Edward Burtynsky og landskap som ingen andre

Den kanadiske fotografen Edward Burtynsky har fotografert den naturlige verden i nesten fire tiår. Han begynte sin karriere på slutten av 1970-tallet, og fotograferte naturlandskap fra et strengt formelt perspektiv, og rammet dem inn på en måte som fikk komposisjonene til å etterligne abstrakt ekspresjonistiske malerier. Som et avsnitt på nettstedet hans forklarer: “Det som først og fremst var i tankene hans, var den abstrakte ekspresjonistiske behandlingen av billedrommet som et tett, komprimert felt jevnt fordelt over hele overflaten av en stor komposisjon.” Men i løpet av de neste årene utvidet Burtynsky de beskjedne målene han opprinnelig hadde satt for sin fotografiske karriere. I stedet for bare å forsøke å lage interessante, modernistiske komposisjoner, begynte han å lete etter emner som kunne tillate ham å samtidig lage sosiale, politiske, økonomiske og kulturelle uttalelser med arbeidet sitt. I en serie med tittelen Railcuts fanget han bilder som skildrer det fysiske traumet som byggingen av transnasjonale jernbanelinjer påfører landet. I en serie kalt Homesteads dokumenterte han de prekære måtene mennesker transformerer sine naturlige omgivelser når de bygger hjem, nabolag og byer. For sin serie kalt Tailings fotograferte han de apokalyptisk utseende ødemarkene som ofte blir etterlatt av elvene av avfallsprodukter som siver fra jorden når mineraler blir utvunnet og separert fra malmen under gruveoperasjoner. Disse og de mange andre seriene han har produsert har gitt Burtynsky en TED-pris, ført til to prisbelønte dokumentarer om arbeidet hans, og plassert Burtynsky fast i frontlinjen av miljøbevegelsen. Han opplever stor suksess som fotograf, men jeg sitter igjen med et spørsmål når det gjelder den sanne verdien av fotografiene hans: er de aktivisme, er de journalistikk, eller er de kunst?

Det abstrakte fotografi-dilemmaet

Fotografer er mellomledd mellom spektakler og tilskuere. Enten deres motiv er en bilulykke, et opprør, en krig, et villdyr, en solformørkelse, en motemodell, et naturlig eller unormalt landskap, eller en fargerik geometrisk komposisjon laget i et studio eller på en datamaskin, er det alt sammen det samme: de krever noe synlig å fange—ideelt sett noe fascinerende—som igjen vil fange og holde interessen til seeren. Men siden de tidligste dagene av kunstfotografi, da kunstnere som Alvin Langdon Coburn og Man Ray først undersøkte, blant annet, hva en frase som abstrakt fotografi kan bety, har fotografiske kunstnere vært tvunget til å kjempe med den essensielle naturen av fotografi: at det er et medium designet for å fange virkeligheten.

Et fotografi er et avtrykk—et fanget øyeblikk—skapt når lys interagerer på en kontrollert måte med et konkret, objektivt, observerbart fenomen. Hvordan kan da et fotografi noen gang være abstrakt? Fantes ikke det som vises i et fotografisk bilde virkelig, i det minste i et brøkdel av et sekund, akkurat slik det blir avbildet? Det må ha gjort det, ellers ville det ikke vært der. Så ja, det er et argument som kan fremføres—og mange har prøvd å fremføre det—at hvert fotografi per definisjon er objektivt. Dermed er det komplisert for fotografer å arbeide i mellomområdet mellom abstraksjon og realisme. Når de fotograferer virkeligheten inviterer de til vurderinger om emnet som distraherer seeren fra å sette pris på de formelle kvalitetene i bildet, som bruken av farge, form og linje. Men når de blir for langt fjernet fra den fotografiske prosessen, for eksempel ved å eliminere kameraet fra prosessen, reises fundamentale spørsmål om hvorvidt sluttproduktet i det hele tatt er et fotografi. Tross alt, bare det å bruke maling for å lage noe gjør ikke i seg selv det du laget til et maleri.

Edward Burtynsky - Salt Pan #16, Little Rann of Kutch, Gujarat, India, 2016

Briller Hjelper Oss Å Se

Edward Burtynsky unngår det dilemmaet ved å omfavne tanken om at tilskuere alltid naturlig vil utvikle personlige følelsesmessige reaksjoner på hvilket som helst fotografisk bilde de tilfeldigvis ser på, og tar det videre. Han har fortsatt å være interessert i formalisme, noe som demonstreres av de abstrakte mønstrene, teksturene og komposisjonene han fanger når han rammer inn de naturlige og produserte landskapene han fotograferer. Alle som er kjent med 20. århundres abstrakte kunsthistorie kan sannsynligvis lage assosiasjoner mellom fotografiene hans og verkene til ulike modernistiske malere. Men i stedet for å fokusere utelukkende på det punktet—som kan virke litt trivielt—kombinerer Burtynsky sin kjærlighet for modernistisk bildekunst med en lidenskap for å dokumentere noe av presserende bekymring for sin generasjon: den storskala, industrielle omformingen av den naturlige verden.

Se på rekken av lyserosa former i hans 2005-fotografi Manufacturing #17, av et kyllingbehandlingsanlegg i Kina. Den slående fargen er det som umiddelbart fanger min oppmerksomhet. Et hav av rosa med biter av rødt, hvitt og blått, rammet inn under en horisont av grått og hvitt. Farge, mønster og form kunne lett være alt dette fotografiet handler om. Jeg slører øynene mine og, bortsett fra presisjonen i formene og de geometriske kvalitetene i komposisjonen, kunne jeg se på et maleri av Philip Guston. Men så ser jeg nærmere. Hver av disse rosa formene er et menneske hvis jobb det er å stå hele dagen i et massivt, kjølt lager uten vinduer, under lysrør, iført beskyttende gummiklær fra topp til tå, og plukke fra hverandre de avdøde kroppene til tidligere sansende skapninger som, som disse arbeiderne, en gang hadde tanker, følelser, relasjoner, frykt og tvangstanker. Dette er ikke et abstrakt bilde. Dette er et bilde som dokumenterer den kalde presisjonen med hvilken billig mat blir levert til folk som ikke setter pris på verdien av noe liv: kylling eller menneske.

Edward Burtynsky - Manufacturing #17, Deda Chicken Processing Plant, Dehui City, Jilin Province, China, 2005

Du Vær Dommeren

I sitt TED-foredrag ga Edward Burtynsky en inderlig bønn om at fotografiene hans kan brukes av publikum som inspirasjon, og oppmuntre oss til å handle for å endre verden. Han verbalisert farene ved å endre den naturlige verdenen i tjeneste for ressursutvinning, og i prosessen definerte han seg selv som en aktivist. Og noen vil kanskje si at fotografiene hans, i sin enkle dokumentasjon av transformasjonen av naturen han snakker om, definerer ham like mye som en journalist. Men jeg har fortsatt noen spørsmål om gyldigheten av begge disse to etikettene. Jeg vil heller argumentere for at arbeidet til Edward Burtynsky bør vurderes for sine formelle kvaliteter som kunst. Det viktigste blant mine argumenter er det faktum at fotografiene hans får meg til å føle noe. Hans fotografi fra 2008 Fisher Body Plant #1, av utsiden av en forlatt bilfabrikk i Detroit, står på egne ben som en slags anti-Agnes Martin. I stedet for delikate rader av horisontale og vertikale linjer som gir meg en følelse av letthet og flathet, gir det rutenettlignende komposisjonen i dette bildet meg en følelse av vekt og tekstur. Noen ser på et Agnes Martin-maleri og føler glede. Andre gjør ikke det, de ser bare linjer. Noen kan se på Fisher Body Plant #1 og føle frykt. Jeg gjør ikke det, jeg ser potensial.

Når det gjelder å kalle Edward Burtynsky en aktivist, tror jeg det ville være unøyaktig. Jeg sier det bare fordi han bruker de samme teknologiene for å ta bildene sine som driver ressursutvinningsmarkedet. Tenk på de edle metallene som får digitalkameraet hans til å fungere, og fossilbrensel-brennende kjøretøy som hjelper ham med å oppnå sine unike perspektiver. Hvis du fotograferer en bilulykke, betyr det at du også ikke gjør noe for å hjelpe. Hvis du fotograferer et opprør og deretter selger det bildet til et mediehus, profitterer du på krisen. Det Burtynsky gjør er ikke så dystert. Men mens jeg så på UPSs globale postleveringsannonse som ble vist før TED Talk-videoen hans om oljens grusomheter, lurte jeg på hva det sanne budskapet er. Er det pro-forbruk? Er det anti-forbruk? Det beste jeg kunne komme frem til er at Burtynsky, aktivisten, sier noe i retning av: “Forbruk er forferdelig og forårsaker ødeleggelsen av det naturlige miljøet, og vi bør gjøre noe med det, men ikke ennå fordi jeg fortsatt er avhengig av olje og mineralutvinning for å lage arbeidet mitt.” Men jeg kan heller ikke kalle Burtynsky en journalist. Journalistikk, per definisjon, bør være upartisk. Og til slutt, dessverre, siden Burtynsky er så ivrig etter å fortelle oss hva vi bør tenke når vi ser på arbeidet hans, kan jeg heller ikke kalle ham en kunstner. Ingen selvrespekterende kunstner ville etterlate så lite til publikums fantasi. Men jeg vil si dette: Edward Burtynsky er en fotograf; som kanskje er sin egen ting – en ting som er vanskelig å definere, men uomtvistelig i sin kraft.

Edward Burtynsky - Fisher Body Plant #1, Detroit, Michigan, USA, 2008

Fremhevet bilde: Edward Burtynsky - Nickel Tailings #35, Sudbury, Ontario, 1996

Alle bilder © Edward Burtynsky, alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål.

Av Phillip Barcio