Et museum i Tasmania samler grunnleggerne av Zero kunstbevegelsen

Den australske kunstsamleren og spillselskapets magnat David Walsh åpnet nylig en banebrytende utstilling av Zero-kunstbevegelsen ved sitt Museum of Old and New Art (MONA) i Hobart, Tasmania. Utstillingen, med tittelen ZERO, viser verk av 16 kunstnere fra syv land, flere av dem installert for første gang siden deres debut for mer enn et halvt århundre siden. For å gi enda mer dramatikk for besøkende, og mer insentiv til å ta turen til dette avsidesliggende stedet, er miljøet der denne monumentale utstillingen finner sted. MONA ligger for det meste under bakken. Bygningen er konstruert flere etasjer under et par landemerke-bygninger av den australske modernistiske arkitekten Roy Grounds. I motsetning til de fleste andre museer, som ønsker naturlig lys velkommen og prøver å få besøkende til å føle at de er i et åpent, innbydende rom, er MONA tydeligvis unaturlig, og til tider til og med litt lite imøtekommende. Når man går inn, går besøkende ned i et noe fremmedartet miljø hvor arkitekturens kraft ofte konkurrerer med kunsten den er ment å støtte. Likevel driver rommet også betrakterne til å søke trøst hos hverandre og i kunsten. På en måte er omgivelsene ideelle for å vise frem verkene til Zero-kunstnerne, da det legemliggjør to av deres grunnleggende ideer: at kunst handler om muligheter og det ukjente, og at den bør involvere ekte opplevelser mellom mennesker, materialer og rom.

Reddet av Null

Zero-bevegelsen ble grunnlagt av Heinz Mack og Otto Piene i 1957 ut fra et ønske om å begynne på nytt. Som mange av deres samtidige strebet Mack og Piene etter å komme bort fra fortiden, og å slippe unna egoismen og følelsene som hadde tatt over så mye av kunsten i deres tid. I Düsseldorf, hvor de bodde og arbeidet, fantes det få kunstgallerier. Og andre steder tenderte markedets smak mot kunstverk som uttrykte en slags «individets kult», eksemplifisert ved estetiske posisjoner som uttrykte personlig følelse, slik som Tachisme, Art Informel og Abstrakt ekspresjonisme. Mack og Piene anså samarbeid som viktigere enn individualisme. De mente at verdien av kunst lå i opplevelsen den kunne skape mellom skapere, betraktere, materialer og omgivelser. De følte at det tradisjonelle, enslige, kunstnerlagde objektet var dødt, og de ønsket å sette i gang et nytt utgangspunkt hvor fremtiden kunne slå rot.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouetter), 1960-tallet; gjenopprettet i 2012. Samling More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Bilde med tillatelse fra Museum of Old and New Art (Mona)

Mack og Piene holdt sin første utstilling av det de anså som kunstens fremtid 11. april 1957, i sitt atelier. Det var en én-kveld-begivenhet ment å omfavne forgjengelighet. Utstillingen skapte enorm interesse, og ble raskt fulgt av flere eksperimentelle, én-kveld-utstillinger. Men det var ikke før etter deres fjerde utstilling, i september 1957, at de kom opp med ordet Zero for å beskrive deres samarbeid. Ordet skulle formidle ideen om at fortiden offisielt var over – det var et startpunkt for fremtiden. Som Piene beskrev det: «Vi så på begrepet... som et ord som indikerer en stillhetssone og rene muligheter for en ny begynnelse som ved nedtellingen når raketter tar av – null er den umålbare sonen hvor den gamle tilstanden går over i den nye.»

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Flaskeknuse-rom), 1961; gjenopprettet i 2018. Samling Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Opphavsrett: Adolf Luther Stiftung. Bilde med tillatelse fra Museum of Old and New Art (Mona)

ZERO, ikke Zero

Til tross for bevegelsens åpenhet hadde Mack og Piene en merkelig regel. De fastslo at når man skrev om dem, skulle grunnleggerne omtales som «Zero», mens andre tilknyttede kunstnere skulle omtales som «ZERO». Dette er grunnen til at utstillingen ved MONA bruker store bokstaver – fordi den hovedsakelig viser verk av det større internasjonale nettverket av kunstnere som knytter seg til filosofien. Likevel, som ZERO ved MONA tydelig viser, fantes det ingen utenforstående i bevegelsen. Alle var velkomne. Det fantes ingen Zero-manifest, og det fantes ingen offisiell medlemskap. Denne holdningen resulterte i et stort mangfold av verk skapt av ZERO-kunstnere, legemliggjort i denne utstillingen ved gjenopprettelsen av slike banebrytende ZERO-verk som «Flaskeknuse-rom» (1961) av Adolf Luthor, og «Speilmiljø» (1963) av Christian Megert. Bevegelsens inkluderende holdning vises også i denne utstillingen ved inkluderingen av kunstnere fra mange andre internasjonale bevegelser som Zero var med på å inspirere, slik som Gutai-gruppen i Japan, til Nouveau Réalisme i Paris, til Lys og Rom i USA, til den internasjonale bevegelsen kjent som Fluxus. For å vise disse forbindelsene finnes sjeldne verk av Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein og Yayoi Kusama, for eksempel, som fremhever sider ved deres praksis som er svært forskjellige fra det de er mest kjent for.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Samling Kern, Großmaischeid. Opphavsrett: Roy Lichtensteins bo/Opphavsrettsbyrå, 2018. Bilde med tillatelse fra kunstneren og Museum of Old and New Art (Mona)

Et av de viktigste aspektene ved denne utstillingen er at den retter samtidsoppmerksomheten mot behovet for å fornye samtidskunsten. Selv om grunnleggerne av Zero offisielt oppløste bevegelsen i 1966, har bevegelsen de startet aldri egentlig opphørt. Og denne utstillingen antyder også noe enda viktigere: ideen om at kanskje Zero-kunstbevegelsen aldri egentlig begynte. Det var kanskje ikke en bevegelse som ble oppfunnet ett sted på ett tidspunkt, men var egentlig en del av et mye større kontinuum som strekker seg uendelig tilbake til det første øyeblikket mennesker ønsket å bruke visuelle fenomener for å nå utover seg selv mot noe rent og nytt. Verkene i ZERO ved MONA er så friske og så livskraftige, selv nå, at de inspirerer meg til å tro at ZERO kanskje til og med fortsetter i dag, når grupper av kunstnere samles for å samarbeide om estetiske skapelser som går utover det forventede eller det som allerede er kjent. Akkurat nå er denne utstillingen og budskapet den sender avgjørende. Den minner oss om det sentrale prinsippet i Zero-kunsten: at kunst handler om opplevelser og forhold mellom mennesker, deres omgivelser og deres samarbeidsinnsats for å forestille seg en bedre fremtid. ZERO ved MONA vises til 22. april 2019.

Utvalgt bilde: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastisk rom), 1967–68. Samling Gianni Colombo-arkivet, Milano © Gianni Colombo-arkivet. Bilde med tillatelse fra Museum of Old and New Art (Mona)

Av Phillip Barcio