Un Art Autre - Abstraction in de naoorlogse periode in Parijs bij Levy Gorvy
In 1952 bedacht de Franse kunstcriticus en conservator Michel Tapié de uitdrukking “Un Art Autre,” wat “kunst van een ander soort” betekent, om te verwijzen naar een stroming die hij waarnam in de abstracte kunst, weg van rationaliteit en naar spontaniteit toe. De stroming manifesteerde zich niet alleen in Frankrijk, waar Tapié gevestigd was, maar het was naar Frankrijk dat veel kunstenaars van over de hele wereld in de jaren 50 en 60 reisden om hun verkenning van dit esthetische fenomeen te delen. Sommigen waren veteranen van de Tweede Wereldoorlog die na de oorlog in Europa bleven of terugkeerden om te studeren en te werken. Anderen werden simpelweg aangetrokken door de opwinding van een stad en cultuur die zichzelf probeerde te herbouwen. Profiterend van de unieke “cafécultuur” van Parijs, deelden deze internationale groep kunstenaars en denkers hun ideeën vrijelijk, wat een opwindende, oerscène creëerde. Die fascinerende cultuur is momenteel onderwerp van een tentoonstelling bij Levy Gorvy in Londen, die haar naam ontleent aan de beweging waaraan Tapié een naam gaf. Un Art Autre toont 22 schilderijen van vijf schilders— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell en Sam Francis—die elk in de jaren 50 en 60 Parijs hun thuis noemden. Zij vertegenwoordigen respectievelijk Frankrijk, China, Canada en de Verenigde Staten en brachten elk een individualistische wereldbeschouwing en persoonlijke geschiedenis mee. Ieder had een totaal andere relatie tot het schilderen en tot het leven. Toch deelden ze allemaal de wens om contact te maken met iets intuïtiefs en vrijs. Deze vijf kunstenaars waren zeker niet de enige stemmen van de “kunst van een ander soort” die uit de naoorlogse jaren in Europa voortkwam, maar het samen zien van hun werken in deze tentoonstelling biedt een aangrijpingspunt om de beweging waarvan zij deel uitmaakten te begrijpen. Het geeft hedendaagse kijkers ook de kans om de verschillen te onderzoeken tussen deze beweging en soortgelijke tendensen die zich in die tijd elders manifesteerden, zoals het Abstract Expressionisme in de Verenigde Staten.
Kleur en Zwart-Wit
Tegenwoordig wordt Pierre Soulages door velen beschouwd als de grootste levende schilder. Hij is geliefd om zijn elegante en vaak emotioneel overweldigende zwarte schilderijen. Zelfs toen Soulages zijn unieke stem in Parijs na de oorlog ontwikkelde, had hij een diepgaand begrip van hoe de kleur zwart in zijn schilderijen functioneerde. Hij zag het niet als een manier om duisternis te tonen, maar als een manier om “licht te scheppen.” Door glanzende en matte afwerkingen naast elkaar te plaatsen en relaties te creëren tussen zwarte en witte delen van het doek, creëerde hij mogelijkheden voor het licht om te spelen met texturen en tinten. De relaties tussen de verschillende delen van het doek maken zijn schilderijen zo stralend. In deze tentoonstelling zien we vijf van zijn doeken. Ondanks hun strakke composities in schilderijen als “Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957” (1957) en “Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957” (1957), brengen hun levendige zwarten en krachtige penseelstreken hun oppervlakken tot leven. Ze zijn allesbehalve puur zwart, maar het samenspel van okers, blauwen en witten laat het zwart des te meer glanzen.
Joan Mitchell - Ongetiteld, 1957. Olie op doek. 69 x 58 1/2 inch (175,2 x 148,5 cm). Particuliere collectie, Santa Barbara. © Nalatenschap van Joan Mitchell.
Kleurrelaties waren ook van het grootste belang voor Joan Mitchell, van wie vier werken in deze tentoonstelling te zien zijn. Alle vier—die voor de meeste bezoekers waarschijnlijk nieuw zullen zijn, omdat ze volledig uit particuliere collecties zijn samengebracht—tonen Mitchells meesterlijke vermogen om emotionele toon over te brengen via haar kleurenpalet. Wat we in haar werken zien is duidelijk iets “van de natuur,” ondanks dat de beelden volledig abstract zijn. Dat gevoel van natuurlijkheid wordt alleen maar versterkt door de bijna extatische gebarenstijl die Mitchell ontwikkelde tijdens haar frequente bezoeken aan, en uiteindelijke verhuizing naar Frankrijk—een stijl die prachtig wordt weergegeven door de werken in deze tentoonstelling. Haar composities zijn de losste en vrijste van alle werken in de tentoonstelling: een bewijs van haar wens om tijdens het schilderen in zichzelf te verdwijnen en een gevoel van iets persoonlijks vast te leggen, gebaseerd op haar eigen herinneringen aan de natuurlijke wereld.
Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Olie op doek. 80 3/4 x 76 inch (205,1 x 193 cm). Mildred Lane Kemper Kunstmuseum, Washington University in St. Louis. Geschenk van meneer en mevrouw Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Stichting, Californië / DACS 2019.
Het Volledige Spectrum van Impuls
De werken van Jean Paul Riopelle tonen de dramatische verandering in zijn werkwijze in het begin van de jaren 50. Het meest herkenbare werk in de tentoonstelling is “Abstraction (Orange)” (1952). Een van de grotere werken, de woelige gebaren roepen meteen een vergelijking op met de spattingschilderijen die het meest geassocieerd worden met abstract-expressionistische schilders als Jackson Pollock. In latere werken zoals “Horizontal, Black and White” (1955) zien we Riopelle een veel bedachtzamere techniek toepassen, met strakke, gemeten, angstige penseelstreken, terwijl hij toch de impulsieve energie behoudt die zijn werk zo levendig maakt. Aan bijna het tegenovergestelde uiteinde van het impulsenspectrum zien we drie sublieme schilderijen van Zao Wou-Ki. Hun gedempte kleurenpaletten en evenwichtige composities tonen een schilder die een prachtig betoverende balans vindt tussen vrije expressie en gemeten kalmte.
Jean Paul Riopelle - Horizontal, Black and White, 1955. Olie op doek. 28 3/4 x 36 1/4 inch (73 x 92 cm). Foto: Øystein Thorvaldsen. Henie Onstad Kunstcentrum Collectie, Høvikodden, Noorwegen. © SODRAC, Montreal en DACS, Londen, 2019.
De schilder die mij het minst bekend is uit deze tentoonstelling is Sam Francis. Na het zien van de vijf voorbeelden van zijn werk in de tentoonstelling, heb ik het gevoel dat er nog veel meer over hem te leren valt. De etherische lichtzinnigheid van een ongetiteld oranje, geel en blauw werk deed mij denken aan Hellen Frankenthaler, terwijl zijn “Blue Series No. 1” (1960) me meteen aan Yves Klein deed denken. Twee andere stukken—“Composition” (ca. 1957-58) en “Untitled” (1959)—bieden iets meer eigens: een bijna elektrische opwinding, alsof ik letterlijk naar beelden van schommeling en stroming keek. Die begrippen liggen eigenlijk aan de basis van wat deze tentoonstelling te zeggen heeft over de “kunst van een ander soort” die in de jaren 50 en 60 in Parijs ontstond. Het is moeilijk precies te vatten en te benoemen, maar het was een kunst die gekenmerkt werd door haar vermogen tot verandering en haar bereidheid om los te laten. Un Art Autre is te zien bij Levy Gorvy London tot 5 juli 2019.
Afbeelding in de spotlight: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Olie op doek. 31 7/8 x 51 3/16 inch (81 x 130 cm). Particuliere collectie. © DACS 2019.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio
