Et museum i Tasmania samler grunnleggerne av Zero kunstbevegelsen

Den australske kunstsamleren og spillmagnaten David Walsh åpnet nylig en landemerkeutstilling av Zero kunstbevegelsen ved sitt Museum of Old and New Art (MONA) i Hobart, Tasmania. Utstillingen, med tittelen ZERO, viser verk av 16 kunstnere fra syv land, flere av dem er installert for første gang siden deres debut for mer enn et halvt århundre siden. For å gi enda mer drama for besøkende, og mer insentiv til å ta turen til dette avsidesliggende stedet, er miljøet der denne monumentale utstillingen finner sted. MONA er for det meste underjordisk. Bygningen er konstruert flere etasjer under et par landemerke-bygninger av den australske modernistiske arkitekten Roy Grounds. I motsetning til de fleste andre museer, som ønsker naturlig lys velkommen og streber etter å få besøkende til å føle at de er i et åpent, innbydende rom, er MONA bestemt unaturlig, og til tider til og med litt uvelkomment. Ved inngangen går besøkende ned i et noe fremmedartet miljø der kraften i arkitekturen ofte konkurrerer med kunsten den er ment å støtte. Likevel driver rommet også seerne til å søke trøst hos hverandre, og fra verket. På en måte er settingen ideell for å vise arbeidet til Zero-kunstnerne, da den legemliggjør to av deres essensielle ideer: at kunst handler om muligheter og det ukjente, og at den bør involvere ekte opplevelser mellom mennesker, materialer og rom.

Lagret av Zero

Nullbevegelsen ble grunnlagt av Heinz Mack og Otto Piene i 1957 ut fra et ønske om å begynne på nytt. Som mange av sine samtidige, strebet Mack og Piene etter å unnslippe fortiden, og å komme seg bort fra egotismen og følelsene som hadde tatt kontroll over så mye av kunsten i deres tid. I Düsseldorf, hvor de bodde og arbeidet, var det få kunstgallerier. Og andre steder, var markedets smak tendert mot kunstverk som uttrykte en slags "kult av individualitet," epitomisert av estetiske posisjoner som uttrykte personlig følelse, som Tachisme, Art Informel, og Abstract Expressionism. Mack og Piene anså samarbeid som viktigere enn individualisme. De mente at verdien av kunst lå i opplevelsen den kunne skape mellom skapere, seere, materialer og miljøer. De følte at det tradisjonelle, enkle, kunstnerlagde objektet var dødt, og de ønsket å igangsette et nytt utgangspunkt hvor de kunne la fremtiden få feste.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), 1960-tallet; gjenskapt i 2012. Samling More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Bilde med tillatelse fra Museum of Old and New Art (Mona)

Mack og Piene holdt sin første utstilling av det de anså som fremtiden for kunst den 11. april 1957, i studioet sitt. Det var en en-natts affære ment å omfavne ephemerality. Utstillingen genererte enorm interesse, og ble raskt fulgt av flere andre erfaringsbaserte, en-natts utstillinger. Men det var ikke før etter deres fjerde utstilling, i september 1957, at de kom opp med ordet Zero for å beskrive sitt samarbeid. Ordet var ment å formidle ideen om at fortiden offisielt hadde tatt slutt – det var et utgangspunkt for fremtiden. Som Piene beskrev det: “Vi så på begrepet... som et ord som indikerer en sone av stillhet og av rene muligheter for en ny begynnelse som ved nedtellingen når raketter tar av – null er den uforholdsmessige sonen der den gamle tilstanden blir til den nye.”

Adolf Luther - Flaskeknusningsrom, (Bottle Smashing Room), 1961; gjenskapt i 2018. Samling Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Opphavsrett: Adolf Luther Stiftung. Bilde med tillatelse fra Museum of Old and New Art (Mona)

NULL, ikke null

Til tross for bevegelsens åpenhet, hadde Mack og Piene en merkelig innstilling. De stipulerte at når man skrev om dem, skulle grunnleggerne refereres til som "Zero", mens andre tilknyttede kunstnere skulle refereres til som "ZERO". Dette er grunnen til at utstillingen på MONA bruker store bokstaver – fordi den hovedsakelig viser verk av det større internasjonale nettverket av kunstnere som assosierer seg med filosofien. Likevel, som ZERO på MONA tydeliggjør, var det ingen utenforstående i bevegelsen. Alle var velkomne. Det fantes ingen Zero-manifest, og det fantes ingen offisiell medlemskap. Denne holdningen resulterte i et stort spekter av verk som ble skapt av ZERO-kunstnere, som er legemliggjort i denne utstillingen ved rekreasjonen av slike landemerke ZERO-verk som "Bottle Smashing Room" (1961) av Adolf Luthor, og "Mirror Environment" (1963) av Christian Megert. Den imøtekommende holdningen til bevegelsen vises også i denne utstillingen ved inkluderingen av kunstnere fra de mange andre internasjonale bevegelsene som Zero hjalp til å inspirere, som Gutai Group i Japan, til Nouveau Realism i Paris, til Light and Space i USA, til den internasjonale bevegelsen kjent som Fluxus. Å demonstrere disse forbindelsene er sjeldne verk av Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein og Yayoi Kusama, for eksempel, som fremhever aspekter av deres praksis som er langt forskjellige fra verkene de er mest kjent for.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Samling Kern, Großmaischeid. Opphavsrett: Estate of Roy Lichtenstein/Opphavsrettsbyrå, 2018. Bilde med tillatelse fra kunstneren og Museum of Old and New Art (Mona)

En av de viktigste aspektene ved denne utstillingen er at den gjenfokuserer samtidsoppmerksomheten på behovet for å fornye samtidskunsten. Selv om grunnleggerne av Zero offisielt oppløste seg i 1966, har ikke bevegelsen de startet egentlig noen gang tatt slutt. Og denne utstillingen antyder også noe enda viktigere: ideen om at kanskje Zero kunstbevegelse aldri egentlig begynte. Det var kanskje ikke en bevegelse som ble oppfunnet ett sted på ett tidspunkt, men var egentlig en del av et mye større kontinuum som strekker seg tilbake uendelig, til det første øyeblikket mennesker ønsket å bruke visuelle fenomener for å nå utover seg selv mot noe rent og nytt. Verkene i ZERo på MONA er så friske, og så vitale, selv nå, at de inspirerer meg til å tro at ZERO kanskje til og med fortsetter i dag, når grupper av kunstnere samles for å samarbeide om estetiske skapelser som går utover det som er forventet, eller det som allerede er kjent. På dette tidspunktet, faktisk, er denne utstillingen og budskapet den sender essensielt. Den minner oss om den nøkkelprinsippet i Zero kunst: at kunst handler om opplevelser, og relasjoner mellom mennesker, deres miljø, og deres samarbeidende innsats for å forestille seg en bedre fremtid. ZERO på MONA er åpen til 22. april 2019.

Fremhevet bilde: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastisk rom), 1967–68. Samling Gianni Colombo-arkivet, Milano © Gianni Colombo-arkivet. Bilde med tillatelse fra Museum of Old and New Art (Mona)

Av Phillip Barcio