Twee grote Mary Heilmann-tentoonstellingen geven de kunstenaar de langverwachte aandacht.

Mary Heilmann krijgt op dit moment veel aandacht, wat ze waarschijnlijk als eerste zou toegeven dat het is wat ze altijd echt wilde. Dat is geen kritiek. Ik parafraseer alleen wat Heilmann in een interview met de Guardian in 2016 zei. Toen ze jong was, wilde ze een atleet zijn omdat dat haar aandacht kreeg. Dus werd ze een duiker, maar later, toen surfen in de mode was, werd ze een surfer zodat ze erbij kon horen. Op de universiteit studeerde ze poëzie. Het was pas toen ze aandacht begon te krijgen voor haar vaardigheid in het maken van keramiek dat ze zich tot kunst aangetrokken voelde. Maar wat is daar mis mee? Wat is er mis mee om iets te doen omdat het je aandacht brengt? Wat is er mis mee om geen altruïstische reden te hebben voor het maken van kunst? Sommige kunstenaars beweren dat ze kunst maken uit een drang om te creëren. Anderen beweren hooghartigere filosofische of poëtische redenen. Dan zijn er kunstenaars die simpelweg weigeren uit te leggen waarom ze doen wat ze doen, alsof het ondoorgrondelijk is, of onuitsprekelijk met alleen woorden. Heilmann, die eerder dit jaar 77 werd, is comfortabel genoeg in haar vel om de waarheid te vertellen: ze geniet gewoon van het maken van dingen, en omdat het interessant, leuk is, aandacht krijgt en de rekeningen betaalt, blijft ze het doen. Maar vergeleken met haar vrienden, die in de loop der jaren onder anderen Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman en tientallen andere beroemde kunstenaars omvatten, heeft Heilmann een leven van relatieve obscuriteit geleefd. Dat veranderde allemaal in 2007, toen een grote retrospectieve van haar werk twee jaar lang door de Verenigde Staten reisde. Sindsdien is ze geleidelijk begonnen haar rechtmatige aandeel op te eisen als de invloedrijke kracht in de hedendaagse abstracte kunst die ze werkelijk is. Als je nog nooit van Mary Heilmann hebt gehoord, zijn verschillende elementen van haar enorme oeuvre momenteel te zien in twee gelijktijdige solo-exposities dicht bij elkaar in New York, waardoor dit het perfecte moment is om haar werk te ontdekken.

De kunst van eerlijkheid

Mary Heilmann heeft gedurende haar carrière genereus tientallen interviews gegeven. Dat alleen zou haar niet noodzakelijk onderscheiden van andere kunstenaars. Maar wat haar wel onderscheidt, is dat ze in haar interviews zo bereid is om meedogenloos eerlijk te zijn. Op haar ontspannen en casual manier zegt ze precies wat ze echt denkt, waardoor het moeilijk, zo niet onmogelijk, is voor iemand om haar echt te bekritiseren - hoewel veel mensen in de loop der jaren hebben geprobeerd. Bijvoorbeeld, er zijn degenen die het werk dat Heilmann maakt afgeleiden noemen, en suggereren dat ze gewoon de vermoeide tropen uit het verleden herhaalt, en zelfs openlijk de prestaties van enkele andere beroemde kunstenaars kopieert. Maar in een interview met Ross Bleckner voor BOMB Magazine, sprak Heilmann trots over het feit dat ze vaak inspiratie haalt uit kunstenaars uit het verleden wiens werk ze bewondert. Op een gegeven moment in dat interview wijst ze een nieuw werk aan Bleckner en zegt dat het een Calder is. En het zijn niet alleen beroemde kunstenaars die Heilmann imiteert. In meerdere interviews heeft ze met een glimlach op haar gezicht gezegd dat ze dol is op de kleurcombinaties van de televisieshow The Simpsons. Ze kopieert de kleuren op haar doeken, in de hoop dezelfde levendigheid en puurheid te bereiken die ze had toen ze ze voor het eerst in de cartoon zag. Sommige critici noemen Heilmann lui. Maar in haar interview met ART21 heeft ze de wind uit de zeilen van haar tegenstanders gehaald, lachend over hoe lui ze is, en opmerkte dat ze nooit zo had kunnen worstelen als de Abstract Expressionisten dat deden. Ze geeft toe dat ze actief de snelste, gemakkelijkste manieren zoekt om haar werken te realiseren. Ze praat openlijk over het gebruik van Photoshop om haar ideeën te ontwikkelen, en maakt een grapje dat sommige van haar schilderijen haar slechts enkele minuten kosten om te produceren. En dan is er de meest beroemde kritiek die ze heeft ontvangen, toen de kunstcriticus David Hickey Heilmann beschuldigde van niets te weten over de kunst van het schilderen. Toen ze vandaag over dat essay werd gevraagd, stemde Heilmann toe en erkende ze dat Hickey gelijk had toen hij dat essay schreef.

Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York

Dwaasheden en hun Dwaasheden

Maar er is iets precies omgekeerd aan het denken van al die critici, die ten onrechte Mary Heilmann voor een dwaas houden. Ten eerste vergeten ze de wijsheid van de dichter William Blake, die erop wees dat de dwaas die volhardt in zijn dwaasheid wijs wordt. Inderdaad, hoewel Heilmann misschien niets wist over de kunst van het schilderen toen ze begin jaren zeventig begon te schilderen, heeft ze zichzelf het leren. Ze bestudeerde het werk van haar idolen. Ze sprak met de andere kunstenaars met wie ze omging en werkte. Ze vertrouwde op haar competitieve geest, haar genialiteit en haar volharding om zoveel te leren over de kunst van het schilderen dat ze het professioneel kwam onderwijzen. En voor een zogenaamd luie kunstenaar heeft Heilmann zeker een opmerkelijk omvangrijk oeuvre geproduceerd, dat, toevallig, vertegenwoordigd is in veel van de meest prestigieuze collecties ter wereld. En voor een kunstenaar die zogenaamd derivatief is, is het opmerkelijk hoe beknopt en onmiddellijk herkenbaar dat oeuvre is geworden. Misschien begrijpen de critici niet dat het niet aan hen is om te beslissen wat de vereisten zijn om een kunstenaar te zijn. De Amerikaanse auteur Kurt Vonnegut wees ooit in een brief aan zijn broer, een aspirant-schilders, erop dat wat een goed kunstwerk maakt, is dat mensen eromheen willen zijn. In het geval van Mary Heilmann past haar werk zeker in dat plaatje. Het past zo goed, in feite, dat een van de dingen waarvoor Heilmann het meest bekend is geworden, haar neiging is om stoelen op te nemen in haar tentoonstellingen, zodat mensen die de shows bijwonen kunnen zitten. Ze ontwerpt en maakt de stoelen met de hand. Ze zijn iconisch voor haar palet en de wereld van vormen die ze in haar andere werk heeft ontwikkeld. Het feit dat ze überhaupt nodig zijn - dat bezoekers van haar tentoonstellingen de behoefte hebben om even te zitten omdat ze geïnteresseerd zijn om zo lang mogelijk in de aanwezigheid van haar werk te blijven - is alle validatie die Heilmann nodig heeft.

Mary Heilmann - Sunny Chair for Whitechapel (2016) (Mint), 2016, Painted plywood, 25 1/2 × 8 3/10 × 24 3/10 in, © Whitechapel Gallery

Vertoningen van macht

Toen Mary Heilmann voor het eerst naar New York City kwam, nadat ze in 1968 haar MFA aan de University of California, Berkeley had behaald, beschreef ze zichzelf als een "agressieve hippie." Ze geloofde dat ze net zo goed was als Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse of een van de andere kunstenaars die destijds de scene domineerden. Ze kwam vaak opdagen in de bar waar zulke beroemde kunstenaars zich ophielden en begon discussies om de concurrentie uit te dagen. Ze kreeg destijds enige aandacht, maar werd de roem die ze zo graag wilde en dacht te verdienen, ontzegd. Tegenwoordig is ze contemplatief over die ervaringen. Ze reflecteert dat het misschien een goede zaak is dat de aandacht die ze vandaag krijgt, niet eerder in haar leven naar haar is gekomen. Ze voelt dat haar eerdere werk destijds niet op dezelfde manier begrepen zou zijn als het nu begrepen kan worden. Dit idee raakt aan een veelvoorkomend thema voor Heilmann: het Japanse concept van Wabi-sabi. In wezen is Wabi-sabi het idee dat schoonheid te vinden is in vergankelijkheid. Een gegooide keramische theekop met imperfecties is mooier dan iets dat machinaal is gemaakt, omdat het de imperfecties van de materialen accepteert, evenals die van de persoon die het heeft gemaakt. Naarmate dingen ouder worden, eist de tijd zijn tol en worden ze mooier—dit is Wabi-sabi. Terug in 1976, als we de kans hadden gehad om de rode, gele en blauwe schilderijen te zien die Mary Heilmann aan het schilderen was, wie kan zeggen hoe we erop zouden hebben gereageerd. Maar nu, veertig jaar later, zijn ze fysiek ouder, net als wij. We zien hun imperfecties, evenals de imperfecties van de kunstenaar die ze heeft gemaakt, die ze nooit heeft geprobeerd te verbergen. Op de een of andere manier kunnen we door die ervaring ook de imperfecties in onszelf opmerken en hun gratie erkennen.

RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975–78, installation view at Craig F. Starr, New York 2017, Light Blue Studio

Mary Heilmann Momenteel Te Zien

Als u de kunst van Mary Heilmann wilt ontdekken, zijn vijf doeken, een hangend keramisch stuk en vijf keramische kopjes en schotels momenteel te zien in het Dan Flavin Art Institute van de Dia Art Foundation in Bridgehamton, New York tot 27 mei 2018. Tegelijkertijd, tot 28 oktober 2017, toont de tentoonstelling RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975-78 in de Craig F. Starr Gallery in New York een installatie van drie keramische kommen op een schoorsteenmantel, evenals 12 doeken die Heilmann creëerde tijdens haar doorbraakperiode in de late jaren 1970, toen ze alleen primaire kleuren en eenvoudige geometrische vormen gebruikte als een uitdaging om zich voor te stellen wat schilderkunst zou kunnen worden. Meta Beschrijving: Twee huidige tentoonstellingen in New York van het werk van Mary Heilmann tonen voorbeelden van haar schilderijen, sculpturen en keramiek, en laten het gevarieerde oeuvre van een invloedrijke kunstenaar zien.

Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York

Uitgelichte afbeelding: Mary Heilmann - installatiezicht, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Door Phillip Barcio