Victor Vasarelys Formforming på Centre Pompidou Paris
For første gang på mer enn 50 år vises en stor retrospektiv utstilling av Victor Vasarely på et fransk museum. Centre Pompidou åpnet Vasarely: Sharing Forms i februar i år, og samlet over 300 gjenstander, inkludert kunstverk og ephemera, som dokumenterer den fullstendige estetiske utviklingen til en av gigantene innen 1900-tallets modernisme. Utstillingen fastslår Vasarely ikke bare som en stor kunstner, men også som en stor idealist, en som trodde at det ikke finnes noen grense mellom kunst og hverdagsliv. Født i 1907 i Pécs, Østerrike-Ungarn, begynte Vasarely på Műhely (verksted) skolen, den lokale budapestske versjonen av Bauhaus, i 1918. Skolen ble ledet av kunstneren og grafiske designeren Sándor Bortnyik. Etter to år med studier hos Bortnyik flyttet Vasarely til Paris og startet en karriere som grafisk designer. Hans ambisjon var å anvende modernismens visuelle læresetninger på massekommunikasjonens verden. Et av hans mest kjente tidlige verk, «Zebra» (1937), innkapsler det grenselandet hvor de tilsynelatende separate disiplinene kunst og design smelter sammen til ett. Den svart-hvite, lineære komposisjonen viser to sebraer sammenfiltret, muligens i kamp, muligens i kjærlighet. Bildet erklærer Vasarely som en mester i perspektiv ved å demonstrere hans evne til å forvandle en flat overflate til et kinetisk, tredimensjonalt felt. Likevel sliter kritikere den dag i dag med spørsmålet om hvorvidt dette og hans andre tidlige arbeider skal klassifiseres som kunst eller design. Faktisk var sist gang en stor oversiktsutstilling av hans arbeid ble vist i Frankrike i 1963, da kunstneren bare var 57 år gammel, ved Musée des Arts Décoratifs – ikke et billedkunstmuseum, men et museum for dekorativ kunst og design. Bare to år senere ble Vasarely imidlertid inkludert i The Responsive Eye, den banebrytende utstillingen ved Museum of Modern Art som etablerte de ledende kunstnerne innen Op Art-bevegelsen. Vasarely: Sharing Forms samler alle aspekter av hans arbeid på en universell måte. I stedet for å presse fram definisjoner, respekterer denne utstillingen kompleksiteten og nyansene i hans visjon, og tilbyr en sårt tiltrengt utvidelse av Vasarely-historien.
Den evige reformatoren
Da Vasarely først begynte sin karriere som grafisk designer, anså han reklame som den mest allestedsnærværende formen for visuell kultur, og han satte seg som mål å forvandle den ved å tilpasse den til de visuelle språkene til kubismen, De Stijl, suprematismen og andre tidlige modernistiske retninger. Etter andre verdenskrig skiftet han imidlertid fokus og bestemte seg for at i stedet for å bruke kunst til å reformere design, ville han søke i den virkelige verden etter ledetråder for hvordan kunsten kunne forvandles. Han la merke til alt i sitt visuelle landskap, fra arkitektoniske strukturer til mønstrene av skygge og lys som falt på naturlige former, til overflatene på krystaller. Han innså at det finnes et estetisk rom hvor prinsippene for geometrisk abstraksjon sameksisterer med prinsippene i den naturlige og bygde verden. Verk som «Kiruna» (1952) viser hvordan han brøt ned den visuelle verden til dens mest essensielle byggesteiner, som sirkler og firkanter, og til det enklest mulige fargeutvalget.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installasjonsbilde fra Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillatelse fra IdeelArt.
Selv da han hadde begynt å utvikle sitt eget virkelig unike visuelle språk, forble Vasarely alltid reformatoren. Han oppfattet at hans geometriske komposisjoner ennå ikke var fullstendige. De trengte ett ekstra aspekt – illusjonen av bevegelse. Men i stedet for å skape faktisk kinetisk kunst, som mobilene til Alexander Calder, var Vasarely interessert i hvordan hjernen oppfatter bevegelse. Han observerte hvordan bølger på vannflaten, eller i solens varme, skaper illusjonen av at rommet er bøyd, og at faste objekter er flytende. Han anvendte denne tankegangen i sine komposisjoner, og introduserte bølgemønstre i sine geometriske komposisjoner, og ga tilsynelatende overflatene i verkene en bølgende form. I malerier som «Re.Na II A» (1968) ser overflaten ut til å bule ut. I andre malerier ser overflaten ut til å kollapse. Mest forbløffende er at så snart øyet fanger opp hva det ser i disse bølgemønstrene, synes bildet å skifte, og gir både illusjonen av tredimensjonalt rom og inntrykk av bevegelse.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Installasjonsbilde fra Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillatelse fra IdeelArt.
Et universelt visuelt språk
Et av de mest idealistiske aspektene ved Vasarelys arv var hans skapelse av «plastisk enhet»: et grunnleggende visuelt verktøy som kan tilpasses for å skape uendelige visuelle komposisjoner. Vasarelys plastiske enhet består av én geometrisk form i én farge som inneholder en annen, forskjellig geometrisk form i en annen farge inni seg – for eksempel en blå firkant som omkranser en rød sirkel, eller omvendt. I moderne termer er den plastiske enheten som en piksel. Vasarely kombinerte de plastiske enhetene i ulike geometriske kombinasjoner og brukte deretter linje og farge for å introdusere bølger i komposisjonene. Dette enkle visuelle språket var virkelig demokratisk, siden det lett kunne kopieres av hvem som helst. Stilens universelle karakter inspirerte Vasarely til igjen å undre seg over hvordan han kunne bruke det han hadde skapt til å påvirke folks hverdagsliv på en positiv måte.
Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, ca. 1973. Utgave 23/50. Forme 1008 décor 5105, ca. 1973. Utgave 75. Forme 1008 décor 5104, ca. 1973. Utgave 17/75. Forme 1009 décor 5108, ca. 1973. Utgave 22/50. Forme 1007 décor 5101, ca. 1973. Utgave 27/100. Forme 1008 décor 5106, ca. 1973. Utgave 61/75. Forme 1010 décor 5112, ca. 1973. Utgave 31/100. Forme 1007 décor 5100, ca. 1973. Utgave 6/100. Installasjonsbilde fra Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillatelse fra IdeelArt.
Som Vasarely: Sharing Forms vakkert viser, utviklet Vasarely mange strategier for å bringe sin kunst ut i det offentlige rom. Han skapte en mengde veggmalerier, plakater og til og med industridesign, som det 21-delte kaffe- og dessertsettet han designet for Rosenthal. Han laget logoer for bedrifter, som Renault og Musee de Cinema, blant andre. Og han viet seg til å skape alle typer kunst i offentlige rom. Han forestilte seg det han kalte en «polykrom lykke-by», hvor hans livlige, fargerike, geometriske offentlige verk ville bringe liv til de «mørke og grå forstedene». Gjennom hele denne utstillingen ser vi hvordan plastisitet er felles for alle former for visuell kultur. Vasarely viste hvordan det er en essensiell del av billedkunst, selvfølgelig. Men han så også plastisitet som avgjørende for selve steinene som bygger byen, og i fargene og lysnyansene som faller på naturen. De kunstige skillene mellom kunst, design, mote, film, arkitektur og til og med reklame smelter bort når vi ser all visuell kultur på denne måten. Dette er læren Vasarely ga oss: at kunst er overalt. Vasarely: Sharing Forms vises på Centre Pompidou til 6. mai 2019.
Utvalgt bilde: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installasjonsbilde fra Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillatelse fra IdeelArt.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
