Nowa książka celebruje Alice Trumbull Mason, pionierkę amerykańskiej abstrakcji

Alice Trumbull Mason była rzadkością w dziedzinie sztuki: zagorzałą praktyczką kierowaną wyłącznie pragnieniem nauki. Mason zmarła w 1971 roku, w wieku 67 lat, pozostawiając po sobie setki obrazów i grafik, które plasują ją wśród najbardziej przenikliwych i utalentowanych artystek swojej epoki. Odporną na mody i nieustannie oddaną eksperymentom, stworzyła dorobek, który przekracza granice czasu. Wydawnictwo Rizzoli Electa z Nowego Jorku przygotowuje obszerny monograf dokumentujący ponad 150 jej obrazów, zawierający wnikliwe eseje o Mason autorstwa współczesnych krytyków sztuki, takich jak Elisa Wouk Almino z Hyperallergic (książkę można już zamówić w przedsprzedaży). To najpełniejsza ocena jej kariery do tej pory, ceniona za piękne, pełnostronicowe reprodukcje wielu jej dzieł. Jednak odbiór książki jest już nieco dziwny. Dziwność tę oddaje tytuł niedawnej recenzji autorstwa Roberty Smith dla New York Times, która nazywa Mason „Zapomnianą Modernistką”. Twierdzenie, że Mason nie była doceniana za życia lub że od jej śmierci pozostaje pomijana, jest raczej przesadą podsycającą apetyt rynku sztuki na dzieła i artystów rzekomo „przeoczonych”. Odrzucam tę teorię tylko dlatego, że znam zbyt wielu prawdziwych artystów działających w realnym świecie sztuki. Większość artystów marzyłaby o karierze, jaką miała Alice Trumbull Mason. Przez ponad cztery dekady miała sześć solowych wystaw w Nowym Jorku, współzałożyła American Abstract Artists, zaprzyjaźniła się i uczyła od kilku najwyżej cenionych artystów swojej epoki oraz sprzedawała prace najbardziej wpływowym postaciom świata sztuki, w tym Hilli Rebay i Peggy Guggenheim. W rzeczywistości, gdzie zdecydowana większość artystów nigdy nie ma nawet jednej solowej wystawy w Nowym Jorku i nie sprzedaje żadnych obrazów, Mason odniosła ogromny sukces. Zamiast pozwalać rynkowi sztuki wypaczać jej dziedzictwo, by pasowało do jego skorumpowanej narracji, powinniśmy oddać szacunek temu, co Mason naprawdę osiągnęła.

Osobista historia sztuki

Świadectwo tego, jaką artystką była Alice Trumbull Mason, można znaleźć w Archiwach Amerykańskiej Sztuki Smithsonian, gdzie przekazano jej osobiste dokumenty. Kolekcja zawiera notatnik, na okładce którego Mason własnoręcznie napisała „Historia sztuki”. W jego stronach (dostępnych do przeglądania online) znajdują się osobiste refleksje na temat życia i dzieł kilkudziesięciu klasycznych mistrzów. Zamiast czytać i powtarzać historię sztuki, Mason wyjechała do Europy i osobiście odwiedzała wpływowe dzieła, poświęcając czas także na poznanie ludzi, którzy je stworzyli. Jej osobista książka historii sztuki zawiera zarówno plastyczne obserwacje, jak i wnikliwe spostrzeżenia o wewnętrznym życiu artystów. Oba są równie odkrywcze. Na przykład zauważa, że Michał Anioł nie chciał malować Kaplicy Sykstyńskiej i że żywił urazę do wielu swoich mecenasów. Fakt, że stał się jednym z najsłynniejszych artystów w historii, był dla Mason nieistotny — bardziej interesowało ją to, że był nieszczęśliwy, ponieważ nie miał wolności malować, co chciał.

Alice Trumbull Mason - #1 Ku paradoksowi, 1969. Olej na płótnie. 48,3 x 55,9 cm. Galeria Washburn, Nowy Jork.

W kwestii plastyczności sztuki Mason przytacza cytat renesansowego rzeźbiarza Donatella, który powiedział: „Tracisz substancję dla cienia.” W jego przypadku Donatello mówił o efektach odważnych zmian jasności i ciemności, znanych jako chiaroscuro. Choć detale postaci mogą zniknąć, gdy światło pada na fałdy rzeźbionego materiału lub mięśnie, dramatyzm i realizm wyłaniają się z postrzeganego poczucia głębi, które tworzy cień. Mason odczytała w jego słowach coś jeszcze głębszego. Zobaczyła w tym cytacie odniesienie do potencjału abstrakcji. Cień stał się metaforą nieznanego. Tak jak nieznane sprawiało, że rzeźba wydawała się prawdziwa dla Donatella, tak nieznane było tym, co dla Mason było najbardziej prawdziwe. Uważała sztukę abstrakcyjną za najbardziej reprezentatywny rodzaj sztuki — to nieznane, a nie znane, starała się przedstawiać.

Alice Trumbull Mason - Bez tytułu, ok. 1939. Olej na płótnie. 76,2 x 101,6 cm. Galeria Washburn, Nowy Jork.

Całkowita pionierka

biomorfizmem artystów takich jak Wassily Kandinsky, Joan Miró i jeden z jej osobistych mentorów, Arshile Gorky, a geometryczną, plastyczną czystością artystów takich jak Piet Mondrian. Przez całe życie oscylowała między tymi dwoma stanowiskami. W 1945 roku, gdy Hilla Rebay zorganizowała Wystawę Pamięci Kandinsky’ego, prezentującą 227 obrazów, Mason napisała do Rebay osobisty list, dziękując za możliwość „tak pełnego studiowania” wielu jego dzieł osobiście. Jednak już rok później Mason zaczęła dodawać prostokąty i to, co nazywała „architektoniczną” strukturą, do swoich kompozycji w duchu Neo-Plastycyzmu Mondriana.

Alice Trumbull Mason - Rysunek do „Kolorystycznej Abstrakcji”, 1947. Olej na masonicie. 67,3 x 58,4 cm. Galeria Washburn, Nowy Jork.

Ostatecznie Mason trzymała się dwóch zasad przewodnich w swojej twórczości, które przeważały nad wszelkimi powierzchownymi troskami o treść. Pierwszą była jej wiara — niezależnie czy tworzyła obrazy czy grafiki, biomorficzne kompozycje czy geometryczne — w znaczenie osobistej wolności w wyborze, jaką sztukę tworzyć i jak ją tworzyć. Drugą była świadomość, że medium samo w sobie jest najważniejszym i najbardziej wyrazistym elementem sztuki abstrakcyjnej. Jak wszyscy wielcy artyści, magia jej dzieł nie tkwi w jej życiorysie wystawowym, ani w cenach na aukcjach, ani w tym, ilu współczesnych kolekcjonerów zna jej nazwisko — lecz w ekfrastycznej plastyczności samej farby.

Zdjęcie główne: Alice Trumbull Mason - Kij, wrzeciono i pręt, 1952. Olej na płótnie. 87,3 x 106,7 cm. Galeria Washburn, Nowy Jork.
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio