Edward Burtynsky og landskap som ingen andre

Den kanadiske fotografen Edward Burtynsky har fotografert naturen i nesten fire tiår. Han begynte sin karriere på slutten av 1970-tallet, og fotograferte naturlandskap fra et strengt formalistisk perspektiv, og rammet dem inn på en måte som fikk komposisjonene til å ligne abstrakte ekspresjonistiske malerier. Som det står på hans nettside, «Det viktigste for ham var den abstrakte ekspresjonistiske behandlingen av det billedlige rommet som et tett, komprimert felt jevnt fordelt over hele flaten av en stor komposisjon.» Men i løpet av de neste årene utvidet Burtynsky de beskjedne målene han først hadde satt for sin fotografiske karriere. I stedet for bare å forsøke å lage interessante, modernistiske komposisjoner, begynte han å lete etter motiv som kunne la ham samtidig gi sosiale, politiske, økonomiske og kulturelle utsagn med sitt arbeid. I en serie kalt Railcuts fanget han bilder som viser den fysiske skaden som byggingen av transnasjonale jernbanespor påfører landet. I en serie kalt Homesteads dokumenterte han de usikre måtene mennesker forandrer sine naturlige omgivelser på når de bygger hjem, nabolag og byer. For sin serie kalt Tailings fotograferte han de apokalyptiske ødemarkene som ofte blir liggende igjen av elver av avfallsprodukter som siver ut fra jorden når mineraler utvinnes og skilles fra malmen under gruvedrift. Disse og mange andre serier han har laget, har gitt Burtynsky en TED-pris, ført til to prisbelønte dokumentarfilmer om hans arbeid, og plassert Burtynsky fast i frontlinjen av miljøbevegelsen. Han opplever stor suksess som fotograf, men jeg sitter igjen med et spørsmål om den egentlige verdien av fotografiene hans: er de aktivisme, er de journalistikk, eller er de kunst?

Det abstrakte fotografiets gåte

Fotografer er mellomledd mellom skueplasser og tilskuere. Enten motivet er en bilulykke, et opprør, en krig, et vilt dyr, en solformørkelse, en motemodell, et naturlig eller unaturlig landskap, eller en fargerik geometrisk komposisjon laget i et atelier eller på en datamaskin, er det det samme: de trenger noe synlig å fange – helst noe fascinerende – som igjen vil fange og holde på betrakterens interesse. Men siden de tidligste dager av kunstfotografi, da kunstnere som Alvin Langdon Coburn og Man Ray først undersøkte, blant annet, hva et uttrykk som abstrakt fotografi kunne bety, har fotografiske kunstnere måttet kjempe med fotografiets essensielle natur: at det er et medium laget for å fange virkeligheten.

Et fotografi er et avtrykk – et fanget øyeblikk – skapt når lys samhandler på en kontrollert måte med et konkret, objektivt, observerbart fenomen. Hvordan kan da et fotografi noen gang være abstrakt? Var ikke det som vises i et fotografisk bilde virkelig til, i det minste et øyeblikk, akkurat slik det blir fremstilt? Det må det ha vært, ellers ville det ikke vært der. Så ja, det finnes et argument – og mange har forsøkt å fremføre det – om at hvert fotografi per definisjon er objektivt. Dermed er det komplisert for fotografer å arbeide i mellomfeltet mellom abstraksjon og realisme. Når de fotograferer virkeligheten, inviterer de til vurderinger av motivet som distraherer betrakteren fra å sette pris på de formale kvalitetene i bildet, som bruken av farge, form og linje. Men når de blir for fjernt fra den fotografiske prosessen, for eksempel ved å fjerne kameraet fra prosessen, reises grunnleggende spørsmål om sluttproduktet i det hele tatt er et fotografi. Tross alt gjør ikke bare det å bruke maling for å lage noe at det du har laget er et maleri.

Edward Burtynsky - Salt Pan #16, Little Rann of Kutch, Gujarat, India, 2016

Skueplasser hjelper oss å se

Edward Burtynsky unngår denne gåten ved å omfavne tanken om at tilskuere alltid naturlig vil utvikle personlige følelsesmessige reaksjoner på hvilket som helst fotografisk bilde de tilfeldigvis ser på, og han spiller på det. Han har holdt interessen for formalisme, noe som vises i de abstrakte mønstrene, teksturene og komposisjonene han fanger når han rammer inn de naturlige og menneskeskapte landskapene han fotograferer. Alle som kjenner til abstrakt kunsthistorie fra 1900-tallet kan sannsynligvis se forbindelser mellom fotografiene hans og arbeidet til ulike modernistiske malere. Men i stedet for å fokusere bare på det punktet – som kunne virke litt slitt – kombinerer Burtynsky sin kjærlighet til modernistiske bilder med en lidenskap for å dokumentere noe som er av presserende betydning for hans generasjon: den storskala, industrielle omformingen av naturen.

Se på rekken av sterke rosa former i hans fotografi fra 2005, Manufacturing #17, av et kyllingforedlingsanlegg i Kina. Den slående fargen er det som umiddelbart fanger meg. Et hav av rosa med innslag av rødt, hvitt og blått, innrammet under en horisont av grått og hvitt. Farge, mønster og form kunne lett være alt dette fotografiet handler om. Jeg myser med øynene, og bortsett fra presisjonen i formene og de geometriske kvalitetene i komposisjonen, kunne jeg se på et Philip Guston-maleri. Men så ser jeg nærmere. Hver av de rosa formene er et menneske som har jobben med å stå hele dagen i et enormt, kjølt lager uten vinduer, under lysstoffrør, iført beskyttende gummiklær fra topp til tå, og plukker fra hverandre de døde kadavrene av tidligere levende skapninger som, som disse arbeiderne, en gang hadde tanker, følelser, relasjoner, frykt og tvangstanker. Dette er ikke et abstrakt bilde. Dette er et bilde som dokumenterer den kalde presisjonen som billig mat blir levert til folk som ikke setter pris på verdien av noe liv: verken kylling eller menneske.

Edward Burtynsky - Manufacturing #17, Deda Chicken Processing Plant, Dehui City, Jilin Province, Kina, 2005

Du får være dommer

I sin TED-tale holdt Edward Burtynsky en lidenskapelig appell om at fotografiene hans kunne brukes av allmennheten som inspirasjon, og oppmuntre oss til å handle for å forandre verden. Han uttrykte farene ved å endre naturen i tjeneste for ressursutvinning, og definerte seg dermed som en aktivist. Og noen vil kanskje si at fotografiene hans, i sin direkte dokumentasjon av naturens forvandling som han snakker om, like mye definerer ham som en journalist. Men jeg har fortsatt noen spørsmål om gyldigheten av begge disse to betegnelsene. Jeg vil heller argumentere for at Edward Burtynskys arbeid bør vurderes for sine formale kvaliteter som kunst. Det viktigste av mine argumenter er at fotografiene hans får meg til å føle noe. Hans fotografi fra 2008, Fisher Body Plant #1, av utsiden av en forlatt bilfabrikk i Detroit, står på egne ben som en slags anti-Agnes Martin. I stedet for delikate rekker av horisontale og vertikale linjer som gir meg en følelse av letthet og flathet, gir det rutenettslignende bildet i dette bildet meg en følelse av tyngde og tekstur. Noen ser på et Agnes Martin-maleri og føler glede. Andre gjør ikke det, de ser bare linjer. Noen kan se på Fisher Body Plant #1 og føle frykt. Det gjør ikke jeg, jeg ser potensial.

Når det gjelder å kalle Edward Burtynsky en aktivist, mener jeg det ville være unøyaktig. Jeg sier det bare fordi han bruker de samme teknologiene for å lage fotografiene sine som driver markedet for ressursutvinning. Tenk på edelmetallene som får det digitale kameraet hans til å fungere, og de fossildrevne kjøretøyene som hjelper ham å oppnå sine unike perspektiver. Hvis du fotograferer en bilulykke, betyr det at du heller ikke gjør noe for å hjelpe. Hvis du fotograferer et opprør og selger bildet til et mediehus, tjener du på krisen. Det Burtynsky gjør, er ikke så dystert. Men da jeg så UPS sin globale postleveringsreklame som ble vist før hans TED Talk-video om oljens redsler, lurte jeg på hva det egentlige budskapet er. Er det forbrukerfremmende? Er det mot forbruk? Det beste jeg kunne finne ut, er at Burtynsky som aktivist sier noe i retning av: «Forbruk er forferdelig og forårsaker ødeleggelse av naturmiljøet, og vi bør gjøre noe med det, men ikke ennå fordi jeg fortsatt er avhengig av olje- og mineralutvinning for å lage mitt arbeid.» Men jeg kan heller ikke kalle Burtynsky en journalist. Journalistikk skal per definisjon være upartisk. Og til slutt, dessverre, siden Burtynsky er så ivrig etter å fortelle oss hva vi skal tenke når vi ser på arbeidet hans, kan jeg heller ikke kalle ham en kunstner. Ingen selvrespekterende kunstner ville etterlate så lite til tilskuerens fantasi. Men jeg vil si dette: Edward Burtynsky er en fotograf; noe som kanskje er noe for seg selv – noe vanskelig å definere, men ubestridelig i sin kraft.

Edward Burtynsky - Fisher Body Plant #1, Detroit, Michigan, USA, 2008

Utvalgt bilde: Edward Burtynsky - Nickel Tailings #35, Sudbury, Ontario, 1996

Alle bilder © Edward Burtynsky, alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio