Twee grote Mary Heilmann-tentoonstellingen geven de kunstenaar de langverwachte aandacht.

Mary Heilmann krijgt momenteel veel aandacht, wat ze waarschijnlijk als eerste zou toegeven is alles wat ze ooit echt wilde. Dat is geen kritiek. Ik parafraseer alleen wat Heilmann in 2016 aan The Guardian vertelde in een interview. Toen ze jong was, wilde ze atlete worden omdat dat haar aandacht opleverde. Dus werd ze een duiker, maar later, toen surfen in de mode was, werd ze surfer om erbij te horen. Op de universiteit studeerde ze poëzie. Pas toen ze aandacht kreeg voor haar vaardigheid in het draaien van keramiek, voelde ze zich aangetrokken tot kunst. Maar wat is daar mis mee? Wat is er mis met iets doen omdat het je aandacht oplevert? Wat is er mis met geen altruïstische reden hebben om kunst te maken? Sommige kunstenaars beweren dat ze kunst maken uit een drang om te creëren. Anderen geven hoogdravendere filosofische of poëtische redenen. Weer anderen weigeren simpelweg uit te leggen waarom ze doen wat ze doen, alsof het ondoorgrondelijk is of niet met woorden uit te drukken. Heilmann, die eerder dit jaar 77 werd, voelt zich genoeg op haar gemak om de waarheid te vertellen: ze geniet gewoon van het maken van dingen, en omdat het interessant, leuk is, aandacht krijgt en de rekeningen betaalt, blijft ze het doen. Maar vergeleken met haar vrienden, waaronder in de loop der jaren Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman en tientallen andere beroemde kunstenaars, heeft Heilmann een relatief onbekend leven geleid. Dat veranderde allemaal in 2007, toen een grote overzichtstentoonstelling van haar werk twee jaar door de Verenigde Staten trok. Sindsdien is ze geleidelijk begonnen haar rechtmatige plaats op te eisen als de invloedrijke kracht in de hedendaagse abstracte kunst die ze werkelijk is. Als je nog nooit van Mary Heilmann hebt gehoord, zijn verschillende elementen van haar omvangrijke oeuvre momenteel te zien in twee gelijktijdige solotentoonstellingen dicht bij elkaar in New York, wat dit het perfecte moment maakt om haar werk te ontdekken.

De Kunst van Eerlijkheid

Mary Heilmann heeft gedurende haar carrière tientallen interviews gegeven. Dat zou haar op zich niet per se onderscheiden van andere kunstenaars. Maar wat haar onderscheidt, is dat ze in haar interviews zo bereid is om meedogenloos eerlijk te zijn. Op haar ontspannen en informele manier zegt ze precies wat ze echt denkt, waardoor het moeilijk, zo niet onmogelijk is voor iemand om haar echt te bekritiseren—hoewel veel mensen dat door de jaren heen wel geprobeerd hebben. Zo zijn er mensen die het werk van Heilmann afdoen als afgeleid, suggererend dat ze alleen maar vermoeide clichés uit het verleden herhaalt, en zelfs openlijk het werk van andere beroemde kunstenaars kopieert. Maar in een interview met Ross Bleckner voor BOMB Magazine sprak Heilmann trots over het feit dat ze vaak inspiratie haalt uit kunstenaars uit het verleden wiens werk ze bewondert. Op een gegeven moment in dat interview wijst ze Bleckner op een nieuw werk en zegt dat het een Calder is. En het zijn niet alleen beroemde kunstenaars die Heilmann nadoet. In meerdere interviews heeft ze met een glimlach gezegd dat ze dol is op de kleurcombinaties van de televisieserie The Simpsons. Ze kopieert de kleuren op haar doeken, in de hoop dezelfde levendigheid en puurheid te bereiken die ze hadden toen ze ze voor het eerst in de tekenfilm zag. Sommige critici noemen Heilmann lui. Maar in haar interview met ART21 haalde ze de wind uit de zeilen van haar tegenstanders, lachend over hoe lui ze is, en merkte op dat ze nooit zo hard had kunnen worstelen als de Abstracte Expressionisten. Ze geeft toe dat ze actief op zoek is naar de snelste, gemakkelijkste manieren om haar werken te realiseren. Ze praat openlijk over het gebruik van Photoshop om haar ideeën te ontwikkelen, en maakt grapjes dat sommige van haar schilderijen haar slechts enkele minuten kosten om te maken. En dan is er de bekendste kritiek die ze kreeg, toen kunstcriticus David Hickey Heilmann ervan beschuldigde niets te weten van het ambacht van het schilderen. Wanneer ze vandaag over dat essay wordt gevraagd, stemt Heilmann toe en erkent dat Hickey gelijk had toen hij dat essay schreef.

Mary Heilmann - installatiezicht, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Dwazen en Hun Dwaasheden

Maar er is iets precies verkeerd om aan het denken van al die critici, die ten onrechte Mary Heilmann voor een dwaas aanzien. Ten eerste vergeten ze de wijsheid van de dichter William Blake, die opmerkte dat de dwaas die volhardt in zijn dwaasheid wijs wordt. Inderdaad, hoewel Heilmann misschien niets wist van het ambacht van het schilderen toen ze in het begin van de jaren zeventig begon met schilderen, heeft ze zichzelf het vak geleerd. Ze bestudeerde het werk van haar idolen. Ze sprak met de andere kunstenaars met wie ze omging en werkte. Ze vertrouwde op haar competitieve geest, haar genialiteit en haar volharding om zoveel te leren over het ambacht van het schilderen dat ze het uiteindelijk professioneel ging onderwijzen. En voor een zogenaamd luie kunstenaar heeft Heilmann zeker een opmerkelijk omvangrijk oeuvre geproduceerd, dat zich overigens bevindt in veel van de meest prestigieuze verzamelingen ter wereld. En voor een kunstenaar die zogenaamd afgeleid is, is het opmerkelijk hoe beknopt en direct herkenbaar dat oeuvre is geworden. Misschien begrijpen de critici niet dat het niet aan hen is om te bepalen wat de vereisten zijn om kunstenaar te zijn. De Amerikaanse schrijver Kurt Vonnegut wees ooit in een brief aan zijn broer, een beginnend schilder, op dat wat een goed kunstwerk maakt, is dat mensen er graag bij willen zijn. In het geval van Mary Heilmann past haar werk zeker in dat plaatje. Het past er zo goed in, dat een van de dingen waarvoor Heilmann het meest bekend is geworden, haar neiging is om stoelen in haar tentoonstellingen op te nemen, zodat bezoekers kunnen zitten. Ze ontwerpt en maakt de stoelen met de hand. Ze zijn iconisch voor haar kleurenpalet en de wereld van vormen die ze in haar andere werk heeft ontwikkeld. Het feit dat ze überhaupt nodig zijn—dat bezoekers van haar tentoonstellingen de behoefte hebben om even te zitten omdat ze zo lang in de aanwezigheid van haar werk willen blijven—is alle bevestiging die Heilmann nodig heeft.

Mary Heilmann - Sunny Chair voor Whitechapel (2016) (Mint), 2016, beschilderd multiplex, 25 1/2 × 8 3/10 × 24 3/10 inch, © Whitechapel Gallery

Krachttoontjes

Toen Mary Heilmann voor het eerst naar New York City kwam, nadat ze in 1968 haar MFA aan de University of California, Berkeley, had behaald, noemde ze zichzelf een “agressieve hippie.” Ze geloofde dat ze net zo goed was als Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse of een van de andere kunstenaars die destijds het toneel domineerden. Ze kwam vaak naar de kroeg waar zulke beroemde kunstenaars kwamen en begon ruzies om de concurrentie uit te dagen. Ze kreeg toen wat aandacht, maar werd de roem die ze zo graag wilde en dacht te verdienen, ontzegd. Tegenwoordig is ze bedachtzaam over die ervaringen. Ze denkt dat het misschien goed is dat de aandacht die ze nu krijgt niet eerder in haar leven kwam. Ze vindt dat haar vroegere werk toen niet op dezelfde manier begrepen zou zijn als nu. Dit idee raakt een terugkerend thema voor Heilmann: het Japanse concept Wabi-sabi. Wabi-sabi is in wezen het idee dat schoonheid gevonden wordt in vergankelijkheid. Een gegooide keramische theekop met imperfecties is mooier dan iets machinaal gemaakt omdat het de imperfecties van de materialen accepteert, evenals die van de maker. Naarmate dingen ouder worden, eist de tijd zijn tol en worden ze mooier—dat is Wabi-sabi. Terug in 1976, als we de kans hadden gehad om de rode, gele en blauwe schilderijen te zien die Mary Heilmann toen maakte, wie weet hoe we erop gereageerd zouden hebben. Maar nu, veertig jaar later, zijn ze fysiek ouder, net als wij. We zien hun imperfecties, evenals die van de kunstenaar die ze maakte, die ze nooit heeft proberen te verbergen. Op de een of andere manier merken we door die ervaring misschien ook onze eigen imperfecties op en herkennen we hun schoonheid.

RYB: Mary Heilmann Schilderijen, 1975–78, installatiezicht bij Craig F. Starr, New York 2017, Light Blue Studio

Mary Heilmann Momenteel Te Zien

Als u de kunst van Mary Heilmann wilt ontdekken, zijn vijf doeken, een hangend keramisch werk en vijf keramische kopjes met schotels momenteel te zien in het Dan Flavin Art Institute bij de Dia Art Foundation in Bridgehampton, New York tot en met 27 mei 2018. Tegelijkertijd, tot en met 28 oktober 2017, toont de tentoonstelling RYB: Mary Heilmann Schilderijen, 1975-78 in de Craig F. Starr Gallery in New York een installatie van drie keramische kommen op een schoorsteenmantel, evenals 12 doeken die Heilmann maakte tijdens haar doorbraakperiode eind jaren zeventig, toen ze alleen primaire kleuren en eenvoudige geometrische vormen gebruikte als uitdaging om te herdenken wat schilderkunst kon worden. Meta Beschrijving: Twee lopende tentoonstellingen in New York van het werk van Mary Heilmann tonen voorbeelden van haar schilderijen, beelden en keramiek, en laten het gevarieerde oeuvre zien van een invloedrijke kunstenaar.

Mary Heilmann - installatiezicht, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Uitgelichte afbeelding: Mary Heilmann - Mary Heilmann, Ray, 2017. © Mary Heilmann. Foto: Thomas Müller. Met toestemming van de kunstenaar

Door Phillip Barcio