Hvorfor kunstkritiker Rosalind Krauss fortsatt er avgjørende for abstraksjon

Rosalind Krauss regnes av mange kunstnere, kunstpedagoger og fagfolk i kunstverdenen som den viktigste kunstkritikeren som lever i dag. Og selv om det er ubestridelig at hun gjennom sine skrifter har spredt noen av de mest innflytelsesrike kunstteoriene fra de siste femti årene, kan jeg ikke forstå hvorfor hun blir merket med det ordet: kritiker. Etter min forståelse av hva hun gjør, er Krauss ikke en kritiker. Hun er en anti-kritiker. Hun er en som tenker dypt om kunst og skriver om det, men som ikke definerer hvordan resten av oss skal verdsette den. Hun er en kunstskribent. Hun er en kunstforkjemper. Hun er en kunstforsvarer. Men kritikk? Hvem trenger det? Kunstnere har absolutt ikke bruk for kritikk. Det eneste en kunstner trenger å høre er ros. Kritikk er for markedet. Det er en måte å opprettholde smakens standarder på. Men det finnes ikke noe som heter «god» kunst eller «dårlig» kunst. Det eneste kunstkritikere egentlig ender opp med å gjøre, er å starte krangler, ødelegge moro og begrense muligheter. De sprer blant massene subjektive og ofte ubegrunnede verdidommer. De påvirker offentlig opinion basert på meninger fra et mindretall på én. Men det Krauss har brukt livet sitt på, etter min mening, er det motsatte. Hun har utvidet mulighetene for kunstnere. Hun har utfordret status quo, og i mer enn fem tiår har hun kontinuerlig utvidet måten folk føler seg styrket til å se på, snakke om og skrive om kunst. Når det gjelder meg selv, lærte Krauss meg gjennom sine skrifter at det viktigste jeg kan gjøre i tjeneste for et kunstverk, er å beskrive det. Hun viste meg at gjennomtenkt, nøyaktig beskrivelse er den høyeste anerkjennelsen jeg kan gi en kunstner eller et kunstverk, mye høyere enn å komme til dømmestadiet: å si at noe er «godt», eller at jeg «liker» noe. Smak er subjektiv. Dømming er manipulerende. Nøyaktig beskrivelse viser at man har respektert verket nok til å se nøye på det, og å oversette det ærlig til et enkelt språk som alle kan forstå.

Den unge Rosalind Krauss

Rosalind Krauss ble født i 1941 i Washington, D.C. Hennes far var advokat for USAs justisdepartement. Han tok ofte med Rosalind på besøk til National Gallery of Art. Det var der hun begynte å utvikle ønsket og evnen til å snakke intellektuelt om verdien av moderne kunst. I et intervju i 2016 med Dylan Kerr for Artspace, minnet Krauss om at faren var kritisk til moderne kunst. Men selv som ung kvinne følte hun seg drevet til å forsvare kunsten. Hun hadde en idé om at den var viktig, og talte jevnlig til faren om det mens de gikk rundt i museet. «Jeg tok til meg en viss militans», sier hun, «for jeg måtte prøve å overbevise min far om at disse moderne kunstverkene ikke var falske, at de virkelig var viktige. Dette skjerpet mitt ønske om å forklare.»

Hun begynte på Wellesley College i 1958, og startet det som skulle bli en livslang akademisk karriere viet til ideen om å forklare kunstens betydning. Hun studerte kunsthistorie, og begynte seriøst å lese hva andre kunstskribenter hadde å si om de rådende trendene på den tiden. Det var en spennende tid for amerikansk kunst. Abstrakt ekspresjonisme var på høyden av sin makt, og kunstnere som var imot den eller inspirert av den, beveget det amerikanske kunstlandskapet i en rekke fascinerende retninger: konseptkunst, installasjonskunst, jordkunst og landskapskunst, performancekunst, lys- og romkunst, og minimalisme, for å nevne noen få. Krauss var skarp og innsiktsfull. Selv om hun raskt lærte historie, utviklet hun også sine egne tanker om det hun studerte. Og i prosessen møtte hun en hard realitet på den tiden: det snevre synet på hvordan det var akseptabelt å snakke om kunst, og det lille antallet innflytelsesrike stemmer som definerte det.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), bokomslag

Berg-familien

De to mest innflytelsesrike kunstkritikerne midt på 1900-tallet var Harold Rosenberg og Clement Greenberg. Clement Greenberg var ansvarlig for å gjøre karrierene til noen av de mest kjente kunstnerne i etterkrigstiden. Han er mest kjent for å ha støttet hvite, mannlige abstrakte ekspresjonister som Jackson Pollock og Willem de Kooning, og for å overse kvinner og kunstnere med annen hudfarge. Den enkleste måten å beskrive hvordan Greenberg skrev om kunst på, er å si at han var formalist. Han snakket om malerier ikke i form av innhold, fortelling eller kulturell betydning, men i form av farge, linje, form, overflateegenskaper og mediespesifisitet.

Harold Rosenberg snakket om kunst med et annet språk enn Clement Greenberg. Rosenberg kan enklest beskrives som en kritiker som fokuserte på de poetiske elementene i kunsten. Han skrev om evnen enkelte kunstnere hadde til å lage kontemplative verk, og om de overskridende kvalitetene i kunsten deres. Både Greenberg og Rosenberg var høyt respektert, og blir fortsatt tatt på alvor i dag. I stor grad er de helter fordi de i stor grad legitimerte abstraksjon i den amerikanske bevisstheten. Hver på sin måte lærte disse to kritikerne etterkrigstidens amerikanere at abstrakt kunst var større, dypere og mer komplisert enn det de fleste trodde på den tiden. De hevet abstraksjonen til samme prestisje som den realistiske kunsten som fylte museer og historiebøker. Men på en annen måte representerte begge disse kritikerne en gammel måte å snakke om kunst på. De forbandt seg med kunsten på en strukturert måte forankret i fortidens tradisjoner. De dømte den og ga verdidommer basert på agendaer som spilte inn i samfunnets eksisterende maktstruktur, og på den måten begrenset de hva kunsten kunne bli.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), bokomslag

Poststrukturalistisk kunstskrift

Etter å ha fullført studiene ved Wellesley, dro Rosalind Krauss til Harvard, hvor hun tok doktorgrad i 1969. Mens hun fortsatt var student, begynte hun å skrive om kunst i Artforum. Opprinnelig hadde hun en forkjærlighet for Clement Greenbergs arbeid. Men over tid omfavnet hun et poststrukturalistisk synspunkt. Kort sagt er strukturalisme ideen om at verden kan forstås gjennom identifiserbare, beskrivbare strukturer som igjen gjør alt annet meningsfullt. Historie blir ofte omtalt som en strukturert rekke hendelser som uunngåelig førte til dagens verden. En strukturalistisk kunstkritiker mener at hvert element i et kunstverk kan forstås ut fra hvordan det forholder seg til et eksisterende, strukturert tankesystem. Og motsatt utfordrer poststrukturalismen i hovedsak denne ideen.

Poststrukturalistisk kunstskrift er ikke kritikk i den forstand at det ikke søker en endelig dom over et kunstverk. Poststrukturalismen inviterer til flere tolkninger. Den taler for individuell vurdering. Den avviser autoriteten til arvede strukturer. Den oppfordrer til å snakke om ting på måter som stiller spørsmål ved status quo. Den erkjenner at historiske sosiale strukturer støtter en måte å se og samhandle med verden på som passer inn i de eksisterende fortellingene til makthaverne. Poststrukturalister mener at ved å utfordre disse måtene å se og samhandle med verden på, kan en mer mangfoldig, rettferdig, eksperimentell og interessant verden oppstå: en verden som til slutt også vil være mer sann.

Rosalind Krauss - Bachelors, bokomslag

Om rutenettet

Etter ti år med skriving for Artforum, forlot Rosalind Krauss for å være med på å grunnlegge et nytt kunsttidsskrift sammen med Annette Michelson, kalt October. Ideen med October var å fremme nye måter å tenke om kunst på. Tidsskriftet ble oppkalt etter måneden som markerte starten på den bolsjevikiske revolusjonen. I sidene til October har Krauss publisert sine mest innflytelsesrike kunstskrifter. I bind 8 publiserte hun sitt essay Sculpture in the Expanded Field, som forklarte et vidt utvidet syn på skulptur. Essayet beskrev ikke en bestemt måte å definere skulptur på, men startet snarere en samtale om å finne en måte å snakke om plastiske kunsttendenser uten å måtte definere dem rigid. Dette essayet består som en livline for eksperimentelle, tverrfaglige kunstnere i dag.

Og i bind 9 av October publiserte Krauss et essay kalt Grids, som mange i dag anser som et av de viktigste essayene fra 1900-tallet som forklarer abstraksjon. Essayet utforsker historien om bruken av rutenett i kunst, og reflekterer over de ulike måtene kunstnere har redusert sitt arbeid til utforskninger av rutenettet. Det bemerkelsesverdige med essayet, etter min mening, er at til tross for å være akademisk informert og svært beskrivende, er det åpent og kommer til få konklusjoner. En generalisering Krauss kommer til, er ideen om at rutenett til syvende og sist er symbolske. Men hva de symboliserer, er åpent. Krauss presenterer mange eksempler, åpner mange muligheter, og underbygger dem med velbegrunnede eksempler. Men til slutt beskriver hun langt mer enn hun dømmer. Og det, for meg, er hennes største arv. Hun åpner døren for hva som kan komme, og lar kunstens fremtid utfolde seg som den vil.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, bokomslag

Utvalgt bilde: Rosalind Krauss, foto av Judy Olausen, ca. 1978

Av Phillip Barcio