziekte. Halverwege de jaren zestig kwam hij tot een andere duidelijke esthetische uitdrukking, gekenmerkt door kleurrijke penseelstreken rond de randen van zijn schilderijen die bijna lege witte ruimte binnenin omringen.

Deze werken spreken direct en elegant tot de ideeën die Francis uitdrukte over lichtheid en duisternis. De toegenomen witte ruimte, of lichtheid, versterkt de uitdrukking van duisternis die door kleur wordt overgebracht. De kleur is geminimaliseerd en toch definieert het het beeld. Deze afbeeldingen tarten de alomtegenwoordige aard van zoveel abstract expressionistische werken. Ze spreken over nietsheid en over de kracht van nuance, en vestigen de aandacht op wat niet wordt uitgedrukt.

Sam Francis - Zonder titel, 1965, gouache op papier (links) en Sam Francis - Zonder titel (SF-106A), 1969, lithografie (rechts). © The Sam Francis Foundation

Zonder terughoudendheid

Gedurende het grootste deel van zijn carrière vermeed Francis de kunstscene van New York en gaf hij de voorkeur aan wonen en werken in Parijs, Tokio en Californië. Hij liet zich niet beperken door modegrillen. Hij gebruikte de technieken die horen bij actie schilderen, zoals druppelen, gieten en spatten, en gebruikte ook vlekken en werkte met traditionele penselen. Hij maakte prenten, litho’s en monotypes, en werkte met verschillende materialen en ondergronden. En hij ontwikkelde onvermoeibaar zijn compositiestijl. In de jaren zeventig en tachtig nam hij vaak geometrische vormen op in zijn schilderijen, en schilderde soms zelfs hard-edge geometrische werken.

Hij wordt het meest herinnerd om de felgekleurde spattenschilderijen die hij in de jaren tachtig maakte. Hun trouw aan technieken die door veel andere schilders van zijn generatie al lang waren verlaten, maakte ze zelfverzekerd onderscheidend. Hun primitieve kwaliteiten spraken in gesprek met de neo-expressionistische werken van schilders als Basquiat. Hun kleurenpalet deed denken aan dat van popkunst en de Chicago Imagisten. En hun beelden riepen de geschiedenis van de abstracte kunst op, verwijzend naar schilders als Miro, Calder en Gorky.

Sam Francis - Zonder titel, 1983, monotype (links) en Sam Francis - Zonder titel (SF-330), 1988, lithografie op geschept papier (rechts). © The Sam Francis Foundation

Voorbij de tweede generatie

Sam Francis stopte nooit met zijn persoonlijke artistieke ontwikkeling. Zelfs nadat hij vlak voor zijn dood het gebruik van zijn rechterhand verloor, leerde hij met zijn linkerhand schilderen en maakte hij een groot nieuw oeuvre dat hij bleef voortzetten tot zijn overlijden. Ondanks dat hij zijn esthetische stijl veranderde, liet hij de essentiële beginselen van het abstract expressionisme nooit los. In zijn toewijding daaraan transformeerde hij echter ook fundamenteel wat abstract expressionisme kon zijn. Niet dat hij het veranderde. Hij behield de integrale elementen. Hij stopte nooit met intuïtief schilderen, met het verbinden met zijn eigen innerlijke gemoedstoestand, en met het omgaan met het doek als een arena waarin een gebeurtenis plaatsvindt. Maar hij voegde ook iets toe aan de definitie. Wat hij toevoegde wordt mooi samengevat in zijn eigen beschrijving van wat schilderen is: “Schilderen gaat over de schoonheid van ruimte en de kracht van beheersing.”

Alles zit in de vier woorden: schoonheid, ruimte, kracht en beheersing. Sam Francis streefde onbeschaamd naar schoonheid. Hij omarmde zowel de beperkingen als de mogelijkheden van een afgebakende ruimte. Hij erkende en nam persoonlijke verantwoordelijkheid voor de oerrealiteit van de menselijke zoektocht naar macht. En tenslotte drukte hij het vertrouwen en de zekerheid uit die inherent zijn aan het gevoel dat iets is beheerst. Vergelijk dat met wat Jackson Pollock ooit zei over schilderen: “Het schilderij heeft een eigen leven. Ik probeer het door te laten komen.” Naast alles waar hun werk over ging, waren Pollock en de eerste generatie abstract expressionisten ongeremd in hun experimenten. Ze hielden een wilde tijger bij de staart, opgewonden om te ontdekken wat hij daarna zou doen, volledig open voor de mogelijkheden, en vooral toegewijd om hem zo wild mogelijk te houden zo lang mogelijk. Sam Francis hielp de tijger temmen. Daarmee gaf hij ook de volgende generaties kunstenaars toestemming om te bepalen wat abstract expressionisme voor hen betekent.

Uitgelichte afbeelding:Sam Francis - Zonder titel, 1962, acryl en gouache op papier. © The Sam Francis Foundation
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio