Victor Vasarelys Formforming på Centre Pompidou Paris
For første gang på mer enn 50 år er en stor retrospektiv av Victor Vasarely på visning ved et fransk museum. Centre Pompidou åpnet Vasarely: Sharing Forms i februar i år, og samlet mer enn 300 objekter, inkludert kunstverk og ephemera, som dokumenterer den komplette estetiske utviklingen til en av gigantene innen 20. århundres modernisme. Utstillingen fastslår Vasarely ikke bare som en stor kunstner, men som en stor idealist, en som trodde det ikke finnes noen grense mellom kunst og hverdagsliv. Født i 1907 i Pécs, Østerrike-Ungarn, meldte Vasarely seg inn på MǺhely (verksted) skolen, den lokale Budapest-versjonen av Bauhaus, i 1918. Skolen ble drevet av kunstneren og grafisk designer Sándor Bortnyik. Etter to år med studier hos Bortnyik, flyttet Vasarely til Paris og begynte en karriere som grafisk designer. Hans ambisjon var å anvende de visuelle leksjonene fra modernismen til massekommunikasjonens verden. Et av hans mest kjente tidlige verk, "Zebra" (1937), legemliggjør det liminale rommet der de tilsynelatende separate disiplinene kunst og design smelter sammen som én. Den svart-hvite, lineære komposisjonen viser to zebraer sammenfiltret, muligens i kamp, muligens i kjærlighet. Bildet erklærer dyktig Vasarely som en mester i perspektiv ved å demonstrere hans evne til å transformere en flat overflate til et kinetisk, tredimensjonalt felt. Likevel sliter kritikere den dag i dag med spørsmålet om hvorvidt dette og hans andre tidlige verk bør klassifiseres som kunst eller design. Faktisk var det sist en stor oversikt over hans arbeid ble arrangert i Frankrike i 1963, da kunstneren bare var 57 år gammel, ved Musée des Arts Décoratifs—ikke et kunstmuseum, men et museum for dekorativ kunst og design. Bare to år senere ble imidlertid Vasarely inkludert i The Responsive Eye, den banebrytende utstillingen ved Museum of Modern Art som etablerte de ledende kunstnerne innen Op Art-bevegelsen. Vasarely: Sharing Forms bringer alle aspekter av hans arbeid sammen på en universell måte. I stedet for å tvinge definisjoner, respekterer denne utstillingen kompleksitetene og nyansene i hans visjon, og tilbyr en sterkt nødvendig utvidelse av Vasarely-historien.
Den Evige Reformatoren
Da Vasarely først begynte sin karriere som grafisk designer, anså han reklame for å være den mest utbredte formen for visuell kultur, så han satte seg fore å transformere den ved å tilpasse den til de visuelle språkene til Kubisme, De Stijl, Suprematisme, og andre tidlige modernistiske posisjoner. Etter andre verdenskrig skiftet han imidlertid fokus og bestemte seg for at i stedet for å bruke kunst til å reformere design, ville han se til den virkelige verden for ledetråder om hvordan man kan transformere kunst. Han la merke til alt i sitt visuelle landskap, fra arkitektoniske strukturer, til mønstrene av skygge og lys som faller på naturlige former, til overflatene av krystaller. Han innså at det finnes et estetisk rom der prinsippene for geometrisk abstraksjon sameksisterer med prinsippene for de naturlige og bygde verdenene. Verk som “Kiruna” (1952) viser hvordan han brøt den visuelle verden ned til dens mest essensielle byggeklosser, som sirkler og firkanter, og til den enkleste mulige fargepaletten.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installasjonsvisning ved Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillatelse fra IdeelArt.
Selv om han hadde begynt å utvikle sitt eget virkelig unike visuelle språk, forble Vasarely alltid reformatoren. Han oppfattet at hans geometriske komposisjoner ikke var helt fullstendige. De trengte ett ekstra aspekt—utseendet av bevegelse. Men i stedet for å skape faktisk kinetisk kunst, som mobilene til Alexander Calder, var Vasarely interessert i hvordan hjernen oppfattet bevegelse. Han observerte hvordan bølger på overflaten av vann, eller i solens varme, skaper illusjonen av at rommet er forvrengt, og at solide objekter er flytende. Han anvendte denne tankegangen på sine komposisjoner, og introduserte bølgemønstre til sine geometriske komposisjoner, og tilsynelatende forvrengte overflatene på verkene. I malerier som "Re.Na II A" (1968), ser overflaten ut til å bule utover. I andre malerier ser overflaten ut til å kollapse. Mest bemerkelsesverdig, så snart øyet fanger opp hva det ser i disse bølgemønstrene, ser bildet ut til å skifte, og gir både illusjonen av tredimensjonalt rom og inntrykket av bevegelse.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Installasjonsvisning ved Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillatelse fra IdeelArt.
Et universelt visuelt språk
En av de mest idealistiske aspektene ved Vasarelys arv var hans skapelse av "den plastiske enheten": et grunnleggende visuelt verktøy som kan tilpasses for å skape uendelige visuelle komposisjoner. Den plastiske enheten til Vasarely består av én geometrisk form i én farge som inneholder en annen, forskjellig geometrisk form i en annen farge inni seg – for eksempel en blå firkant som omgir en rød sirkel, eller omvendt. I moderne termer er den plastiske enheten som en piksel. Vasarely ville kombinere de plastiske enhetene sammen i ulike geometriske kombinasjoner og deretter bruke linje og farge for å introdusere bølger i komposisjonene. Dette enkle visuelle språket var virkelig demokratisk, siden det lett kunne kopieres av hvem som helst. Universialiteten i stilen inspirerte til og med Vasarely til igjen å undre seg over hvordan han kunne bruke det han hadde skapt for å påvirke hverdagslivet til innbyggerne positivt.
Victor Vasarely - Forme 1009 dekor 5110, ca. 1973. Utgave 23/50. Forme 1008 dekor 5105, ca. 1973. Utgave 75. Forme 1008 dekor 5104, ca. 1973. Utgave 17/75. Forme 1009 dekor 5108, ca. 1973. Utgave 22/50. Forme 1007 dekor 5101, ca. 1973. Utgave 27/100. Forme 1008 dekor 5106, ca. 1973. Utgave 61/75. Forme 1010 dekor 5112, ca. 1973. Utgave 31/100. Forme 1007 dekor 5100, ca. 1973. Utgave 6/100. Installationsvisning ved Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillatelse fra IdeelArt.
Som Vasarely: Sharing Forms viser vakkert, utviklet Vasarely en rekke strategier for å bringe kunsten sin inn i det offentlige rom. Han skapte en mengde veggmalerier, plakater og til og med industrielle design, som det 21-delte kaffe- og dessertsettet han designet for Rosenthal. Han laget logoer for bedrifter, som Renault og Musee de Cinema, blant andre. Og han viet seg til å skape alle typer kunst i offentlige rom. Han så for seg det han kalte en "polykrom by av lykke," hvor hans livlige, fargerike, geometriske offentlige verk ville bringe de "dystre og grå forstedene" til liv. Gjennom denne utstillingen ser vi hvordan plastisitet er felles for alle former for visuell kultur. Vasarely demonstrerte hvordan det er en essensiell del av billedkunst, selvfølgelig. Men han så også plastisitet som essensiell for selve steinene som brukes til å bygge byen, og i fargene og nyansene av lys som faller på naturen. De kunstige separasjonene mellom feltene kunst, design, mote, kino, arkitektur og til og med reklame smelter bort når vi ser all visuell kultur på denne måten. Dette er leksjonen som Vasarely lærte: at kunst er overalt. Vasarely: Sharing Forms er på visning på Centre Pompidou frem til 6. mai 2019.
Fremhevet bilde: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installasjonsvisning ved Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillatelse fra IdeelArt.
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio
