Victor Vasarely's Shaping Forms in Centre Pompidou Parijs
Voor het eerst in meer dan 50 jaar is er een grote retrospectieve van Victor Vasarely te zien in een Frans museum. Centre Pompidou opende afgelopen februari Vasarely: Sharing Forms, met meer dan 300 objecten, waaronder kunstwerken en ephemera, die de volledige esthetische evolutie van een van de grootheden van het modernisme in de 20e eeuw documenteren. De tentoonstelling bevestigt Vasarely niet alleen als een groot kunstenaar, maar ook als een groot idealist, iemand die geloofde dat er geen grens bestaat tussen kunst en het dagelijks leven. Geboren in 1907 in Pécs, Oostenrijk-Hongarije, schreef Vasarely zich in 1918 in aan de Műhely (werkplaats) school, de lokale Boedapestse versie van het Bauhaus. De school werd geleid door de kunstenaar en grafisch ontwerper Sándor Bortnyik. Na twee jaar studeren bij Bortnyik verhuisde Vasarely naar Parijs en begon een carrière als grafisch ontwerper. Zijn ambitie was om de visuele lessen van het modernisme toe te passen op de wereld van massacommunicatie. Een van zijn beroemdste vroege werken, “Zebra” (1937), belichaamt de grens waar de schijnbaar gescheiden disciplines kunst en ontwerp samensmelten tot één geheel. De zwart-witte, lineaire compositie toont twee zebra’s die verstrengeld zijn, mogelijk in gevecht, mogelijk verliefd. Het beeld verklaart Vasarely meester van perspectief te zijn door zijn vermogen te tonen om een vlak oppervlak te transformeren tot een kinetisch, driedimensionaal veld. Toch worstelen critici tot op de dag van vandaag met de vraag of dit en zijn andere vroege werk als kunst of ontwerp moeten worden geclassificeerd. In feite was de laatste keer dat een grote overzichtstentoonstelling van zijn werk in Frankrijk werd gehouden in 1963, toen de kunstenaar slechts 57 jaar oud was, in het Musée des Arts Décoratifs—geen museum voor beeldende kunst, maar een museum voor decoratieve kunsten en ontwerp. Slechts twee jaar later werd Vasarely echter opgenomen in The Responsive Eye, de baanbrekende tentoonstelling in het Museum of Modern Art die de leidende kunstenaars van de Op Art-beweging vestigde. Vasarely: Sharing Forms brengt alle aspecten van zijn werk op een universele manier samen. In plaats van definities op te leggen, respecteert deze tentoonstelling de complexiteit en nuances van zijn visie en biedt het een broodnodige verbreding van het verhaal van Vasarely.
De Eeuwige Hervormer
Toen Vasarely zijn carrière als grafisch ontwerper begon, beschouwde hij reclame als de meest alomtegenwoordige vorm van visuele cultuur, dus zette hij zich in om deze te transformeren door deze aan te passen aan de visuele talen van kubisme, De Stijl, suprematisme en andere vroege modernistische stromingen. Na de Tweede Wereldoorlog verschoof hij echter zijn focus en besloot dat hij in plaats van kunst te gebruiken om ontwerp te hervormen, hij in de echte wereld aanwijzingen zou zoeken om kunst te transformeren. Hij nam alles in zijn visuele omgeving waar, van architectonische structuren tot de patronen van schaduw en licht die op natuurlijke vormen vallen, tot de oppervlakken van kristallen. Hij realiseerde zich dat er een esthetische ruimte is waarin de principes van geometrische abstractie naast de principes van de natuurlijke en gebouwde wereld bestaan. Werken zoals “Kiruna” (1952) tonen hoe hij de visuele wereld terugbracht tot de meest essentiële bouwstenen, zoals cirkels en vierkanten, en tot het eenvoudigst mogelijke kleurenpalet.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installatiefoto bij Centre Pompidou, Parijs, 2019. Foto met dank aan IdeelArt.
Zelfs toen hij zijn eigen werkelijk unieke visuele taal begon te ontwikkelen, bleef Vasarely altijd de hervormer. Hij besefte dat zijn geometrische composities nog niet compleet waren. Ze hadden nog één extra aspect nodig—de schijn van beweging. Maar in plaats van echte kinetische kunst te maken, zoals de mobiles van Alexander Calder, was Vasarely geïnteresseerd in hoe de hersenen beweging waarnemen. Hij observeerde hoe golven op het wateroppervlak, of in de hitte van de zon, de illusie creëren dat ruimte vervormd is en dat vaste objecten vloeibaar lijken. Hij paste dit denken toe op zijn composities, introduceerde golfpatronen in zijn geometrische composities en leek zo de oppervlakken van de werken te vervormen. In schilderijen zoals “Re.Na II A” (1968) lijkt het oppervlak naar buiten te bollen. In andere schilderijen lijkt het oppervlak in te storten. Het meest verbazingwekkend is dat zodra het oog de golfpatronen herkent, het beeld lijkt te verschuiven, waardoor zowel de illusie van driedimensionale ruimte als de indruk van beweging ontstaat.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Installatiefoto bij Centre Pompidou, Parijs, 2019. Foto met dank aan IdeelArt.
Een Universele Visuele Taal
Een van de meest idealistische aspecten van Vasarely’s nalatenschap was zijn creatie van de “plastische eenheid”: een basishulpmiddel voor het beeld dat kan worden aangepast om oneindig veel visuele composities te maken. De Vasarely plastische eenheid bestaat uit één geometrische vorm van één kleur die een tweede, verschillende geometrische vorm van een andere kleur bevat—bijvoorbeeld een blauw vierkant dat een rode cirkel omsluit, of andersom. In hedendaagse termen is de plastische eenheid als een pixel. Vasarely combineerde de plastische eenheden in verschillende geometrische combinaties en gebruikte lijn en kleur om golven in de composities te brengen. Deze eenvoudige visuele taal was werkelijk democratisch, omdat iedereen het gemakkelijk kon kopiëren. De universaliteit van de stijl inspireerde Vasarely zelfs om opnieuw te bedenken hoe hij wat hij had gecreëerd kon gebruiken om het dagelijks leven van burgers positief te beïnvloeden.
Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, circa 1973. Editie 23/50. Forme 1008 décor 5105, circa 1973. Editie 75. Forme 1008 décor 5104, circa 1973. Editie 17/75. Forme 1009 décor 5108, circa 1973. Editie 22/50. Forme 1007 décor 5101, circa 1973. Editie 27/100. Forme 1008 décor 5106, circa 1973. Editie 61/75. Forme 1010 décor 5112, circa 1973. Editie 31/100. Forme 1007 décor 5100, circa 1973. Editie 6/100. Installatiefoto bij Centre Pompidou, Parijs, 2019. Foto met dank aan IdeelArt.
Zoals Vasarely: Sharing Forms prachtig laat zien, bedacht Vasarely talloze strategieën om zijn kunst in de openbare ruimte te brengen. Hij maakte een veelheid aan muurschilderingen, affiches en zelfs industriële ontwerpen, zoals het 21-delige koffie- en dessertservies dat hij ontwierp voor Rosenthal. Hij ontwierp logo’s voor bedrijven, zoals Renault en het Musee de Cinema, onder anderen. En hij wijdde zich aan het maken van allerlei soorten kunst in openbare ruimtes. Hij stelde zich voor wat hij een “polychrome stad van geluk” noemde, waar zijn levendige, kleurrijke, geometrische openbare werken de “somber en grijze buitenwijken” tot leven zouden brengen. Door deze tentoonstelling heen zien we hoe plasticiteit gemeenschappelijk is voor alle vormen van visuele cultuur. Vasarely toonde aan hoe het een essentieel onderdeel is van beeldende kunst, natuurlijk. Maar hij zag plasticiteit ook als essentieel voor de stenen waarmee de stad is gebouwd, en in de kleuren en lichtschakeringen die op de natuur vallen. De kunstmatige scheidingen tussen de velden van kunst, ontwerp, mode, film, architectuur en zelfs reclame vervagen wanneer we de hele visuele cultuur op deze manier zien. Dit is de les die Vasarely gaf: dat kunst overal is. Vasarely: Sharing Forms is te zien in Centre Pompidou tot en met 6 mei 2019.
Uitgelichte afbeelding: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installatiefoto bij Centre Pompidou, Parijs, 2019. Foto met dank aan IdeelArt.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio
