Deze kunstenaars blijven 3D-geprinte kunst herdefiniëren.

Ik hoorde ooit een grap tijdens een kunstopening met 3D-geprinte kunst. Het ging ongeveer zo: “Hoe weet je dat je naar een stuk 3D-geprinte kunst kijkt?” Antwoord: “Omdat iedereen het je vertelt.” Het deed me lachen, allereerst omdat het waar is, mensen zijn zo enthousiast over dit medium dat ze gewoon niet kunnen weerstaan om erover te buzzzen. En ten tweede lachte ik omdat in bijna elk geval van 3D-geprinte kunst dat ik heb gezien, het feit dat het gemaakt was met een 3D-printer voor mij irrelevant leek. Niets aan deze werken leek de technologie te vereisen. Het had allemaal met andere middelen gedaan kunnen worden. Wat de vraag oproept: Waar buzzzen iedereen over? 3D-printers zijn gewoon gereedschappen, niet anders van aard dan bijvoorbeeld projectoren. Ik heb nog nooit iemand in een galerie naar me toe zien komen, naar een tekening wijzen en zeggen: “Dat is gemaakt met een projector.” Maar aan de andere kant heb ik ook nog nooit iemand gehad die naar me toe kwam en zei: “Dat is helemaal gemaakt door assistenten terwijl de kunstenaar op vakantie was.” Het punt is, het maakt niet uit. Zodra het idee voor een kunstwerk is gevormd en stappen worden ondernomen om het te realiseren, maakt het geen verschil of het daadwerkelijke werk wordt uitgevoerd door deze machine of die machine, of deze paar handen of dat paar handen. Het feit dat er een 3D-printer is gebruikt om kunst te maken, valideert het werk op geen enkele manier - het is slechts één aspect van de ervaring, en meestal het minst belangrijke aspect daarvan. Dit, althans, is mijn mening. Dus toen ik werd gevraagd om te schrijven over kunstenaars die 3D-geprinte kunst herdefiniëren, nam ik het perspectief aan dat ik kunstenaars moest presenteren die interessante ideeën hebben en werk maken waar ik over wil praten, ongeacht hoe het werk wordt gemaakt. Dus met die kanttekening gemaakt, hier zijn zeven kunstenaars die 3D-printtechnologie gebruiken om hun werk te maken en die, door de kracht van hun ideeën, de plaats van dit nieuwe gereedschap in de hedendaagse esthetiek herdefiniëren.

Rirkrit Tiravanija

Als je ooit de term Relationele Esthetiek of Relationele Kunst hebt gehoord, heb je waarschijnlijk gehoord van de Thaise kunstenaar Rirkrit Tiravanija. Zijn werk was essentieel voor de opkomst van de populariteit van dit type kunstervaring in de jaren '90. Zijn meest beroemde relationele kunsttentoonstelling heette pad thai. Voor de tentoonstelling, die in 1990 in de Paula Allen Gallery in New York werd gehouden, kookte de kunstenaar pad thai in de ruimte en serveerde het aan bezoekers van de galerie in plaats van werk te creëren en te tonen. De tentoonstelling hielp relationele esthetiek te definiëren als een verkenning van het idee dat kunstenaars niet zozeer makers zijn, maar facilitators van ervaringen. De menselijke relaties die voortkomen uit die ervaringen zijn wat het belangrijkst is.

Meer recentelijk ontvangt Tiravanija aandacht voor zijn meeslepende installatie op Art Basel Hong Kong 2017, die de rol van kunst en kunstgeschiedenis binnen de menselijke ervaring in vraag stelde. Het stuk was in wezen een gigantisch doolhof, opgebouwd uit traditioneel gebonden bamboe. Bezoekers gingen het doolhof binnen en terwijl ze hun weg erin vonden, kwamen ze geleidelijk vijf 3D-geprinte bonsai-bomen tegen, elk geplaatst op een houten voetstuk geïnspireerd door de sculpturale bases die ooit door de kunstenaar Constantin BrâncuÈ™i zijn gemaakt. Het feit dat de bonsai-bomen 3D-geprint zijn, is niet het belangrijkste. Het is het feit dat ze kunstmatig zijn dat ertoe doet. Het punt van een bonsai-boom is dat het een natuurlijk iets is dat door menselijke handen op een zodanige manier is beïnvloed dat de menselijke interferentie onherkenbaar is. In dit geval werkt de kunstmatigheid van de bomen, gecombineerd met de evocatieve ideeën geïnspireerd door het doolhof, allemaal vermengd met de kunsthistorische verwijzingen, samen om de kijkers een abstracte, open ervaring te bieden die sociale interactie vereist om de potentiële niveaus van betekenis te begrijpen.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Leeftijden Somers

Het woord vanitas komt uit het Latijn en betekent leegte. Het werd in Nederland in de 16e en 17e eeuw gebruikt als de naam voor een type stilleven. Vanitas-schilderijen zijn in wezen stillevens die verzamelingen van banale, materiële objecten tonen, meestal samen met menselijke schedels, en de zinloosheid van de zoektocht naar aardse dingen illustreren. De Nederlandse kunstenaar en ontwerper Wieki Somers gebruikte de visuele taal die gebruikelijk is in Vanitas-schilderijen in een serie 3D-geprinte kunstwerken die ze in 2010 creëerde, als reactie op een ontwerpwedstrijd die ontwerpers vroeg om "na te denken over het idee van vooruitgang." Getiteld Consume or Conserve, de serie die ze creëerde, bevatte drie stilleven sculpturale tableaus. Elk tableau bestond uit banale, alledaagse producten, zoals een weegschaal, een stofzuiger en een broodrooster, volledig 3D-geprint uit de as van menselijke resten.

In haar uitleg over het werk wees Somers erop dat de menselijke technologie zo ver gevorderd is dat we binnenkort geconfronteerd kunnen worden met het vooruitzicht van eeuwig leven. "Maar," vroeg ze, "waar is een eeuwig leven goed voor als we het alleen gebruiken om door te gaan als louter consumenten die streven naar meer en meer producten, ongeacht de gevolgen? Als we op deze weg van onkritische innovatie doorgaan, kunnen we op een dag ontdekken dat we zijn veranderd in de producten die we in elkaar zetten." Ze volgde dat concept naar zijn logische conclusie, waarbij ze letterlijk producten creëerde uit de resten van eens kostbare menselijke levens.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

Stéphanie Lempert

De in New York gevestigde kunstenaar Stephanie Lempert maakt werk over communicatie. Ze hoopt onze aandacht te vestigen op taal en de manieren waarop we deze gebruiken om onze verhalen, onze geschiedenissen en onze herinneringen te communiceren om betekenis in ons leven te creëren. Als multidimensionale kunstenaar gebruikt Lempert een verscheidenheid aan media. Een van haar meest beknopte werkseries is een serie genaamd Reconstructed Reliquaries, waarvoor ze sculpturale relikwieën heeft gemaakt die letterlijk zijn opgebouwd uit taal. Deze objecten spreken op meerdere niveaus voor zichzelf. Lempert heeft ze gemaakt met behulp van 3D-printsoftware. Ze geeft echter de voorkeur aan de industriestandaard, maar minder opvallende terminologie, rapid prototype sculpture.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

De Nederlandse kunstenaar Theo Jansen werd voor het eerst bekend in de jaren '90 toen hij zijn Strandbeesten begon te creëren, gigantische, kinetische wezens die lijken te lopen zonder hulp. Ze zijn, zoals hij ze noemt, "zelf-aandrijvende stranddieren." Je hebt misschien beelden gezien van hen die poëtisch over stranden over de hele wereld kruipen. Een deel ontwerper, een deel ingenieur en een deel kunstenaar, zei Jansen ooit: "De muren tussen kunst en techniek bestaan alleen in onze geest." Normaal gesproken zijn zijn grote creaties gemaakt van PVC-buizen. Maar onlangs begon hij zijn creaties beschikbaar te stellen voor bijna iedereen door miniatuur, 3D-geprinte Strandbeesten te koop aan te bieden voor slechts €160,00. Het mooiste is dat iedereen die de plannen kan bemachtigen er een kan laten printen. Zoals zijn website stelt: "Theo Jansen's Strandbeesten hebben een manier gevonden om zich te vermenigvuldigen door hun digitale DNA rechtstreeks in 3D-printsystemen te injecteren."

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Het werk van de Belgische kunstenaar Nick Ervinck schreeuwt om levendige kleuren en opwindende vormen, en belichaamt de notie dat een object dat ruimte inneemt ook ruimte kan creëren. Zijn sculpturen komen in alle maten, van miniaturen tot monumentale openbare werken. Door zijn eigen 3D-printtools en -technieken te ontwerpen, duwt hij de grenzen van dit hulpmiddel, waarbij hij het niet alleen als een doel op zich gebruikt, maar als een eigenaardige methode om zijn persoonlijke visionaire creaties te realiseren.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hoop

De in Brooklyn gevestigde kunstenaar Shane Hope gebruikt 3D-geprinte cellulaire structuren als een element van zijn abstracte schilderijen. Van een afstand lijken ze op schilderachtige werken die hoog zijn opgestapeld met impasto penseelstreken, maar bij nader onderzoek onthullen zich stapels van geassembleerde nano-structuren. Dat dit element 3D-geprint is, is niet voor de hand liggend en ook niet noodzakelijk voor de waardering van de werken, maar overweging van de implicaties van de technologie voegt lagen toe aan hun potentiële betekenis.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Het werk van de Tsjechische kunstenaar Monika Horcicova is spookachtig en mooi. Ze keert terug naar thema's van menselijke botten en skeletstructuren, en creëert composities die onze ideeën over ons eigen doel en potentieel uitdagen. Hoewel ze niet exclusief in dit medium werkt, gebruikt ze vaak 3D-printtechnologie om haar gipscomposiets sculpturen te maken.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

Uitgelichte afbeelding: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indexical shadow no.1), 2013-2017. Roestvrijstalen basis (3 x panelen), 3D-geprinte plastic (Bonsai Boom), roestvrijstalen kubus (plint). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 in, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija en Pilar Corrias Gallery, Londen
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio