Nowa książka celebruje Alice Trumbull Mason, pionierkę amerykańskiej abstrakcji

Alice Trumbull Mason była rzadkością w dziedzinie sztuki: zapaloną praktykantką, motywowaną wyłącznie pragnieniem nauki. Mason zmarła w 1971 roku, w wieku 67 lat, pozostawiając po sobie setki obrazów i grafik, które stawiają ją wśród najbardziej przenikliwych i utalentowanych artystów swojego czasu. Odporną na trendy i nieustannie oddaną eksperymentom, stworzyła dorobek, który przekracza czas. Wkrótce ukaże się główna monografia dokumentująca ponad 150 jej obrazów, zawierająca wnikliwe eseje o Mason autorstwa współczesnych krytyków sztuki, takich jak Elisa Wouk Almino z Hyperallergic, wydana przez Rizzoli Electa w Nowym Jorku (można ją już zamówić w przedsprzedaży). To najbardziej kompleksowa ocena jej kariery do tej pory, która będzie ceniona za piękne, pełnostronicowe reprodukcje wielu jej prac. Jednakże, odbiór książki, który już otrzymuje, jest nieco dziwny. Dziwność ta ucieleśnia nagłówek niedawnej recenzji napisanej przez Robertę Smith dla New York Times, która nazywa Mason „Zapomnianą Modernistką”. To twierdzenie, że Mason nie była doceniana za swojego życia lub została zignorowana po jej śmierci, jest mniej faktem, a bardziej hiperbolą, aby zaspokoić apetyt rynku sztuki na dzieła i artystów, którzy rzekomo zostali „przeoczeni”. Odrzucam to jako teorię w tym przypadku tylko dlatego, że znam zbyt wielu rzeczywistych artystów, którzy istnieją w prawdziwej dziedzinie sztuki. Większość artystów chciałaby mieć karierę, jaką miała Alice Trumbull Mason. Przez ponad cztery dekady miała sześć wystaw indywidualnych w Nowym Jorku, współzałożyła American Abstract Artists, zaprzyjaźniła się i uczyła od kilku z najbardziej cenionych artystów swojego czasu oraz sprzedawała prace niektórym z najbardziej wpływowych postaci w świecie sztuki, w tym Hilli Rebay i Peggy Guggenheim. W rzeczywistości, w której przytłaczająca większość artystów nigdy nie ma ani jednej wystawy indywidualnej w Nowym Jorku i nigdy nie sprzedaje żadnych obrazów, Mason była ogromnym sukcesem. Zamiast pozwolić rynkowi sztuki zniekształcić jej dziedzictwo, aby pasowało do jego zepsutej narracji, powinniśmy oddać szacunek temu, co Mason naprawdę zrobiła.

Osobista historia sztuki

Jednym z dowodów na to, jakim artystą była Alice Trumbull Mason, można znaleźć w Smithsonian Archives of American Art, gdzie jej osobiste dokumenty zostały przekazane. Kolekcja zawiera zeszyt, na okładce którego Mason ręcznie napisała „Historia sztuki”. W jego stronach (które są dostępne do przeglądania online) znajdują się osobiste refleksje na temat życia i dzieł kilkudziesięciu klasycznych mistrzów. Zamiast czytać i powtarzać historię sztuki, Mason pojechała do Europy i osobiście odwiedziła wpływowe dzieła, poświęcając czas na poznanie ludzi, którzy je stworzyli. Jej osobista książka o historii sztuki zawiera zarówno obserwacje plastyczne, jak i spostrzeżenia na temat wewnętrznych żyć artystów. Oba aspekty są równie odkrywcze. Na przykład zauważa, że Michelangelo nie chciał malować Kaplicy Sykstyńskiej i że miał żal do wielu swoich innych patronów. Fakt, że stał się jednym z najsłynniejszych artystów w historii, był dla Mason bez znaczenia – bardziej interesowało ją to, że był nieszczęśliwy, ponieważ nie miał wolności malowania tego, co chciał.

Alice Trumbull Mason - #1 W kierunku paradoksu, 1969. Olej na płótnie. 19 x 22 cale (48,3 x 55,9 cm). Galeria Washburn, Nowy Jork.

W temacie plastyczności sztuki, Mason zwraca uwagę na cytat renesansowego rzeźbiarza Donatella, który powiedział: „Tracisz substancję dla cienia.” W jego przypadku Donatello mówił o efektach odważnych zmian w jasności i ciemności, znanych jako chiaroscuro. Choć szczegóły figury mogą zniknąć, gdy światło pada na fałdy rzeźbionej tkaniny lub wypukłości rzeźbionych mięśni, dramatyzm i realizm wyłaniają się z postrzeganego poczucia głębi, które tworzy cień. Mason odczytała w jego słowach coś jeszcze głębszego. W tym cytacie dostrzegła odniesienie do potencjalności abstrakcji. Cień stał się metaforą dla nieznanego. Tak jak nieznane sprawiało, że rzeźba wydawała się realna dla Donatella, tak nieznane reprezentowało to, co było najbardziej realne dla Mason. Uważała sztukę abstrakcyjną za najbardziej reprezentatywny rodzaj sztuki – to nieznane, a nie znane, było tym, co starała się reprezentować.

Alice Trumbull Mason - Bez tytułu, ok. 1939. Olej na płótnie. 30 x 40 cali (76,2 x 101,6 cm). Galeria Washburn, Nowy Jork.

Całkowity pionier

Tytuł nadchodzącej monografii Masona—Alice Trumbull Mason: Pionierka amerykańskiej abstrakcji—nie mógł być bardziej odpowiedni. Dla mnie przypomina on starą amerykańską maksymę z wczesnych dni ekspansji na zachód: „Pionierzy są rzeźbieni; osadnicy się wzbogacają.” Sztuka nigdy nie przyniosła Mason fortuny, ale to, co znajdziesz na stronach tej monografii, to dowód na to, że artystka nigdy się nie osiedliła. Już w 1929 roku, kiedy miała 25 lat, Mason była oddana świeckim duchowym możliwościom zawartym w sztuce abstrakcyjnej. Z radością studiowała sprzeczne teorie, wahając się między lirycznym biomorfizmem artystów takich jak Wassily Kandinsky, Joan Miro i jeden z jej osobistych mentorów, Arshile Gorky, a geometryczną, plastyczną czystością artystów takich jak Piet Mondrian. W ciągu swojego życia oscylowała między tymi dwoma pozycjami. W 1945 roku, kiedy Hilla Rebay zorganizowała Wystawę Pamięci Kandinsky'ego, na której zaprezentowano 227 obrazów, Mason napisała osobisty list do Rebay, dziękując jej za danie jej szansy „na tak pełne” studiowanie tak wielu jego prac osobiście. Jednak już rok później Mason zaczęła dodawać prostokąty i to, co nazywała „architektoniczną” strukturą, do swoich kompozycji w neo-plastycznym duchu Mondriana.

Alice Trumbull Mason - Rysunek do "Colorstructive Abstraction", 1947. Olej na masonicie. 26 1/2 x 23 cali (67,3 x 58,4 cm). Galeria Washburn, Nowy Jork.

Ostatecznie Mason trzymała się dwóch zasad, które przewyższały wszelkie powierzchowne obawy dotyczące treści w jej pracy. Pierwsza to jej przekonanie—czy tworzyła obrazy, czy grafiki, kompozycje biomorficzne czy geometryczne—o znaczeniu osobistej wolności w kwestii tego, jakie sztuki tworzyć i jak je tworzyć. A druga to jej świadomość, że medium samo w sobie jest najważniejszym i najbardziej ekspresyjnym elementem sztuki abstrakcyjnej. Jak wszyscy wielcy artyści, magia jej pracy nie tkwi w jej CV wystawowym, ani w cenach na aukcjach, ani w tym, ile współczesnych kolekcjonerów zna teraz jej imię—tkwi w ekfrastycznej plastyczności samej farby.

Obraz wyróżniony: Alice Trumbull Mason - Staff, Distaff and Rod, 1952. Olej na płótnie. 34 3/8 x 42 cali (87,3 x 106,7 cm). Galeria Washburn, Nowy Jork.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio