Hvorfor kunstkritiker Rosalind Krauss fortsatt er avgjørende for abstraksjon

Rosalind Krauss blir ansett av mange kunstnere, kunstpedagoger og fagfolk i kunstverdenen som den viktigste kunstkritikeren som lever. Og selv om det er uomtvistelig at hun gjennom sine skrifter har spredt noen av de mest innflytelsesrike kunstteoriene de siste femti årene, kan jeg for min del ikke forstå hvorfor hun blir merket med det ordet: kritiker. I henhold til min forståelse av hva hun gjør, er Krauss ikke en kritiker. Hun er en anti-kritiker. Hun er en som tenker dypt om kunst og skriver om det, men som ikke definerer hvordan resten av oss skal verdsette det. Hun er en kunstskribent. Hun er en kunstforkjemper. Hun er en kunstforsvarer. Men kritikk? Hvem trenger det? Kunstnere har absolutt ingen nytte av kritikk. Det eneste en kunstner trenger å høre er ros. Kritikk er for markedet. Det er en måte å opprettholde standarder for smak. Men det finnes ikke noe som heter "god" kunst eller "dårlig" kunst. Det eneste kunstkritikere virkelig ender opp med å gjøre er å starte krangler, ødelegge moro og begrense muligheter. De sprer blant massene subjektive og ofte ubegrunnede verdidommer. De påvirker offentlig mening basert på meninger fra et mindretall av én. Men det Krauss har brukt livet sitt på, etter min mening, er ganske det motsatte. Hun har utvidet mulighetene for kunstnere. Hun har utfordret status quo, og i mer enn fem tiår har hun kontinuerlig utvidet måten folk føler seg styrket til å se på, snakke om og skrive om kunst. Når det gjelder meg selv, lærte Krauss meg gjennom sine skrifter at det viktigste jeg kan gjøre i tjeneste for et kunstverk er å beskrive det. Hun viste meg at gjennomtenkt, nøyaktig beskrivelse er den høyeste komplimenten jeg kan gi til en kunstner eller et kunstverk, mye høyere enn å komme til vurderingsfasen: å si at noe er "godt", eller at jeg "liker" noe. Smak er subjektiv. Vurdering er manipulerende. Nøyaktig beskrivelse viser at man har respektert verket nok til å se nøye på det, og å oversette det ærlig til et enkelt språk som alle kan forstå.

Den unge Rosalind Krauss

Rosalind Krauss ble født i 1941 i Washington, D.C. Faren hennes var advokat for det amerikanske justisdepartementet. Han tok ofte Rosalind med for å besøke National Gallery of Art. Det var der hun begynte å utvikle ønsket og evnen til å snakke intellektuelt om verdien av moderne kunst. I et intervju fra 2016 med Dylan Kerr for Artspace, husket Krauss at faren hennes var kritisk til moderne kunst. Men selv som ung kvinne følte hun seg drevet til å forsvare arbeidet. Hun hadde en idé om at det var livsviktig, og hun talte regelmessig for det til faren sin mens de var på omvisning i museet. “Jeg adopterte en viss militans,” sier hun, “for jeg måtte prøve å overbevise faren min om at disse moderne kunstverkene ikke var falske, at de virkelig var viktige. Dette skjerpet ønsket mitt om å forklare.”

Da hun begynte på Wellesley College i 1958, startet hun det som har blitt en livslang akademisk karriere viet til ideen om å forklare viktigheten av kunst. Hun studerte kunsthistorie, og begynte seriøst å lese hva andre kunstforfattere hadde å si om de rådende trendene i øyeblikket. Det var en spennende tid for amerikansk kunst. Abstrakt ekspresjonisme var på høyden av sin makt, og kunstnere som var imot det eller inspirert av det, flyttet det amerikanske kunstlandskapet i en rekke fascinerende retninger: konseptkunst, installasjonskunst, jordarbeider og landkunst, performancekunst, lys- og romkunst, og minimalisme, for å nevne noen få. Krauss var skarp og perceptiv. Selv om hun raskt studerte historien, utviklet hun også sine egne ideer om det hun studerte. Og i prosessen møtte hun en hard realitet fra tiden: det smale synet på hvordan det var akseptabelt å snakke om kunst, og det lille antallet innflytelsesrike stemmer som definerte det.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), book cover

The Bergs

De to mest innflytelsesrike kunstkritikerne på midten av 1900-tallet var Harold Rosenberg og Clement Greenberg. Clement Greenberg var ansvarlig for å gjøre karrierene til noen av de mest kjente kunstnerne i etterkrigstiden. Han er mest kjent for å støtte hvite, mannlige abstrakte ekspresjonister som Jackson Pollock og Willem de Kooning, og for å ignorere kvinner og kunstnere av farge. Den enkleste måten å beskrive måten Greenberg skrev om kunst på, er å si at han var en formalist. Han snakket om malerier ikke i forhold til innholdet, narrativet eller den kulturelle betydningen. Han snakket om dem i forhold til farge, linje, form, overflatekvaliteter og mediespesifisitet.

Harold Rosenberg snakket om kunst med et annet språk enn det Clement Greenberg brukte. Rosenberg kan enklest beskrives som en kritiker som fokuserte på de poetiske elementene i kunsten. Han skrev om evnen til visse kunstnere til å lage kontemplativt arbeid, og skrev om de transcendente kvalitetene i kunsten deres. Både Greenberg og Rosenberg var mye respektert, og fortsetter å bli tatt på alvor i dag. I stor grad er de helter fordi de i stor grad legitimerte abstraksjon i den amerikanske bevisstheten. Hver på sin egen måte, lærte disse to kritikerne etterkrigsamerikanere at abstrakt kunst var større, dypere og mer komplisert enn det så ut til for de fleste på den tiden. De hevet abstraksjon til samme prestisje som den realistiske kunsten som fylte museer og historiebøker. Men på en annen måte representerte begge disse kritikerne en gammel måte å snakke om kunst på. De engasjerte seg med den på en strukturert måte forankret i tradisjonene fra fortiden. De vurderte den og gjorde verdidommer basert på agendaer som spilte inn i den eksisterende maktstrukturen i samfunnet, og på den måten begrenset de hva kunsten kunne bli.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), book cover

Post-strukturalistisk kunstskriving

Etter at hun ble uteksaminert fra Wellesley, dro Rosalind Krauss til Harvard, hvor hun fikk sin Ph.D. i 1969. Mens hun fortsatt var student begynte hun å skrive om kunst i Artforum. I begynnelsen hadde hun en forkjærlighet for arbeidet til Clement Greenberg. Men over tid kom hun til å omfavne et post-strukturalistisk synspunkt. I bunn og grunn er strukturalisme ideen om at verden kan forstås i form av identifiserbare, beskrivbare strukturer som igjen gjør at alt annet gir mening. Historie blir ofte omtalt som en strukturert serie av hendelser som uunngåelig førte til dagens verden. En strukturalistisk kunstkritiker mener at hvert element i et kunstverk kan forstås ut fra hvordan det relaterer seg til et eksisterende, strukturert tankesystem. Og omvendt utfordrer post-strukturalismen i hovedsak den ideen.

Post-strukturalistisk kunstskriving er ikke kritikk i den forstand at den ikke er etter en endelig vurdering av et kunstverk. Post-strukturalismen inviterer til flere tolkninger. Den går inn for individuell evaluering. Den avviser autoriteten til arvede strukturer. Den går inn for å snakke om ting på måter som stiller spørsmål ved status quo. Den anerkjenner at historiske sosiale strukturer støtter en måte å se og samhandle med verden på som passer inn i de eksisterende narrativene til makthaverne. Post-strukturalister mener at ved å utfordre disse måtene å se og samhandle med verden på, kan en mer mangfoldig, rettferdig, eksperimentell og interessant verden oppstå: en som til slutt også vil være mer sann.

Rosalind Krauss - Bachelors, book cover

På rutenettet

Etter ti år med skriving for Artforum, forlot Rosalind Krauss for å co-fundere et nytt kunstjournal med Annette Michelson, kalt October. Ideen med October var å fremme nye måter å tenke på kunst. Journalen ble oppkalt etter måneden som markerte begynnelsen på den bolsjevikiske revolusjonen. I sidene av October har Krauss publisert sin mest innflytelsesrike kunstskriving. I Volum 8 publiserte hun sitt essay Sculpture in the Expanded Field, som forklarte et enormt utvidet syn på skulptur. Essayet beskrev ikke en spesifikk måte å definere skulptur på, men begynte snarere en samtale om å finne en måte å snakke om plastiske kunsttendenser uten å måtte rigid definere hva de er. Dette essayet varer som en livline til eksperimentelle, tverrfaglige kunstnere i dag.

Og i Volum 9 av oktober publiserte Krauss et essay kalt Grids, som av mange i dag anses for å være et av de viktigste essayene fra 1900-tallet som forklarer abstraksjon. Essayet utforsker historien om bruken av rutenett i kunst, og reflekterer over de ulike måtene kunstnere har redusert arbeidet sitt til utforskninger av rutenettet. Det som er bemerkelsesverdig med essayet, etter min mening, er at til tross for å være akademisk informert og svært beskrivende, er det åpent og kommer til få konklusjoner. En generalisering Krauss kommer til er ideen om at rutenett i siste instans er symbolske. Men når det gjelder hva de symboliserer, forblir det åpent. Krauss presenterer mange eksempler, åpner for mange muligheter, og støtter dem opp med utdannede eksempler. Men til slutt beskriver hun langt mer enn hun dømmer. Og det, for meg, er hennes største arv. Hun åpner døren for hva som kan komme neste, og lar fremtiden for kunst utfolde seg slik den vil.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, book cover

Fremhevet bilde: Rosalind Krauss, foto av Judy Olausen, ca. 1978

Av Phillip Barcio