Mniej znaczy więcej! Zbieraj swoją minimalną sztukę abstrakcyjną tutaj

Mniej znaczy więcej, popularne aforyzm autorstwa Ludwiga Miesa van der Rohe, nie tylko zwięźle uchwycił istotę powstającego minimalizmu, ale także zainspirował ruch, który nadal ewoluuje w licznych estetyczno-filozoficznych odgałęzieniach, które są zobowiązane do nieugiętej uproszczenia form. Wracając do redukcyjnej abstrakcji rosyjskiego konstruktywizmu i holenderskiego De Stijl (a nawet Moneta według Clementa Greenberga), jego współczesny przełom miał miejsce w 1959 roku podczas wystawy Czarnych Obrazów Franka Stelli. Malując wyłącznie czarne formy geometryczne i linie (na neutralnej białej podstawie), rozszerzył granice samej sztuki, wynosząc minimalistyczną sztukę abstrakcyjną na najwyższy poziom wyrazu nowoczesnej radykalnej auto-krytyki. Minimalizm lat sześćdziesiątych odpowiedział surową wrogością wobec obficie emocjonalnej i ostentacyjnej sztuki ekspresjonistów abstrakcyjnych, którzy podkreślali bogactwo ludzkiego doświadczenia. Znajdując samą istotę dzieła sztuki w obiektach, minimalizm twierdził o autonomii i samoreferencyjności dzieła. Opowiadali się za dosłowną obecnością dzieła sztuki - bez mylących odniesień do złożonych koncepcji, programów czy ideologii stojących za nim - i podkreślali natychmiastową reakcję widzów na cechy koloru, formy, przestrzeni i materiału. Odkryty na nowo przez Ada Reinhardta, którego całkowicie czarne obrazy przewidywały minimalizm lat sześćdziesiątych, mniej znaczy więcej zaczęło oznaczać sztukę, która pozbywała się natury i negowała ekspresję artystyczną (i idee stojące za ekspresją), ale która akcentowała ostateczne docenienie medium i formy. Inspirowana wiecznymi zasadami prostoty, równowagi, symetrii, porządku, harmonii i całości, minimalistyczna sztuka abstrakcyjna pozostaje szeroko popularna. Proszę przewinąć w dół, aby zobaczyć nasz cotygodniowy wybór dziesięciu najbardziej przekonujących minimalistycznych dzieł sztuki abstrakcyjnej.

Brent Hallard - Architektoniczny Motyl (Mniszek)

Fascynacja Hallarda prostymi formami i ich skupiskami ewoluuje w Architektonicznym Motylu (Dmuchawiec), gdzie bawi się ambiwalencją, przechodząc między architektonicznym wnętrzem a formą wystającą. Ten geometryczny utwór sztuki opiera się na formie i kolorze, aby stworzyć iluzję optyczną - manipulując układami między obiektami a kolorami, Hallard kwestionuje subiektywne postrzeganie widza. Hallard jest australijskim artystą abstrakcyjnym, kuratorem i pisarzem, którego prace na papierze i aluminium badają minimalistyczną ikonografię oraz monochromatyczne wyrażenia. Obecnie mieszka i pracuje w Byron Bay w Australii.

Brent Hallard - Architektoniczny Motyl (Dmuchawiec), 2016. Akryl na aluminiowej kompozycie. 61 x 61 cm.

Clay Johnson - Co usłyszałem

Najnowsza praca Johnson, Co słyszałem, ujawnia jego trwałe przywiązanie do procesu, gdy pozwala swoim dziełom sztuki wyłonić się poprzez szereg niepowstrzymanych reakcji. Przeciąga poziome pasy koloru po powierzchni, pozwalając, aby jego początkowy wybór koloru prowadził kompozycję do przodu. Gdy nakłada kolejne warstwy farby, Johnson szlifuje te warstwy, sugerując to, co znajduje się pod spodem. Jego visceralne reakcje skutkują świetlistą, wypolerowaną powierzchnią z złożonymi kombinacjami kolorów. Johnson jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym, którego redukcjonistyczne kompozycje badają relacje między kolorem, formą a teksturą. Mieszka i pracuje w Laramie w Wyoming.

Clay Johnson - Co usłyszałem, 2020. Akryl na płótnie. 121,92 x 121,92 cm.

Elizabeth Gourlay - Subulo 1

Część serii inspirowanej jej pobytem w Umbrii, Włochy, subulo to starożytna etruska nazwa fletu i ujawnia zainteresowanie Gourlay rzeźbami kamiennymi i innymi etruskimi artefaktami. Jednak za żywym współgraniem koloru i formy wyłania się sugestywna narracja, która bada to - odsłania, jak myślimy o dźwięku, a szczególnie o muzyce i jak jest ona tłumaczona w medium wizualnym. Gourlay jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której prace powstają w wyniku postępowego procesu nakładania kolorów, linii i form, które są inspirowane zarówno wewnętrznymi stanami emocjonalnymi, jak i jej obserwacją natury i architektury. Mieszka i pracuje w Chester, Connecticut.

Elizabeth Gourlay - Subulo 1, 2013. Grafit i olej na panelu. 30,5 x 30,5 cm.

Arvid Boecker - #1198

Praca Boeckera jest nieustannym badaniem koloru, który jest malowany na jego standardowym prostokątnym płótnie podzielonym przez linię podłużną na dwa pola kolorowe. #1198 jest przykładem jego skrupulatnego zaangażowania w budowanie warstw koloru, nakładając do 40 warstw i usuwając stare warstwy, aby echa erozji pozostały widoczne. Ten długi proces twórczy, podczas którego jego obrazy dojrzewają, jest z natury medytacyjny, ponieważ jednocześnie reflektuje nad kolorem i jego efektami. Boecker jest niemieckim malarzem abstrakcyjnym, którego prace mobilizują napięcia i harmonie, które istnieją między relacjami kolorów, teksturami i procesami czasu. Mieszka i pracuje w Heidelbergu w Niemczech.

Arvid Boecker - #1198, 2019. Olej na płótnie. 50 x 40 x 5,5 cm.

Macyn Bolt - skipstep (aa)

skipstep (aa) doskonale odzwierciedla zainteresowanie Bolta paradoksem zrozumienia przestrzennego, jak istnieje w malarstwie abstrakcyjnym. Zainspirowany techniką kroków bokserskich, Bolt odkrywa, że iluzoryczne cechy kompozycji abstrakcyjnej wymagają podobnej praktyki w percepcji i oczekiwaniach. Stara się stworzyć dynamiczne napięcie między pierwszym/planem, centrum/brzegiem oraz wnętrzem/na zewnątrz, czerpiąc z geometrycznego słownictwa schematów architektonicznych. Bolt jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym. Używając języka wizualnego opartego na abstrakcji geometrycznej, tworzy dzieła sztuki, które badają, jak kolor i forma tworzą zmiany w percepcji wizualnej. Mieszka i pracuje w Brooklynie, NY oraz w północnej Pensylwanii.

Macyn Bolt - skipstep (aa), 2014. Akryl na płótnie. 51 x 46 cm.

Tilman - Bez tytułu (257.11)

Zainspirowany sztuką konkretna i minimalizmem, Tilman’s uznawane prace na papierze są osobistym depozytem jego pomysłów, które pochodzą z jego niespokojnego umysłu wizualnego. Używając kredki na papierze welinowym, pozwala swojej pamięci wizualnej przetłumaczyć się na papier, ujawniając malarską jakość i strukturę powierzchni. Bez tytułu (257.11) podkreśla niezwykły układ przestrzeni, tworząc kompozycję formy i koloru, która, w interakcji ze światłem, reorganizuje wizualne otoczenie. Tilman jest niemieckim artystą abstrakcyjnym i kuratorem. Jego prace obejmują obrazy, zbudowane środowiska oraz stosowane i warstwowe obiekty na ścianach i podłogach. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku i Dolceacqua we Włoszech.

Tilman - Bez tytułu (257.11), 2011. Kredka na welinie. 65 x 50 cm.

Kim Uchiyama - Pulse

"Pulse" to hipnotyzujący akwarelowy obraz, który przekazuje przepełnione pasma enigmatycznego światła. Uchiyama stosuje nasycone kolory, aby osiągnąć przewodni chór, z każdym pasmem wyznaczającym swój unikalny głos. Ich precyzyjny układ i delikatne warstwy komunikują najintymniejsze uczucia Uchiyamy, często inspirowane światłem lub atmosferą konkretnej lokalizacji. Uchiyama jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której prace wykorzystują kolor do tworzenia światła i formy, co aktywuje metafizyczny potencjał przestrzeni obrazowej. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku."

Kim Uchiyama - Pulse, 2018. Akwarela na papierze Arches. 40,6 x 30,5 cm.

Xanda McCagg - Sąsiedni 5

Praca inicjująca, która ogłasza większe zbiory dzieł McCagg, Adjacent 5 jest wykonana za pomocą kredek i ołówka na papierze, a podłoże pokryte jest gesso, które uchwyca witalność i pasję jej techniki. Tworzy subtelne znaki i rozległe pola kolorów, również używając linii, aby podkreślić różne idee. W Adjacent 5 McCagg wykorzystuje delikatne i surowe linie, aby wyrazić subtelną ewolucję jej podstawowego słownictwa estetycznego, które opiera się na nieuchwytnej różnicy między percepcją a wyobraźnią. McCagg jest amerykańską artystką abstrakcyjną, która mieszka i pracuje w dzielnicy Chelsea w Nowym Jorku.

Xanda McCagg - Adjacent 5, 2014. Ołówek i farba na papierze. 50,8 x 40,6 cm.

Tenesh Webber - Bez tytułu 6

Używając ołówka węglowego na papierze Stonehenge, Webber przekłada swoje pomysły na rysunki, które ostatecznie przekształcą się w obiekty dwuwymiarowe i trójwymiarowe. Od 2018 roku dalej rozwija te rysunki, tworząc abstrakcyjne obrazy, które rozwijają idee siatki, głębi i cienia, ruchu i stanu spoczynku. Untitled 6 to rytmiczna, intuicyjna kompozycja, która emanuje nieograniczoną napięciem między organicznym a liniowym w ramach jej minimalistycznej wrażliwości. Webber jest kanadyjską fotografką abstrakcyjną, której prace badają i kwestionują konwencje tradycyjnej fotografii czarno-białej. Mieszka w Jersey City w New Jersey i pracuje w Bushwick w Brooklynie.

Tenesh Webber -Bez tytułu 6, 2019. Ołówek węglowy na papierze Stonehenge. 33 x 28 cm.

Tom McGlynn - Ankieta 5

Część trwającej serii badań, Badanie 5 odnosi się do testowania behawioralnego, ale także do problemu, jak współczesne obrazy są skanowane. Ta interpretacyjna zagadka umyka ścisłej denotacji i wciąga widza w kontemplacyjną questę poszukiwania rozproszonego znaczenia. McGlynn bada, jak znaki, logo, wzory architektoniczne i inne współczesne wzory wizualne oraz kształty mogą wywoływać resztkowe znaczenie ukryte głęboko w naszej (nie)świadomości. Jego (post-)minimalistyczne podejście wiąże się z implicitną złożonością znaczenia. McGlynn jest amerykańskim artystą abstrakcyjnym, niezależnym kuratorem i pisarzem, którego twórczość bada interaktywny kolor i proporcje w napięciu z ich potencjalnym znaczeniem semiotycznym. Mieszka w rejonie Nowego Jorku.

Tom McGlynn - Survey 5, 2013. Akryl na papierze Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.

Odkryj więcej minimalnej sztuki abstrakcyjnej!

Obraz wyróżniony: Elizabeth Gourlay - Subulo 1, 2013, widok instalacji.
Przez Jovana Vuković