Abstrakcyjne podejścia nowoczesnej sztuki włoskiej

Większość osób studiujących historię sztuki włoskiej poznaje klasycznych mistrzów z okresu wysokiego renesansu i baroku, takich jak Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Rafael i Caravaggio. Mniej osób słyszy o nowoczesnych włoskich ruchach artystycznych, takich jak Arte Povera i spatializm, czy współczesnych włoskich mistrzach, takich jak Ettore Spalletti. Aby zrozumieć pełną historię sztuki włoskiej, niezbędne jest poznanie licznych sposobów, w jakie włoscy artyści przyczynili się do modernizmu. Niektóre włoskie ruchy modernistyczne miały charakter figuratywny, jak Arte Nucleare, które konfrontowało się z okropnościami energii atomowej po II wojnie światowej, oraz Transavantgarde, włoska wersja neoekspresjonizmu, która powstała w latach 70. XX wieku. Co najmniej jeden włoski ruch modernistyczny, Novecento Italiano, był regresywny, popierając faszyzm i nawołując do powrotu do starożytnych, realistycznych, klasycznych stylów. Jednak Włochy były także kolebką kilku abstrakcyjnych ruchów modernistycznych, które w znaczący sposób ukształtowały międzynarodowe tendencje współczesnej sztuki. Choć lista artystów związanych z tymi ruchami może być zbyt długa, by omówić ją w jednym artykule, oto wstęp do kilku kluczowych abstrakcyjnych, nowoczesnych włoskich ruchów artystycznych oraz artystów, którzy pomogli je zdefiniować.

Włoski futuryzm

Na wiejskiej drodze pod Mediolanem w 1909 roku Filippo Tommaso Marinetti wjechał samochodem do rowu, gdy gwałtownie skręcił, by uniknąć rowerzysty. Marinetti wpadł w szał po tym zdarzeniu. Nie cierpiał powolnego roweru. Był fanatykiem prędkości i siły, wierzył, że drogi powinny należeć do maszyn nowej ery. Był częścią bezczelnego pokolenia młodych włoskich artystów, którzy wkrótce zostali znani jako futuryści.

Po wypadku samochodowym Marinetti napisał esej, który został opublikowany w gazetach we Włoszech i Francji. Stał się on znany jako Manifest Futurystyczny i opisywał z pasją frustrację tych młodych artystów pod ciężarem historii. Mówił o pragnieniu „wyzwolenia Włoch od zgorzeli profesorów, archeologów, przewodników i antykwariuszy.” Głosił siłę mechaniczną, przemoc i wojnę oraz sugerował, że nowocześni artyści powinni przyjąć nowy, uprzemysłowiony świat i zniszczyć wszystkie tradycje i instytucje przeszłości.

Umberto Boccioni - Unikalne formy ciągłości w przestrzeni, 1913, dwa widoki

Włoska sztuka futuryzmu

W swojej sztuce włoscy futuryści starali się ukazać ruch i prędkość. Przedstawiali chaos miasta i wizje gwałtownie i gwałtownie zmieniającego się świata. Kluczową zasadą włoskiego futuryzmu był dynamizm, czyli połączone doznanie prędkości, ruchu i dźwięku. Giacomo Balla był jednym z mistrzów dynamizmu. Jego wczesne próby tej techniki miały charakter figuratywny, ale jego styl szybko stał się bardziej abstrakcyjny, gdy zaczął wyrażać dynamizm poprzez formalne cechy malarstwa, takie jak kolor, linia i forma. Kluczowym przykładem jest obraz Abstrakcyjna prędkość + dźwięk z 1914 roku.

Umberto Boccioni był kolejnym futuryzmem mistrzem dynamizmu. Utalentowany malarz, stworzył jeden z najsłynniejszych obrazów futuryzmu, zatytułowany Miasto wschodzi. Z czasem zainteresował się wyzwaniem przedstawienia tego, co nazwał „następstwem”, czyli wrażeniem ruchu przez przestrzeń fizyczną, w przestrzeni trójwymiarowej. Najsłynniej zrealizował ten cel w swojej abstrakcyjnej rzeźbie Unikalne formy ciągłości w przestrzeni, stworzonej w 1913 roku.

Lucio Fontana - Koncept przestrzenny, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Mediolan

Spatializm

Pokolenie po futuryzmie rozpoczął się kolejny ważny włoski abstrakcyjny ruch modernistyczny, zapoczątkowany przez artystę o imieniu Lucio Fontana. Pochodzący z Argentyny, Fontana interesował się przede wszystkim wyrażaniem cech i istoty przestrzeni. Fascynowało go, jak forma może zajmować przestrzeń, zawierać przestrzeń i otwierać dostęp do przestrzeni. Często nazywany jest malarzem, ponieważ jego najsłynniejsze dzieła wiszą na ścianach. Jednak Fontana był pierwotnie rzeźbiarzem i uważał swoje tak zwane obrazy za dzieła, które przeczą definicji sztuki dwuwymiarowej.

W 1946 roku napisał esej zatytułowany Biały Manifest, który otwarcie nawoływał do zakończenia tradycyjnych definicji sztuki dwuwymiarowej i trójwymiarowej. Zamiast tego zachęcał do syntezy w sztuce. W swoim manifeście Fontana opisał, jak tradycyjne „statyczne” definicje sztuki, takie jak malarstwo i rzeźba, nie są już adekwatne w epoce zdominowanej przez „dynamiczną zasadę ruchu przez czas i przestrzeń.” Dzięki temu przełomowemu spojrzeniu Fontana stworzył wiele innowacji. Wykonał jedne z pierwszych przykładów sztuki instalacyjnej, a pod koniec lat 40. osiągnął szczyt swoich przemyśleń, tworząc płótna, które następnie przecinał nożem. Jego dzieło Concetto spaziale – Attesa, monochromatyczne czerwone płótno z pojedynczym cięciem nożem przez środek, uważane jest za kwintesencję myśli spatializmu, ponieważ udaje mu się stworzyć formę z przestrzeni.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Mediolan

Arte Povera

Jeden z najbardziej przełomowych abstrakcyjnych ruchów modernistycznych XX wieku narodził się we Włoszech w latach 60. XX wieku. Nazywał się Arte Povera, czyli sztuka uboga, ze względu na skłonność jego twórców do korzystania z pospolitych materiałów i codziennych tematów. Ruch ten początkowo powstał jako opór wobec innych tendencji modernistycznych, takich jak minimalizm, który podkreślał procesy przemysłowe i starał się wyeliminować osobowość artysty z dzieła. Artyści związani z Arte Povera chcieli na nowo połączyć sztukę z codziennym życiem.

Aby nawiązać kontakt z przyziemnym, banalnym i codziennym, ci artyści starali się tworzyć wyjątkowe momenty interakcji między swoimi dziełami a widzami, którzy je spotykali. Tworzyli sztukę, która choć abstrakcyjna, przekazywała proste, bezpośrednie przesłania. Używali łatwych do zrozumienia, naturalnych, dotykalnych, przedprzemysłowych materiałów, takich jak sznur, ziemia, tkanina, a nawet odchody. Wśród równoczesnych ruchów artystycznych dążących do wyeliminowania emocji i indywidualizmu ze sztuki, ci artyści podkreślali znaczenie człowieczeństwa zarówno artysty, jak i widza, i otwarcie zapraszali publiczność do bezpośredniej interakcji ze swoją sztuką.

Pino Pascali - Bristleworms

Artyści Arte Povera

Piero Manzoni uważany jest za ojca Arte Povera, choć zmarł w wieku 29 lat w 1963 roku, zanim mógł wziąć udział w głównych wystawach tego ruchu. Poprzez swoją twórczość Manzoni zniszczył iluzję, że sztuka i życie są odrębne, bezpośrednio angażując widzów w swoją sztukę. W dziele zatytułowanym Consumption of dynamic art by the art-devouring public (Konsumpcja sztuki dynamicznej przez publiczność pożerającą sztukę) Manzoni „podpisał” twardo ugotowane jajka odciskiem kciuka, a następnie zaprosił widzów do ich zjedzenia. W dziele Magisk Sokkel, co po holendersku znaczy Magiczna Półka, zaprosił widzów do udziału, stając na piedestale i przemieniając ich w żywe rzeźby.

Inni artyści Arte Povera nie angażowali publiczności bezpośrednio, lecz tworzyli dzieła celowo zaprojektowane tak, by sugerować interakcję widza. Pino Pascali stworzył wielkoformatowe Bristleworms, czyli rzeźby przypominające robaki, wykonane z szczotek, których widzowie byli zachęcani do dotykania. W 1965 roku Michelangelo Pistoletto wyraził być może idealne połączenie sztuki i codziennego życia. Jego dzieło Struktura do rozmowy na stojąco (bez przedmiotów) składało się z poręczy zamontowanej w galerii, o którą widzowie mogli się oprzeć i postawić na niej stopę podczas rozmowy.

Michelangelo Pistoletto - Struktura do rozmowy na stojąco (bez przedmiotów)

Współczesna nowoczesna sztuka włoska

Dziś tradycje włoskiego modernizmu są żywe i mają się dobrze. Ettore Spalletti jest jednym z czołowych abstrakcyjnych artystów działających obecnie we Włoszech. Jest luźno związany z głównymi ideami Arte Povera, choć jego twórczość zdecydowanie różni się od większości członków tej grupy. Jako artysta interdyscyplinarny Spalletti tworzy obiekty, które zajmują się istotą koloru. Prowadzi żmudny proces nakładania wielu warstw farby wykonanej ręcznie, aż ujawni się istota poszukiwanego koloru. To właśnie w tej ulotnej chwili, gdy kolor wreszcie się pojawia, przerywa swój proces.

Obiekty tworzone przez Spallettiego emanują eterycznym blaskiem. Wydają się jak uchwycone momenty wschodu słońca lub błyski światła odbijające się od powierzchni wody zatrzymanej w czasie. Oprócz wystawiania swoich prac w galeriach i muzeach, Spalletti stworzył także całe wnętrza, na przykład w kostnicy i kaplicy. Być może to właśnie z takich wyrażeń, które odnoszą się do codziennego życia, wynika jego dalsze powiązanie z Arte Povera. Jednak Spalletti jest także wyjątkowym głosem we współczesnej włoskiej sztuce abstrakcyjnej. On i jego liczni współcześni w środowisku włoskiej sztuki abstrakcyjnej cieszą się związkiem z każdym z wpływowych włoskich ruchów artystycznych przeszłości. I co najważniejsze, podobnie jak ich poprzednicy, kontynuują tradycję stawiania włoskiej sztuki na czele innowacyjnego myślenia modernistycznego.

Zdjęcie wyróżnione: Giacomo Balla - Abstrakcyjna prędkość + dźwięk, 1913-1914. Olej na niepolerowanej tekturze w ramie malowanej przez artystę. 54,5 x 76,5 cm. Kolekcja Peggy Guggenheim Fundacji Solomon R. Guggenheim, Wenecja, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork/SIAE, Rzym
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio