Un Art Autre - Abstraction in de naoorlogse periode in Parijs bij Levy Gorvy

In 1952 bedacht de Franse kunstcriticus en curator Michel Tapié de term “Un Art Autre,” wat “kunst van een andere soort” betekent, om te verwijzen naar een trend die hij waarnam in de abstracte kunst, weg van rationaliteit en naar spontaniteit. De trend manifesteerde zich niet alleen in Frankrijk, waar Tapié gevestigd was, maar het was naar Frankrijk dat veel kunstenaars van over de hele wereld reisden in de jaren 50 en 60 om hun verkenning van dit esthetische fenomeen te delen. Sommigen waren veteranen van de Tweede Wereldoorlog die ofwel in Europa bleven na de oorlog of daarheen terugkeerden om te studeren en te werken. Anderen werden simpelweg aangetrokken door de opwinding van een stad en cultuur die zichzelf probeerde te herbouwen. Profiterend van de unieke “café cultuur” van Parijs, deelden deze internationale verzameling van kunstenaars en denkers hun ideeën vrijelijk, wat een opwindende, oervormige scène creëerde. Die fascinerende cultuur is momenteel het onderwerp van een tentoonstelling bij Levy Gorvy in Londen, die zijn naam ontleent aan de beweging waaraan Tapié een naam gaf. Un Art Autre bevat 22 schilderijen van vijf schilders— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell en Sam Francis—die elk in de jaren 50 en 60 Parijs als thuis noemden. Deze kunstenaars, die respectievelijk Frankrijk, China, Canada en de Verenigde Staten vertegenwoordigden, brachten elk een individualistische wereldvisie en persoonlijke geschiedenis mee. Elk had een volkomen andere relatie tot schilderkunst en tot het leven. Toch deelden ze allemaal de wens om verbinding te maken met iets intuïtiefs en vrijs. Deze vijf kunstenaars waren geenszins de enige stemmen van de “kunst van een andere soort” die voortkwam uit de naoorlogse jaren in Europa, maar het samen zien van hun werken in deze tentoonstelling biedt wel een aangrijpende toegangspoort tot de beweging waarvan zij deel uitmaakten. Het biedt ook hedendaagse kijkers de kans om de verschillen tussen deze beweging en soortgelijke tendensen die zich in andere plaatsen tijdens deze tijd manifesteerden, zoals Abstract Expressionisme in de Verenigde Staten, te onderzoeken.

Kleur en Zwart-wit

Vandaag wordt Pierre Soulages door velen beschouwd als de grootste levende schilder. Hij is geliefd om zijn elegante en vaak emotioneel overweldigende zwarte schilderijen. Zelfs toen Soulages zijn unieke stem ontwikkelde in Parijs na de oorlog, had hij een diepgaand begrip van hoe de kleur zwart functioneerde in zijn schilderijen. Hij zag het niet als een manier om duisternis te tonen, maar als een manier om "licht te creëren." Door glanzende en matte afwerkingen naast elkaar te plaatsen en relaties te creëren tussen zwarte en witte gebieden van het doek, creëerde hij mogelijkheden voor het licht om te interageren met de texturen en tinten. De relaties tussen de verschillende gebieden van het doek zijn een deel van wat zijn schilderijen zo stralend maakt. In deze tentoonstelling zien we vijf van zijn doeken. Ondanks hun strakke compositiestructuur in schilderijen zoals "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957) en "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957), brengen hun levendige zwarten en krachtige penseelstreken hun oppervlakken tot leven. Ze zijn allesbehalve puur zwart, maar de interactie van de okers, blauwen en witten laat het zwart des te meer stralen.

Joan Mitchell - Ongetiteld, 1957. Olieverf op doek. 69 x 58 1/2 inch (175,2 x 148,5 cm). Privécollectie, Santa Barbara. © Erfenis van Joan Mitchell.

Kleurrelaties waren ook van groot belang voor Joan Mitchell, wiens vier werken in deze tentoonstelling te zien zijn. Alle vier—die waarschijnlijk nieuw zullen zijn voor de meeste bezoekers, aangezien ze volledig uit particuliere collecties zijn samengesteld—tonen de meesterlijke vaardigheid van Mitchell om emotionele toon over te brengen via haar kleurenpalet. Wat we in haar werken zien, is duidelijk iets "van de natuur", ondanks dat de afbeeldingen volledig abstract zijn. Dat gevoel van natuur wordt alleen maar versterkt door de bijna extatische gebarenstijl die Mitchell ontwikkelde tijdens haar frequente bezoeken en uiteindelijke verhuizing naar Frankrijk—een stijl die prachtig wordt vertegenwoordigd door de werken in deze tentoonstelling. Haar composities zijn de losste en vrijste van alle werken in de tentoonstelling: een bewijs van haar verlangen om in zichzelf te verdwijnen tijdens het schilderen, en om een gevoel van iets persoonlijks vast te leggen op basis van haar eigen herinneringen aan de natuurlijke wereld.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Olieverf op doek. 80 3/4 x 76 inches (205,1 x 193 cm). Mildred Lane Kemper Art Museum, Washington University in St. Louis. Gift van Mr. en Mrs. Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Foundation, California / DACS 2019.

Het Volledige Bereik van Impuls

De werken die te zien zijn van Jean Paul Riopelle demonstreren de dramatische verandering die plaatsvond in zijn methoden tijdens de vroege jaren vijftig. Het meest herkenbare werk in de tentoonstelling is "Abstraction (Orange)" (1952). Een van de grotere werken in de tentoonstelling, de frenetic gestural action trekt een directe parallel met de spetter schilderijen die het meest worden geassocieerd met Abstract Expressionistische schilders zoals Jackson Pollock. In latere werken zoals "Horizontal, Black and White" (1955), zien we Riopelle een veel meer doordachte techniek construeren, met strakke, gemeten, angstige penseelstreken, terwijl hij toch de impulsieve energie behoudt die zijn werk zo levendig maakt. Aan de bijna tegenovergestelde kant van de impuls schaal zien we drie sublieme schilderijen van Zao Wou-Ki. Hun gedempte paletten en gebalanceerde compositie harmonieën tonen een schilder die een prachtig spookachtige balans vindt tussen vrije expressie en gemeten kalmte.

Jean Paul Riopelle - Horizontaal, Zwart en Wit, 1955. Olie op doek. 28 3/4 x 36 1/4 inch (73 x 92 cm). Foto: Øystein Thorvaldsen. Henie Onstad Kunstsenter Collectie, Høvikodden, Noorwegen. © SODRAC, Montreal en DACS, Londen, 2019.

De schilder waarmee ik het minst vertrouwd ben van deze tentoonstelling is Sam Francis. Na het zien van de vijf voorbeelden van zijn werk in de tentoonstelling, heb ik het gevoel dat er nog veel meer te leren valt over hem. De etherische frivoliteit van een ongetitelde, oranje, gele en blauwe compositie wekte bij mij gedachten op aan Hellen Frankenthaler, terwijl zijn “Blue Series No. 1” (1960) onmiddellijk deed denken aan Yves Klein. Twee andere stukken—“Compositie” (ca. 1957-58) en “Untitled” (1959)—bieden iets meer distinctiefs: een bijna elektrische opwinding, alsof ik letterlijk naar beelden van fluctuatie en stroming keek. Die concepten zijn in feite de kern van wat deze tentoonstelling te zeggen heeft over de “andere soort kunst” die in Parijs in de jaren 50 en 60 ontstond. Het is moeilijk precies te definiëren, en moeilijk te benoemen, maar het was een kunst die werd gekenmerkt door zijn vermogen om te veranderen, en zijn bereidheid om los te laten. Un Art Autre is te zien bij Levy Gorvy London tot 5 juli 2019.

Uitgelichte afbeelding: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Olieverf op doek. 31 7/8 x 51 3/16 inch (81 x 130 cm). Privécollectie. © DACS 2019.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio