Victor Vasarely's Shaping Forms in Centre Pompidou Parijs
Voor het eerst in meer dan 50 jaar is er een grote retrospectieve van Victor Vasarely te zien in een Frans museum. Centre Pompidou opende in februari Vasarely: Sharing Forms, waarbij meer dan 300 objecten zijn samengebracht, waaronder kunstwerken en ephemera, die de volledige esthetische evolutie documenteren van een van de reuzen van de moderne kunst van de 20e eeuw. De tentoonstelling bevestigt Vasarely niet alleen als een groot kunstenaar, maar ook als een groot idealist, iemand die geloofde dat er geen grens is tussen kunst en het dagelijks leven. Geboren in 1907 in Pécs, Oostenrijk-Hongarije, schreef Vasarely zich in 1918 in aan de Műhely (werkplaats) school, de lokale Boedapestse versie van de Bauhaus. De school werd geleid door de kunstenaar en grafisch ontwerper Sándor Bortnyik. Na twee jaar studie bij Bortnyik verhuisde Vasarely naar Parijs en begon een carrière als grafisch ontwerper. Zijn ambitie was om de visuele lessen van het modernisme toe te passen op de wereld van massacommunicatie. Een van zijn meest beroemde vroege werken, "Zebra" (1937), belichaamt de liminale ruimte waar de schijnbaar aparte disciplines van kunst en design samensmelten tot één. De zwart-witte, lineaire compositie toont twee zebra's die in elkaar verstrikt zijn, mogelijk in gevecht, mogelijk in de liefde. Het beeld verklaart vaardig dat Vasarely een meester is in perspectief door zijn vermogen te demonstreren om een vlakke oppervlakte om te zetten in een kinetisch, driedimensionaal veld. Toch worstelen critici tot op de dag van vandaag met de vraag of dit en zijn andere vroege werken als kunst of design moeten worden geclassificeerd. In feite was de laatste keer dat een grote overzichtstentoonstelling van zijn werk in Frankrijk werd georganiseerd in 1963, toen de kunstenaar pas 57 jaar oud was, in het Musée des Arts Décoratifs—geen museum voor schone kunsten, maar een museum voor decoratieve kunsten en design. Slechts twee jaar later werd Vasarely echter opgenomen in The Responsive Eye, de baanbrekende tentoonstelling van het Museum of Modern Art die de leidende kunstenaars van de Op Art-beweging vestigde. Vasarely: Sharing Forms brengt alle aspecten van zijn werk op een universele manier samen. In plaats van definities op te leggen, respecteert deze tentoonstelling de complexiteit en nuances van zijn visie, en biedt een broodnodige uitbreiding van het verhaal van Vasarely.
De Eeuwige Hervormer
Toen Vasarely zijn carrière als grafisch ontwerper begon, beschouwde hij reclame als de meest alomtegenwoordige vorm van visuele cultuur, dus besloot hij het te transformeren door het aan te passen aan de visuele talen van Cubisme, De Stijl, Suprematisme en andere vroege modernistische posities. Na de Tweede Wereldoorlog verschoof hij echter zijn focus en besloot dat hij, in plaats van kunst te gebruiken om design te hervormen, naar de echte wereld zou kijken voor aanwijzingen over hoe kunst te transformeren. Hij merkte alles op in zijn visuele landschap, van architectonische structuren tot de patronen van schaduw en licht die op natuurlijke vormen vallen, tot de oppervlakken van kristallen. Hij realiseerde zich dat er een esthetische ruimte is waarin de principes van geometrische abstractie co-existeren met de principes van de natuurlijke en gebouwde werelden. Werken zoals “Kiruna” (1952) tonen aan hoe hij de visuele wereld terugbracht tot de meest essentiële bouwstenen, zoals cirkels en vierkanten, en tot het eenvoudigste mogelijke kleurenpalet.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installatiezicht in Centre Pompidou, Parijs, 2019. Foto met dank aan IdeelArt.
Zelfs toen hij begon zijn eigen werkelijk unieke visuele taal te ontwikkelen, bleef Vasarely altijd de hervormer. Hij besefte dat zijn geometrische composities nog niet compleet waren. Ze hadden één extra aspect nodig - de verschijning van beweging. Maar in plaats van echte kinetische kunst te creëren, zoals de mobiles van Alexander Calder, was Vasarely geïnteresseerd in hoe de hersenen beweging waarnemen. Hij observeerde hoe golven op het oppervlak van water, of in de hitte van de zon, de illusie creëren dat de ruimte vervormd is, en dat vaste objecten vloeibaar zijn. Hij paste deze denkwijze toe op zijn composities, door golfpatronen in zijn geometrische composities te introduceren, en schijnbaar de oppervlakken van de werken te vervormen. In schilderijen zoals “Re.Na II A” (1968) lijkt het oppervlak naar buiten te bollen. In andere schilderijen lijkt het oppervlak in te storten. Het meest verbazingwekkend is dat zodra het oog zich richt op wat het ziet in deze golfpatronen, het beeld lijkt te verschuiven, wat zowel de illusie van driedimensionale ruimte als de indruk van beweging geeft.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Installatiezicht in Centre Pompidou, Parijs, 2019. Foto met dank aan IdeelArt.
Een Universele Visuele Taal
Een van de meest idealistische aspecten van de Vasarely-erfenis was zijn creatie van de "plastic unit:" een basis visueel hulpmiddel dat kan worden aangepast om oneindige visuele composities te creëren. De Vasarely plastic unit bestaat uit één geometrische vorm van één kleur die een tweede, andere geometrische vorm van een andere kleur erin bevat - bijvoorbeeld een blauwe vierkant dat een rode cirkel omringt, of vice versa. In hedendaagse termen is de plastic unit als een pixel. Vasarely combineerde de plastic units in verschillende geometrische combinaties en gebruikte vervolgens lijn en kleur om golven in de composities in te voeren. Deze eenvoudige visuele taal was werkelijk democratisch, aangezien deze gemakkelijk door iedereen kon worden gekopieerd. De universaliteit van de stijl inspireerde Vasarely zelfs om opnieuw te overdenken hoe hij kon gebruiken wat hij had gecreëerd om het dagelijks leven van burgers positief te beïnvloeden.
Victor Vasarely - Vorm 1009 decor 5110, rond 1973. Editie 23/50. Vorm 1008 decor 5105, rond 1973. Editie van 75. Vorm 1008 decor 5104, rond 1973. Editie 17/75. Vorm 1009 decor 5108, rond 1973. Editie 22/50. Vorm 1007 decor 5101, rond 1973. Editie 27/100. Vorm 1008 decor 5106, rond 1973. Editie 61/75. Vorm 1010 decor 5112, rond 1973. Editie 31/100. Vorm 1007 decor 5100, rond 1973. Editie 6/100. Installatiezicht in Centre Pompidou, Parijs, 2019. Foto met dank aan IdeelArt.
Zoals Vasarely: Sharing Forms prachtig laat zien, bedacht Vasarely talloze strategieën om zijn kunst in de openbare ruimte te brengen. Hij creëerde een veelheid aan muurschilderingen, posters en zelfs industriële ontwerpen, zoals de 21-delige koffie- en dessertset die hij ontwierp voor Rosenthal. Hij creëerde logo's voor bedrijven, zoals Renault en het Musee de Cinema, onder anderen. En hij wijdde zich aan het creëren van alle soorten kunst in openbare ruimtes. Hij stelde zich een "polychrome stad van geluk" voor, waar zijn levendige, kleurrijke, geometrische openbare werken de "sombere en grijze voorsteden" tot leven zouden brengen. Gedurende deze tentoonstelling zien we hoe plasticiteit gemeenschappelijk is voor alle vormen van visuele cultuur. Vasarely toonde aan hoe het een essentieel onderdeel is van de beeldende kunst, natuurlijk. Maar hij zag plasticiteit ook als essentieel voor de stenen die gebruikt worden om de stad te bouwen, en in de kleuren en tinten van licht die op de natuur vallen. De kunstmatige scheidingen tussen de velden van kunst, design, mode, cinema, architectuur en zelfs reclame vervagen wanneer we alle visuele cultuur op deze manier bekijken. Dit is de les die Vasarely leerde: dat kunst overal is. Vasarely: Sharing Forms is te zien in het Centre Pompidou tot 6 mei 2019.
Uitgelichte afbeelding: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installatiezicht in het Centre Pompidou, Parijs, 2019. Foto met dank aan IdeelArt.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio
