Mniej znaczy więcej! Zbieraj swoją minimalną sztukę abstrakcyjną tutaj

Mniej znaczy więcej, popularne powiedzenie Ludwiga Miesa van der Rohe, nie tylko zwięźle uchwyciło istotę rodzącego się minimalizmu, ale także zainspirowało ruch, który nadal rozwija się w wielu estetyczno-filozoficznych odgałęzieniach, zobowiązanych do bezkompromisowego upraszczania form. Cofając się do redukcyjnej abstrakcji rosyjskiego konstruktywizmu i holenderskiego De Stijl (a nawet Moneta według Clementa Greenberga), jego współczesny przełom nastąpił w 1959 roku wraz z wystawą Czarnych Obrazów Franka Stelli. Malując wyłącznie czarne geometryczne formy i linie (na neutralnej białej bazie), poszerzył granice samej sztuki, wynosząc minimalistyczną sztukę abstrakcyjną na najwyższy wyraz radykalnej samokrytyki modernizmu. Minimalizm lat sześćdziesiątych odpowiedział ostrą niechęcią wobec obficie emocjonalnej i ostentacyjnej sztuki ekspresjonistów abstrakcyjnych, którzy podkreślali bogactwo ludzkiego doświadczenia. Odkrywając istotę dzieła w samych obiektach, minimalizm głosił autonomię i samoodniesienie dzieła. Opowiadali się za dosłowną obecnością dzieła sztuki – bez mylących odniesień do złożonych koncepcji, programów czy ideologii stojących za nim – i podkreślali natychmiastową reakcję widza na cechy koloru, formy, przestrzeni i materiału. Przywrócony przez Ada Reinhardta, którego całkowicie czarne obrazy zapowiadały minimalizm lat sześćdziesiątych, zwrot „mniej znaczy więcej” zaczął oznaczać sztukę pozbywającą się natury i negującą wyraz artystyczny (i idee stojące za wyrazem), ale podkreślającą ostateczne docenienie medium i formy. Inspirowana wiecznymi zasadami prostoty, równowagi, symetrii, porządku, harmonii i całości, minimalistyczna sztuka abstrakcyjna pozostaje szeroko popularna. Prosimy przewinąć w dół, aby zobaczyć nasz cotygodniowy wybór dziesięciu najbardziej przekonujących dzieł minimalistycznej sztuki abstrakcyjnej.

Brent Hallard - Architectural Butterfly (Dandelion)

Hallard fascynuje się prostymi formami i skupiskami form, co rozwija w dziele Architectural Butterfly (Dandelion), gdzie bawi się niejednoznacznością zmieniającą się między architektonicznym wnętrzem a formą wypukłą. Ten geometryczny utwór opiera się na formie i kolorze, tworząc złudzenie optyczne – manipulując układem między obiektami i kolorami, Hallard kwestionuje subiektywne postrzeganie widza. Hallard jest australijskim artystą abstrakcyjnym, kuratorem i pisarzem, którego prace na papierze i aluminium eksplorują minimalistyczną ikonografię i monochromatyczne wyrazy. Obecnie mieszka i pracuje w Byron Bay w Australii.

 

Brent Hallard - Architectural Butterfly (Dandelion), 2016. Akryl na plastry miodu z aluminium. 61 x 61 cm.

Clay Johnson - What I heard

Najnowsze dzieło Johnsona, What I heard, ukazuje jego trwałe przywiązanie do procesu, pozwalając, by jego prace powstawały poprzez serię niepowstrzymanych reakcji. Przeciąga poziome pasy koloru po powierzchni, pozwalając, by początkowy wybór barwy kierował kompozycją. Budując wielowarstwowo farbę, Johnson szlifuje przez te warstwy, sugerując to, co pod spodem. Jego żywiołowe reakcje skutkują świetlistą, wypolerowaną powierzchnią złożonych kombinacji kolorów. Johnson jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym, którego redukcjonistyczne kompozycje badają relacje między kolorem, formą i fakturą. Mieszka i pracuje w Laramie, Wyoming.

 

Clay Johnson - What I heard, 2020. Akryl na płótnie. 121,92 x 121,92 cm.

 

Elizabeth Gourlay - Subulo 1

Część serii inspirowanej pobytem w Umbrii we Włoszech, subulo to starożytna etruska nazwa fletu i ujawnia zainteresowanie Gourlay rzeźbami kamiennymi oraz innymi etruskimi artefaktami. Jednak za żywą grą koloru i formy wyłania się sugestywna opowieść, która bada, jak myślimy o dźwięku, a szczególnie o muzyce i jak jest ona przekładana na medium wizualne. Gourlay jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której prace powstają w wyniku postępowego procesu nakładania warstw koloru, linii i form, inspirowanych zarówno wewnętrznymi stanami emocjonalnymi, jak i obserwacją natury oraz architektury. Mieszka i pracuje w Chester, Connecticut.

 

Elizabeth Gourlay - Subulo 1, 2013. Grafit i olej na panelu. 30,5 x 30,5 cm.

 

Arvid Boecker - #1198

Boecker nieustannie bada kolor, malując na swoim standardowym prostokątnym płótnie podzielonym podłużną linią na dwa pola barwne. #1198 jest przykładem jego skrupulatnego zaangażowania w budowanie warstw koloru, nakładając ich do 40, a następnie usuwając stare warstwy, by pozostawić widoczne echa erozji. Ten długi proces tworzenia, podczas którego jego obrazy dojrzewają, ma charakter medytacyjny, gdy jednocześnie rozważa kolor i jego efekty. Boecker jest niemieckim malarzem abstrakcyjnym, którego prace wykorzystują napięcia i harmonie istniejące między relacjami kolorów, fakturami i procesami czasu. Mieszka i pracuje w Heidelbergu w Niemczech.

 

Arvid Boecker - #1198, 2019. Olej na płótnie. 50 x 40 x 5,5 cm.

 

Macyn Bolt - skipstep (aa)

skipstep (aa) doskonale odzwierciedla zainteresowanie Bolta paradoksem przestrzennego pojmowania w malarstwie abstrakcyjnym. Zainspirowany techniką kroków bokserskich, Bolt zauważa, że złudzeniowe cechy abstrakcyjnej kompozycji wymagają podobnej praktyki w percepcji i oczekiwaniu. Stara się stworzyć dynamiczne napięcie między pierwszym planem/tłem, centrum/krawędzią i wnętrzem/na zewnątrz, korzystając z geometrycznego słownictwa schematów architektonicznych. Bolt jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym. Używając języka wizualnego opartego na abstrakcji geometrycznej, tworzy dzieła badające, jak kolor i forma wywołują zmiany w percepcji wzrokowej. Mieszka i pracuje w Brooklynie, NY oraz na północ od Pensylwanii.

 

Macyn Bolt - skipstep (aa), 2014. Akryl na płótnie. 51 x 46 cm.

 

Tilman - Untitled (257.11)

Zainspirowany sztuką konkretną i minimalizmem, Tilman tworzy cenione prace na papierze, będące osobistym depozytem jego pomysłów pochodzących z niespokojnego umysłu wizualnego. Używając kredki na papierze welinowym, pozwala swojej pamięci wizualnej przełożyć się na papier, ukazując malarską jakość i strukturę powierzchni. Untitled (257.11) podkreśla niezwykły układ przestrzeni, tworząc kompozycję formy i koloru, która w interakcji ze światłem porządkuje środowisko wizualne na nowo. Tilman jest niemieckim artystą abstrakcyjnym i kuratorem. Jego twórczość obejmuje obrazy, środowiska budowane oraz układane i warstwowe obiekty ścienne i podłogowe. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku i Dolceacqua we Włoszech.

 

Tilman - Untitled (257.11), 2011. Kredka na welinie. 65 x 50 cm.

 

Kim Uchiyama - Pulse

Pulse to hipnotyzujący akwarelowy obraz, który przekazuje pełne pasm tajemniczego światła. Uchiyama stosuje nasycony kolor, aby osiągnąć ogólny chór, z każdym pasmem wyznaczającym swój unikalny głos. Ich precyzyjny układ i delikatne warstwy przekazują najbardziej intymne uczucia Uchiyamy, często inspirowane światłem lub atmosferą konkretnego miejsca. Uchiyama jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której prace wykorzystują kolor do tworzenia światła i formy, aktywując metafizyczny potencjał przestrzeni obrazowej. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

 

Kim Uchiyama - Pulse, 2018. Akwarela na papierze Arches. 40,6 x 30,5 cm.

 

Xanda McCagg - Adjacent 5

Praca inicjująca, zapowiadająca większe cykle McCagg, Adjacent 5 wykonana jest za pomocą kredek i ołówka na papierze z podkładem gesso, który oddaje żywiołowość i zapał jej techniki. Tworzy subtelne znaki i rozległe pola koloru, używając także linii do podkreślenia różnych idei. W Adjacent 5 McCagg stosuje delikatne i surowe linie, aby wyrazić subtelną ewolucję swojego podstawowego słownika estetycznego, opartego na ulotnym rozróżnieniu między percepcją a wyobraźnią. McCagg jest amerykańską artystką abstrakcyjną, mieszkającą i pracującą w dzielnicy Chelsea w Nowym Jorku.

 

Xanda McCagg - Adjacent 5, 2014. Ołówek i kredka na papierze. 50,8 x 40,6 cm.

 

Tenesh Webber - Untitled 6

Używając ołówka węglowego na papierze Stonehenge, Webber przekłada swoje pomysły na rysunki, które ostatecznie przekształcą się w obiekty dwuwymiarowe i trójwymiarowe. Od 2018 roku rozwija te rysunki, tworząc abstrakcyjne obrazy rozwijające idee siatki, głębi i cienia, ruchu i bezruchu. Untitled 6 to rytmiczna, intuicyjna kompozycja, która emanuje niepowstrzymanym napięciem między organicznym a liniowym w ramach jej minimalistycznej wrażliwości. Webber jest kanadyjską artystką abstrakcyjną, której prace badają i kwestionują konwencje tradycyjnej fotografii czarno-białej. Mieszka w Jersey City w New Jersey i pracuje w Bushwick w Brooklynie.

 

Tenesh Webber -Untitled 6, 2019. Ołówek węglowy na papierze Stonehenge. 33 x 28 cm.

 

Tom McGlynn - Survey 5

Część trwającej serii Survey, Survey 5 odnosi się do testów behawioralnych, ale także do problemu, jak współczesne obrazy są skanowane. Ta interpretacyjna zagadka wymyka się ścisłej denotacji i zachęca widza do kontemplacyjnego poszukiwania rozproszonego znaczenia. McGlynn bada, jak znaki, loga, wzory architektoniczne i inne współczesne wzory i kształty wizualne mogą wywołać resztkowe znaczenie ukryte głęboko w naszej (nie)świadomości. Jego (post)minimalistyczne podejście niesie ze sobą ukrytą złożoność znaczenia. McGlynn jest amerykańskim artystą abstrakcyjnym, niezależnym kuratorem i pisarzem, którego twórczość bada interaktywny kolor i proporcje w napięciu z ich potencjalnym znaczeniem semiotycznym. Mieszka w rejonie Nowego Jorku.

 

Tom McGlynn - Survey 5, 2013. Akryl na papierze Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.

 

Odkryj więcej minimalistycznej sztuki abstrakcyjnej!

 

Zdjęcie wyróżnione: Elizabeth Gourlay - Subulo 1, 2013, widok instalacji.
Fot. Jovana Vuković