Deze kunstenaars blijven 3D-geprinte kunst herdefiniëren.

Ik hoorde ooit een grap tijdens een kunstopening met 3D geprinte kunst. Het ging ongeveer zo: “Hoe weet je dat je naar een stuk 3D geprinte kunst kijkt?” Antwoord: “Omdat iedereen het je vertelt.” Het deed me eerst lachen omdat het waar is; mensen zijn vaak zo enthousiast over dit medium dat ze er niet over kunnen zwijgen. En ten tweede lachte ik omdat in bijna elk geval van 3D geprinte kunst die ik heb gezien, het feit dat het met een 3D-printer gemaakt was, voor mij onbelangrijk leek. Niets aan deze werken leek de technologie te vereisen. Het had allemaal ook op een andere manier kunnen worden gemaakt. Wat de vraag oproept: waar maken mensen zich eigenlijk druk om? 3D-printers zijn slechts gereedschappen, niet anders van aard dan bijvoorbeeld projectoren. Ik heb nog nooit iemand in een galerie naar een tekening zien wijzen en horen zeggen: “Dat is gemaakt met een projector.” Maar ik heb ook nog nooit iemand horen zeggen: “Dat is helemaal gemaakt door assistenten terwijl de kunstenaar op vakantie was.” Het punt is, het maakt niet uit. Zodra het idee voor een kunstwerk gevormd is en stappen worden gezet om het te realiseren, maakt het niet uit of het werk wordt uitgevoerd door deze machine of die machine, of deze handen of die handen. Het feit dat een 3D-printer is gebruikt om kunst te maken, bevestigt het werk op geen enkele manier—het is slechts één aspect van de ervaring, en meestal het minst belangrijke aspect. Dit is tenminste mijn mening. Dus toen mij werd gevraagd te schrijven over kunstenaars die 3D geprinte kunst herdefiniëren, nam ik het standpunt aan dat ik kunstenaars zou belichten die interessante ideeën hebben en werk maken waar ik over wil praten, ongeacht hoe het werk tot stand komt. Met die kanttekening hier zeven kunstenaars die met 3D-printtechniek werken en door de kracht van hun ideeën de plaats van dit nieuwe gereedschap in de hedendaagse esthetiek herdefiniëren.

Rirkrit Tiravanija

Als je ooit de term Relationele Esthetiek of Relationele Kunst hebt gehoord, ken je waarschijnlijk de Thaise kunstenaar Rirkrit Tiravanija. Zijn werk was essentieel voor de populariteitstoename van dit type kunstbeleving in de jaren negentig. Zijn bekendste relationele kunsttentoonstelling heette pad thai. Voor de tentoonstelling, gehouden in 1990 in de Paula Allen Galerie in New York, maakte de kunstenaar geen werk om te tonen, maar kookte hij pad thai in de ruimte en serveerde het aan bezoekers van de galerie. De tentoonstelling hielp relationele esthetiek te definiëren als een verkenning van het idee dat kunstenaars niet zozeer makers zijn, maar facilitators van ervaringen. De menselijke relaties die uit die ervaringen voortkomen, zijn het belangrijkste.

Recente aandacht kreeg Tiravanija voor zijn meeslepende installatie op Art Basel Hong Kong 2017, die de rol van kunst en kunstgeschiedenis binnen de menselijke ervaring bevroeg. Het werk was in wezen een gigantisch doolhof gemaakt van traditioneel gebonden bamboe. Bezoekers betraden het doolhof en ontmoetten gaandeweg vijf 3D geprinte bonsaiboompjes, elk geplaatst op een houten voetstuk geïnspireerd door de sculpturale sokkels die ooit door kunstenaar Constantin BrâncuÈ™i werden gemaakt. Het feit dat de bonsaiboompjes 3D geprint zijn, is niet het belangrijkste. Het gaat erom dat ze kunstmatig zijn. Het punt van een bonsaiboom is dat het een natuurlijk ding is dat door menselijke handen zo is beïnvloed dat die menselijke invloed onherkenbaar is. In dit geval werkt de kunstmatigheid van de bomen, gecombineerd met de suggestieve ideeën die het doolhof oproept, samen met de kunsthistorische verwijzingen, om de kijker een abstracte, open ervaring te bieden die sociale interactie vereist om de mogelijke betekenislagen te begrijpen.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D geprinte bonsaiboom op houten voetstuk. © Rirkrit Tiravanija, Met dank aan galerie Neugerriemschneider, Berlijn

Wieki Somers

Het woord vanitas komt uit het Latijn en betekent leegte. Het werd in Nederland in de 16e en 17e eeuw gebruikt als naam voor een soort stilleven. Vanitas-schilderijen zijn in wezen stillevens die verzamelingen banale, materiële voorwerpen tonen, meestal samen met menselijke schedels, om de zinloosheid van het najagen van aardse zaken te illustreren. De Nederlandse kunstenaar en ontwerper Wieki Somers gebruikte de beeldtaal die kenmerkend is voor Vanitas-schilderijen in een serie 3D geprinte kunstwerken die ze in 2010 maakte, als reactie op een ontwerpwedstrijd die ontwerpers vroeg “na te denken over het begrip vooruitgang.” De serie, getiteld Consume or Conserve, bestond uit drie stilleven sculpturale taferelen. Elk tafereel bestond uit banale, alledaagse producten, zoals een weegschaal, een stofzuiger en een broodrooster, volledig 3D geprint uit de as van menselijke resten.

In haar toelichting op het werk wees Somers erop dat de menselijke technologie zo ver gevorderd is dat we binnenkort met het vooruitzicht van eeuwig leven geconfronteerd kunnen worden. “Maar,” vroeg ze, “wat heb je aan eeuwig leven als je het alleen gebruikt om slechts consumenten te blijven die steeds meer producten willen, ongeacht de gevolgen? Als we deze weg van kritiekloze vernieuwing blijven volgen, kunnen we op een dag zelf veranderen in de producten die we maken.” Ze bracht dat idee tot zijn logische conclusie door letterlijk producten te maken van de resten van eens kostbare mensenlevens.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D geprinte menselijke resten. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

De in New York gevestigde kunstenaar Stephanie Lempert maakt werk over communicatie. Ze wil onze aandacht vestigen op taal en de manieren waarop we die gebruiken om onze verhalen, onze geschiedenissen en onze herinneringen over te brengen en betekenis te scheppen in ons leven. Als veelzijdige kunstenaar gebruikt Lempert verschillende middelen. Een van haar meest kernachtige werken is een serie genaamd Reconstructed Reliquaries, waarvoor ze sculpturale relieken maakte die letterlijk uit taal zijn opgebouwd. Deze objecten spreken op meerdere niveaus voor zichzelf. Lempert maakte ze met behulp van 3D-printsoftware. Ze geeft echter de voorkeur aan de gangbare, maar minder modieuze term rapid prototype sculpture.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

De Nederlandse kunstenaar Theo Jansen werd in de jaren negentig bekend toen hij zijn Strandbeests begon te maken, gigantische, bewegende wezens die lijken te lopen alsof ze leven. Hij noemt ze “zelfbewegende stranddieren.” Je hebt misschien beelden gezien van deze wezens die poëtisch over stranden over de hele wereld kruipen. Jansen is deels ontwerper, deels ingenieur en deels kunstenaar. Hij zei ooit: “De muren tussen kunst en techniek bestaan alleen in onze gedachten.” Normaal gesproken maakt hij zijn grote creaties van PVC-buizen. Maar onlangs begon hij zijn creaties voor bijna iedereen toegankelijk te maken door miniatuur, 3D geprinte Strandbeests te verkopen voor slechts €160,00. Het mooiste is dat iedereen die de plannen kan bemachtigen er een kan laten printen. Zoals zijn website zegt: “Theo Jansens Strandbeests hebben een manier gevonden zich te vermenigvuldigen door hun digitale DNA rechtstreeks in 3D-printers te injecteren.”

Theo Jansen - Miniatuur 3D geprint Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Het werk van de Belgische kunstenaar Nick Ervinck schreeuwt van levendige kleuren en spannende vormen, en belichaamt het idee dat een voorwerp dat ruimte inneemt ook ruimte kan scheppen. Zijn beelden variëren in grootte, van miniaturen tot monumentale openbare werken. Door zijn eigen 3D-printgereedschappen en -technieken te ontwerpen, verlegt hij de grenzen van dit gereedschap en gebruikt het niet alleen als doel op zich, maar als een eigenzinnige manier om zijn persoonlijke visionaire creaties te realiseren.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethaan en polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

De in Brooklyn gevestigde kunstenaar Shane Hope gebruikt 3D geprinte cellulaire structuren als een element in zijn abstracte schilderijen. Van een afstand lijken het schilderachtige werken met dikke verfstreken, maar bij nadere beschouwing onthullen zich stapels samengestelde nanostructuren. Dat dit element 3D geprint is, is niet duidelijk en ook niet noodzakelijk voor de waardering van de werken, maar het nadenken over de implicaties van de technologie voegt lagen toe aan hun mogelijke betekenis.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-geprinte PLA moleculaire modellen op acryl ondergrond. © Shane Hope, met dank aan Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Het werk van de Tsjechische kunstenaar Monika Horcicova is betoverend en mooi. Ze keert terug naar thema’s van menselijke botten en skeletstructuren en maakt composities die onze ideeën over ons eigen doel en potentieel uitdagen. Hoewel ze niet uitsluitend in dit medium werkt, gebruikt ze vaak 3D-printtechniek om haar gipscomposiet sculpturen te maken.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D geprinte gipscomposiet. © Monika Horcicova

Afbeelding uitgelicht: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indexical shadow no.1), 2013-2017. Roestvrijstalen voetstuk (3 panelen), 3D geprinte kunststof (Bonsai Boom), roestvrijstalen kubus (sokkel). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 inch, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija en Pilar Corrias Galerie, Londen
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio