Den Spennende Revolusjonen til Louise Fishman

Louise Fishman har blitt kalt en revolusjonær før. Det er en merkelapp som har blitt kastet på henne utallige ganger av grunner som har lite med henne å gjøre, og mye med en kultur som føler seg tvunget til å dele opp mennesker som truer status quo. Men bortsett fra politikken rundt sosial protest, har Fishman oppnådd noe virkelig revolusjonært i løpet av en kunstkarriere som så langt har vart i seks tiår: hun har uttrykt seg ærlig i kunsten sin. Hvordan er det revolusjonært? Ærlig selvuttrykk kan høres ut som en enkel, lett ting å oppnå. Men det er mye vanskeligere enn det høres ut. For å uttrykke oss ærlig, må vi først være villige og i stand til å avvikle hva vi egentlig er, og det krever å komme til rette med de mange innflytelsene som har manipulert oss siden det øyeblikket vi ble født.

Å nøste opp fortiden

For Fishman begynte oppløsningen av mysteriet om hvordan hun ærlig kunne uttrykke seg i kunsten sin for alvor i 1965, året hun fikk sin MFA fra University of Illinois, Champaign, og flyttet til New York City. Hun brakte med seg en arv av et bredt spekter av sterke påvirkninger: hennes jødiske oppvekst; hennes familiearv etter å ha blitt oppdratt av en mor og en tante som begge var kunstnere; innflytelsen fra kjønnsfordommene rettet mot henne som kvinnelig kunstner i et mannsdominert felt; og det mainstream stigmaet knyttet til hennes seksuelle identifikasjon som lesbisk. I tillegg hadde hun tilbrakt livet med å studere kunst og kunsthistorie, og følte innflytelsen fra alle kunstnerne som hadde kommet før henne.

Det var der, i kunsthistorien, at hennes personlige revolusjon virkelig begynte å blomstre. Hun fikk en erkjennelse av at hver kunstner hun noen gang hadde studert på skolen var en mann. Alt hun hadde blitt lært var rettet mot tanken om at hun ikke hørte hjemme i kunstverdenen på grunn av sitt kjønn. Det var den samme iboende skjevheten som hadde blitt brukt mot kvinnelige kunstnere gjennom historien, som hindret arbeidet deres i å bli delt og holdt navnene deres ukjente. Fishman tok den erkjennelsen som et samlingspunkt. Hun stoppet sin måte å arbeide på og begynte på nytt, denne gangen med å nærme seg kunst ikke fra perspektivet av ytre påvirkninger, men fra perspektivet av faktisk å prøve å oppdage sannheten om hvem hun unikt og ærlig er.

Louise Fishman - San Stae 2017, Oil on linen, 72 × 96 in, 182.9 × 243.8 cm, photo credits Cheim & Read, New York

Rive fra hverandre fortiden

Da hun først flyttet til New York City, var Fishman en abstrakt maler som arbeidet i de rådende stilene i sin tid, stiler som lente seg mot geometrisk abstraksjon og Minimalisme. Men åpenbaringen om at alt hun noen gang hadde lært om maling hadde oppstått fra en enorm patriarkalsk konspirasjon for å komplisere virkeligheten, overbeviste henne om at det å følge de rådende trendene var en vei til middelmådighet og homogenitet. Penslene, lerretene, støttene, teknikkene, stilene: alt dette var arvet fra en falsk fortid.

Hun klippet opp noen av maleriene hun hadde jobbet med, og deretter, selv om hun aldri hadde hatt bruk for slike ting før, lærte hun seg håndverkene knyttet til historisk femininitet, som søm og quilting, og brukte disse ferdighetene til å sy restene av de oppkuttede maleriene til nye verk. De nye stykkene fremkalte primitive klær eller tepper. De var rå og personlige. De talte til en tilbakevending til kunstens primale begynnelse: de første kunstnerne var tross alt kvinner. Og de formidlet også en kraftig allegori: en ny estetisk posisjon bokstavelig talt gjenvunnet, rekonstruert fra den knuste, uekte myten om fortiden.

Louise Fishman - Sharps and Flats, 2017, Oil on linen, 70 × 90 in, 177.8 × 228.6 cm, photo credits Cheim & Read, New York

Finne en vei videre

I løpet av denne samme tiden var Fishman også aktivt engasjert i de sosiale, kulturelle og politiske scenene i New York. Hun var en aktivist som deltok i ulike direkte aksjonskoalisjoner som kjempet for feministiske idealer. Hun var også en åpenhjertig talskvinne innenfor det lesbiske miljøet. Disse aktivitetene var essensielle for forsvaret av seg selv og sitt samfunn. Men de var også representative for det større arven hun ble født inn i. Hvor mye bestemmer egentlig vårt kjønn, vår seksualitet, vår politikk, vår religion og vår familiehistorie hvem vi virkelig er? Ved å la slike elementer kontrollere livene våre og påvirke vår kunstneriske skapelse, spiller vi da bare inn i hånden til de samme kulturelle mytene vi angivelig motsetter oss?

Mens hun søkte etter sin vei gjennom slike spørsmål, fortsatte Fishman å arbeide for å finne sin unike estetiske posisjon som kunstner. Hun omfavnet en eksperimentell tilnærming til arbeidet sitt. Hun bodde i en del av nedre Manhattan hvor et uendelig utvalg av funnede objekter, merkelige materialer og uvanlige forbruksvarer var tilgjengelige. I stedet for å stole på de tradisjonelle, forutsigbare, arvede måtene å lage kunst på, omfavnet hun det som faktisk var rundt henne, og bygde arbeidet sitt fra den materielle virkeligheten av hennes autentiske eksistens. Hun arbeidet stort, lite, to-dimensjonalt, tre-dimensjonalt: hva som helst som vokste ut av miljøet hennes og øyeblikket. Hun utviklet en mangfoldig tilnærming til kunstproduksjon som skyldtes mindre kunsthistorien enn dens ånd.

Louise Fishman - Untitled, 2011, Acrylic on rusted metal, 1 1/4 × 8 1/2 × 7 1/4 in, 3.2 × 21.6 × 18.4 cm, ICA Philadelphia, Philadelphia, photo credits Cheim & Read, New York

Tilbake til maling

Til slutt førte hennes estetiske eksperimenter Fishman tilbake til maleri. Men hennes nye engasjement med maleri var mer ærlig og mer personlig enn før. Hun benyttet overflater som kommuniserte hennes individuelle karakter og brukte medier hun personlig var tiltrukket av, noe som hjalp til med å formidle lagene av følelser som er iboende i verket. Hun benyttet verktøy og teknikker utenfor det vanlige området for maleristudioet. Og temaene hun tok opp i arbeidet sitt hadde også utviklet seg. Hun laget en serie verk kjent som Angry malerier, som bruker direkte, enkle tekstuttalelser for å utfordre kulturelle responser på kvinnelig følelser. Og etter et besøk til konsentrasjonsleirer i Tyskland, utviklet hun en serie verk som konfronterte hennes personlige følelser om hennes familiehistorie, hennes jødiske fortid, og de mange andre måtene hun visceralt relaterte til forfølgelsen som var legemliggjort i slike steder.

I dag formidler hennes arbeid en moden, tidløs oppriktighet. Gjennom sin tiår lange reise mot ærlig selvuttrykk har Fishman gjenoppfunnet maleri som en personlig måte å uttrykke seg på. Hun tok det tilbake til røttene og brakte det fremover igjen i tid, nå med henne som veileder i stedet for omvendt. Underveis har hun skapt, og fortsetter å lage, et bemerkelsesverdig mangfoldig verk, som inkluderer arbeider på papir, små malerier, tekstbaserte verk, abstrakte gesturalmalerier, skulpturelle objekter, og mange andre estetiske fenomener. Alt arbeidet har et enhetlig estetisk språk av maling og grus. Menneskelighet er tydelig i dens harmoniske svingninger mellom feil og presisjon. Et subtilt, men hjertelig spekter av følelser formidles gjennom hennes skiftende fargepalett.

Louise Fishman - Untitled, 2011-2013, Watercolours, 7 1/8 × 10 1/4 in, 18.1 × 26 cm, © Louise Fishman, courtesy of Gallery Nosco | Frameless and Cheim & Read

En levende arv

Personlig, bortsett fra hennes kunstneriske bidrag, jo mer jeg leser om Louise Fishman, jo mer ønsker jeg å finne ut mer. Hennes navn har blitt en del av en kort, roterende liste som konstant svever gjennom hodet mitt: mennesker jeg gjerne vil invitere til en slags ultimate cocktailfest, der resten av oss kan sveve gjennom rommet usett, lytte til de opplystes stemmer, og reflektere over deres visdom og vidd. Fishman er en anerkjent abstrakt kunstner som har vært innflytelsesrik i den samtidskunstverdenen i mer enn 40 år. Men det er bare begynnelsen på hvorfor hun er viktig for meg. Faktisk møtte jeg først navnet hennes ikke i et kunstgalleri, men mens jeg fulgte et internettforskningskaninhull om motkulturens direkte aksjonsgrupper fra 1960- og 70-tallet. Fishman har på ulike tidspunkter vært assosiert med flere koalisjoner som arbeider for sosial reform. Den jeg leste om da jeg først leste navnet hennes, var W.I.T.C.H., eller Women’s International Terrorist Conspiracy from Hell.

W.I.T.C.H. engasjerte seg i offentlige handlinger som hadde som mål å undergrave den patriarkalske strukturen som samfunnet er bygget på. Det alene er noe jeg gjerne vil høre mer om. Men det som mest rørte meg da jeg leste om henne, var et sitat hun ga i et intervju med Alexxa Gotthardt i 2015 for Artsy. Mens hun snakket om sin erfaring i grupper som W.I.T.C.H., sa Fishman: “I de gruppene måtte alle snakke, vi ble alle likestilt, og hva vi sa kunne ikke bli stilt spørsmål ved. Det var vitnesbyrd: her er min erfaring som kvinne, og som kvinnelig kunstner.” Den ideen om vitnesbyrd, om muligheten til å uttrykke seg ærlig, uten spørsmål – det er det jeg oppfatter når jeg ser på arbeidet Fishman lager. Det er direkte og oppriktig, og komplekst. Det trekker blikket mitt inn og fører det forsiktig over overflaten. Hennes komposisjoner presenterer seg som visuelle tidslinjer, abstrakte fenomenologiske dagbøker. Budskapet de bærer med seg er at de ikke er her for å bli stilt spørsmål ved. De krever å bli anerkjent ikke for hva vi tolker dem som, ikke for hva vi ønsker at de skal være, men for hva de faktisk er.

Uthevet bilde: Louise Fishman - Uten tittel, 2011-2013, Akvareller, 12 × 17 7/8 tommer, 30,5 × 45,4 cm, © Louise Fishman, i samarbeid med Gallery Nosco | Frameless og Cheim & Read

Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.

Av Phillip Barcio