Hoe Karel Appel de regels doorbrak door een experiment

We nemen het vandaag de dag als vanzelfsprekend aan dat kunst een creatief veld is. Maar wat betekent dat? Voor iets om gecreëerd te worden, moet het eerder niet hebben bestaan. Creativiteit vereist originaliteit. Kunstenaars zijn daarom oorsprongmakers. Maar dit was niet altijd het geval. In 1921, toen Karel Appel werd geboren, begon creativiteit zich pas te manifesteren als de drijvende kracht achter kunst. Historisch gezien werd, vóór het modernisme, succes in de kunstwereld vaker bereikt door dingen zoals technische en esthetische beheersing dan door creativiteit. Professionele kunstenaars werden verwacht de waarneembare wereld na te volgen, of op zijn minst te verwijzen naar die wereld, en dit te doen op een manier die intellectueel logisch was. Zelfs abstracte kunstenaars moesten in staat zijn om aan kijkers en critici uit te leggen wat ze deden en waarom ze het deden door te verwijzen naar ideologieën en methodologieën die geworteld waren in bestaande denkpatronen. Karel Appel maakte deel uit van de generatie kunstenaars die deze benadering van het creëren van kunst uitdaagde. In plaats van kunst te benaderen vanuit het perspectief van wat al bestaat, pleitte Appel voor een kunst die uitdrukt wat nog niet bestaat. Door dit te doen, installeerde hij een nieuw paradigma voor kunstenaars gebaseerd op creativiteit en originaliteit, dat niet alleen de regels brak, maar misschien ook de noodzaak voor regels helemaal afschafte.

Onbepaalde Experimentatie

We zijn allemaal waarschijnlijk bekend met de aforisme: "Als het niet kapot is, repareer het dan niet." Zo pijnlijk en cliché als het klinkt, drukt dat gevoel de essentie van het Modernisme uit. Aan het einde van de 19e eeuw kon iedereen in de westerse wereld met een globaal perspectief en die in staat was tot kritische observatie, duidelijk zien: "het was kapot:" de "het" zijnde menselijke vooruitgang. De logica van de westerse beschaving had geleid tot een sfeer van intense concurrentie en geweld die dreigde de stof van de mensheid uit elkaar te scheuren. Hoewel er toegegeven veel mensen waren die destijds financieel of anderszins profiteerden van het gebroken systeem, waren er veel meer die konden zien dat het tijd was voor verandering.

Modernisme is de naam die we in brede zin gebruiken om te verwijzen naar de periode die begon aan het einde van de 19e eeuw, waarin een reeks brede transformatieve inspanningen door mensen werd gedaan om opnieuw te verbeelden wat de moderne menselijke samenleving is en zou kunnen zijn. Het fundamentele principe van het modernisme werd het beste verwoord door de auteur Ezra Pound, toen hij zei: “Maak het nieuw!” Hij sprak over de wijdverbreide wens die zoveel mensen hadden om een soort alternatieve culturele realiteit tot leven te brengen. Maar de vraag die in het hoofd van elke modernist speelde was: “Hoe maken we het nieuw?” De meeste van de verschillende antwoorden die werden voorgesteld, hielden in dat er nieuwe artistieke stijlen moesten worden uitgevonden, of dat de huidige manier van kijken naar de wereld moest worden geabstraheerd, of dat het gebruik van esthetische elementen zoals kleur, lijn of vorm moest worden geïnnoveerd. De oplossing die Karel Appel voorstelde was uniek. Het negeerde esthetiek en stijl volledig, en richtte zich op één eenvoudig feit: originaliteit, mogelijk gemaakt door onbelemmerde vrijheid om te experimenteren.

Karel Appel - De Wilde Brandweermannen, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

De Aanwezigheid van Afwezigheid

Voor Appel had de waarde van de artistieke daad niets te maken met het product dat uiteindelijk als gevolg van de daad zou worden gecreëerd. Het belangrijke was het creatieve proces. Het punt was niet dat een kunstenaar zou praten over wat er gemaakt zou worden, of om te oordelen of uit te leggen wat er uiteindelijk gemaakt werd. Het punt was simpelweg om te creëren: om iets onbekends te laten manifesteren, waardoor het onwerkelijke werkelijkheid kon worden. Zoals Appel het verwoordde: “Als de penseelstreek zo belangrijk is, is het omdat het precies uitdrukt wat er niet is.” 

Karel Appel - Ongecategoriseerde Sculptuur, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Het is vaak opgemerkt dat Appel's vroegste pogingen in ongebonden experimentele esthetische creatie lijken op afbeeldingen gemaakt door kinderen. Hun quasi-figuratieve, quasi-abstracte composities maken gebruik van een schijnbaar chaotische woordenschat van kleur en primaire uitdrukkingen van lijn en vorm. Ze werden oorspronkelijk zo verkeerd begrepen, in feite, dat ze toen ze voor het eerst werden tentoongesteld in de late jaren 1940, publiekelijk werden bespot. Maar Appel was niet te ontmoedigen. Hij was niet gemotiveerd door publieke goedkeuring. Hij was toegewijd aan het confronteren van afwezigheid door een proces van het manifesteren van aanwezigheid. Hij was op een reis naar originaliteit, zonder zich te bekommeren waar die reis eindigde of hoe het eruitzag.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel en de CoBrA Groep

Wat was er zo schokkend aan de schilderijen van Appel? Was het het feit dat hij schijnbaar niet om de esthetische resultaten van zijn proces gaf? Of was het de vrijheid waarmee hij creëerde die zo verontrustend was? Het antwoord kan worden gevonden in de omstandigheden van de wereld waarin Appels kunst werd geïntroduceerd. Zijn eerste tentoonstelling vond plaats in 1946, toen Europa net uit de Tweede Wereldoorlog was gekomen. De algemeen heersende opvatting was dat de wereld gek was geworden. De praktische zaken van het herbouwen van het continent en het confronteren van de overweldigende verliezen dwongen een scherpe existentiële angst op de cultuur. Er was een krachtige metafysische wens om de oorlog te contextualiseren, zodat de overlevenden het gevoel hadden dat het offer de kosten waard was. 

Tijdens de oorlog waren de inwoners van Denemarken, Nederland en België effectief volledig afgesneden van de rest van de wereld door de Duitse bezetting van hun grondgebied. Onmiddellijk na de oorlog werd duidelijk dat een kleine groep kunstenaars die de oorlog in Kopenhagen, Brussel en Amsterdam had doorgebracht, tot een vergelijkbare benadering van kunst maken was gekomen. De groep, die Appel omvatte, verwierp de logica en rationale van bestaande westerse instellingen. Ze werden geïnspireerd door primitieve volkskunst en de kunstwerken van kinderen. Ze maakten kunst die geworteld was in intuïtie, spontaniteit en vrijheid van expressie. Toen deze kunstenaars samen begonnen te exposeren, werden ze de CoBrA-groep genoemd, een label dat is afgeleid van de eerste letters van hun geboortesteden.

Karel Appel - Vragende Kinderen, 1949. Gouache op hout. Object: 873 x 598 x 158 mm, lijst: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Een Convergentie van Invloeden

Appel kwam niet tot zijn benadering in een vacuüm. Hij vermeldt in zijn schrijven dat hij een tentoonstelling van Kurt Schwitters heeft gezien, zijn eerste ervaring met wat hij een objet trouvé noemt, een kunstwerk gemaakt van gevonden voorwerpen. Hij noemt de ervaring “verwoestend.” Het bevrijdde hem van de noodzaak om historische tradities met betrekking tot media te volgen, en bevrijdde hem wat dat betreft van alle historische tradities. De intuïtieve, kinderlijke vrijheid waarmee Appel creëert, is ook te danken aan kunstenaars zoals Paul Klee en Joan Miro, van wie beiden een geest van onbelemmerde vrijheid in hun werk overbrachten.

Afgezien van artistieke invloeden, schrijft Appel ook over drie andere invloeden op zijn denken. Hij noemt het boek Leaves of Grass van de Amerikaanse dichter Walt Whitman, het lange gedicht The Songs of Maldoror van de Uruguayaans-Franse schrijver Comte de Lautréamont, en de geschriften van Jiddu Krishnamurti, een invloedrijke denker over de aard van de mensheid. Samen tonen deze invloeden een breed scala aan denken. Leaves of Grass is een van de meest welsprekende en optimistische vieringen van vrijheid en openheid die ooit zijn geschreven. The Songs of Maldoror daarentegen is een van de meest onderscheidende verkenningen van totale slechtheid die ooit zijn samengesteld. Ondertussen moedigde Jiddu Krishnamurti toewijding alleen aan voor persoonlijke bewustzijn om de waarheid te ervaren en vrij te worden.

Karel Appel - uit de Nude-serie, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Appels erfenis

Door de ongebreidelde enthousiasme van kinderen en volkskunstenaars te observeren, vond Appel een pad om binnenin zichzelf datzelfde gevoel van vrijheid te ontdekken. Hij hechtte veel waarde aan de waarde van een vrije menselijke geest. Hij toonde op praktische wijze aan hoe kunstenaars vrij en spontaan de innerlijke ervaring van hun eigen waarheid konden uitdrukken. Die daad alleen al inspireerde een hele generatie kunstenaars, waaronder belangrijke figuren zoals Willem de Kooning en Jackson Pollock, die de wereld veranderden door bewegingen zoals Art Informel en Abstract Expressionisme. 

Maar voorbij de individuele kunstenaars en stijlen die hij beïnvloedde, kan de ware erfenis van Appels bijdrage worden samengevat in de woorden "creatieve proces." Het is volledig te danken aan kunstenaars zoals Appel dat we tegenwoordig als vanzelfsprekend beschouwen dat het belangrijkste aspect van kunst originaliteit moet zijn, en niet nabootsing. In 1989 vatte Appel zijn ervaring samen met de woorden: "Creativiteit is zeer fragiel. Het is als een blad in de herfst; het hangt en wanneer het valt weet je niet waar het naartoe drijft... Als kunstenaar moet je vechten en overleven in de wildernis om je creatieve vrijheid te behouden." Door ware originaliteit te omarmen, elimineerde Appel de noodzaak om zich aan enig pad te houden, behalve de vrije expressie. Door zijn werk leren we dat het belangrijke niet alleen is om de producten van een kunstenaar zijn arbeid te verzamelen, te categoriseren en te bewonderen, maar om te verwonderen over de originaliteit en vrijheid waaruit deze objecten voortkwamen, en om hun bron te omarmen als het werkelijk kostbare en eindeloze proces van creativiteit.

Uitgelichte afbeelding: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio