Abstrakcyjne podejścia nowoczesnej sztuki włoskiej

Większość osób studiujących historię sztuki włoskiej poznaje klasycznych mistrzów z okresu wysokiego renesansu i baroku, takich jak Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael i Caravaggio. Mniej osób słyszy o nowoczesnych ruchach sztuki włoskiej, takich jak Arte Povera i Spatialism, czy współczesnych włoskich mistrzach, takich jak Ettore Spalletti. Aby zrozumieć pełną historię sztuki włoskiej, niezbędne jest zbadanie licznych sposobów, w jakie włoscy artyści przyczynili się do modernizmu. Niektóre włoskie ruchy modernistyczne miały charakter figuratywny, takie jak Arte Nucleare, które konfrontowało zgrozę mocy atomowej w następstwie II wojny światowej, oraz Transavantgarde, włoska wersja neoekspresjonizmu, która powstała w latach 70. XX wieku. A przynajmniej jeden włoski ruch modernistyczny, Novecento Italiano, był regresywny, przyjmując faszyzm i opowiadając się za powrotem do starożytnych, realistycznych, klasycznych stylów. Ale Włochy były również miejscem narodzin kilku abstrakcyjnych ruchów sztuki modernistycznej, które w znaczący sposób ukształtowały międzynarodowe tendencje współczesnej sztuki. Chociaż lista artystów związanych z tymi ruchami może być zbyt długa, aby omówić ją w jednym artykule, oto początkowy przegląd kilku kluczowych abstrakcyjnych, nowoczesnych włoskich ruchów sztuki oraz niektórych artystów, którzy pomogli je zdefiniować.

Włoski futuryzm

Na wiejskiej drodze pod Mediolanem w 1909 roku Filippo Tommaso Marinetti wpadł swoim samochodem do rowu, próbując uniknąć zderzenia z rowerzystą. Marinetti wpadł w furię z powodu tego incydentu. Nienawidził wolno poruszającego się roweru. Był fanatykiem prędkości i mocy, wierzył, że drogi powinny należeć do maszyn nowej epoki. Był częścią bezczelnej generacji młodych włoskich artystów, którzy wkrótce mieli stać się znani jako Futuryści.

Po swoim wypadku samochodowym Marinetti napisał esej, który został opublikowany w gazetach we Włoszech i Francji. Zyskał on miano Manifestu Futurystycznego i w pasjonujący sposób opisywał frustrację, jaką ci młodzi artyści odczuwali pod ciężarem historii. Mówił o pragnieniu „uwolnienia Włoch od gangreny profesorów, archeologów, przewodników i antykwariuszy.” Głosił siłę mechaniczną, przemoc i wojnę, sugerując, że nowocześni artyści powinni przyjąć nowy zindustrializowany świat i zniszczyć wszystkie tradycje i instytucje przeszłości.

Umberto Boccioni - Unikalne formy ciągłości w przestrzeni, 1913, dwa widoki

Włoska sztuka futurystyczna

W swojej sztuce włoscy futuryści dążyli do ukazania ruchu i prędkości. Przedstawiali chaos miasta oraz wizje szybko i gwałtownie zmieniającego się świata. Kluczową zasadą włoskiego futuryzmu było znane jako Dynamizm, czyli połączone doświadczenie prędkości, ruchu i dźwięku. Giacomo Balla był jednym z mistrzów Dynamizmu. Jego wczesne próby tej techniki były figuratywne, ale jego styl szybko stał się bardziej abstrakcyjny, gdy ewoluował, aby zająć się Dynamizmem poprzez formalne cechy malarstwa, takie jak kolor, linia i forma. Kluczowym przykładem jest obraz Abstract Speed + Sound z 1914 roku.

Umberto Boccioni był kolejnym futurystycznym mistrzem dynamizmu. Utalentowany malarz, Boccioni stworzył jeden z najsłynniejszych obrazów futurystycznych, zatytułowany Miasto wstaje. Z biegiem czasu zainteresował się wyzwaniem przedstawienia tego, co nazywał „następstwem”, czyli odczuciem ruchu w przestrzeni fizycznej, w przestrzeni trójwymiarowej. Najbardziej znane osiągnięcie tego celu zrealizował w swojej abstrakcyjnej rzeźbie Unikalne formy ciągłości w przestrzeni, stworzonej w 1913 roku.

Lucio Fontana - Koncept przestrzenny, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Mediolan

Przestrzenność

Pokolenie po Futurystach, następny główny włoski abstrakcyjny ruch modernistyczny rozpoczął się, zainicjowany przez artystę o imieniu Lucio Fontana. Pochodzący z Argentyny, Fontana był przede wszystkim zainteresowany wyrażaniem jakości i istoty przestrzeni. Fascynowało go, jak forma może zajmować przestrzeń, zawierać przestrzeń i otwierać dostęp do przestrzeni. Często określa się go jako malarza, ponieważ jego najsłynniejsze prace wiszą na ścianie. Jednak Fontana był pierwotnie szkolony jako rzeźbiarz i uważał swoje tzw. obrazy za łamiące definicję sztuki dwuwymiarowej.

W 1946 roku napisał esej zatytułowany Biały Manifest, który otwarcie wzywał do zakończenia tradycyjnych definicji sztuki dwuwymiarowej i trójwymiarowej. Zamiast tego zachęcał do syntezy w sztuce. W swoim manifeście Fontana opisał, jak tradycyjne "statyczne" definicje sztuki, takie jak malarstwo i rzeźba, nie były już wystarczające w epoce zdominowanej przez "dynamiczny zasadę ruchu przez czas i przestrzeń". Dzięki temu transformacyjnemu spojrzeniu, Fontana stworzył wiele innowacji. Stworzył jedne z pierwszych przykładów sztuki instalacyjnej, a pod koniec lat 40. osiągnął ostateczną manifestację swojego myślenia, gdy zaczął budować płótna, które następnie przecinał nożem. Jego dzieło Concetto spaziale – Attesa, monochromatyczne czerwone płótno z pojedynczym cięciem nożem przez jego środek, uważane jest za uosobienie myśli przestrzennej, ponieważ udaje mu się stworzyć formę z przestrzeni.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Mediolan

Biedna sztuka

Jednym z najbardziej transformacyjnych ruchów sztuki abstrakcyjnej modernizmu XX wieku, który powstał we Włoszech w latach 60., była Arte Povera, czyli sztuka uboga, z powodu tendencji jej praktyków do polegania na powszechnych materiałach i codziennych tematach. Ruch ten początkowo wyrósł z oporu wobec innych tendencji sztuki modernistycznej, takich jak minimalizm, który podkreślał procesy przemysłowe i starał się usunąć osobowość artysty z dzieła. Artyści związani z Arte Povera chcieli na nowo połączyć sztukę z codziennym życiem.

Aby połączyć się z codziennością, banałem i tym, co zwyczajne, ci artyści próbowali stworzyć unikalne momenty interakcji między obiektami sztuki, które stworzyli, a widzami, którzy się z nimi spotykali. Tworzyli sztukę, która, choć abstrakcyjna, przekazywała proste, bezpośrednie komunikaty. Używali łatwych do zrozumienia, naturalnych, dotykowych, przedprzemysłowych materiałów, takich jak sznur, ziemia, tkanina, a nawet odchody. Wśród równoległych ruchów artystycznych poświęconych eliminacji emocji i indywidualizmu z sztuki, ci artyści podkreślali znaczenie człowieczeństwa zarówno artysty, jak i widza, i otwarcie zapraszali publiczność do bezpośredniej interakcji z ich sztuką.

Pino Pascali - Włosienice

Artyści Arte Povera

Piero Manzoni uważany jest za ojca Arte Povera, chociaż zmarł w wieku 29 lat w 1963 roku, zanim mógł zostać uwzględniony w jego głównych wystawach. Poprzez swoją pracę Manzoni zniszczył iluzję, że sztuka i życie są oddzielne, bezpośrednio angażując widzów w swoją sztukę. W dziele zatytułowanym Zużycie dynamicznej sztuki przez publiczność pożerającą sztukę, Manzoni „podpisał” ugotowane na twardo jajka swoim odciskiem palca, a następnie zaprosił widzów do ich zjedzenia. W dziele zatytułowanym Magisk Sokkel, po holendersku Magic Shelf, zaprosił widzów do udziału, stając na piedestale, przekształcając ich w żywe rzeźby.

Inni artyści Arte Povera nie angażowali publiczności bezpośrednio, lecz tworzyli dzieła, które były celowo zaprojektowane, aby sugerować interakcję widza. Pino Pascalo stworzył dużą rzeźbę Bristleworms, która była rzeźbą przypominającą robaki, wykonaną z szczotek, których widzowie byli zachęcani do dotykania. A w 1965 roku Michelangelo Pistoletto wyraził to, co być może jest idealną iteracją małżeństwa sztuki i codziennego życia. Jego dzieło Struktura do Rozmowy w Staniu (Minus Obiekty) składało się z poręczy zainstalowanej w galerii, na której widzowie mogli się opierać i stawiać nogę podczas rozmowy.

 Michelangelo Pistoletto - Struktura do Mówienia na Stojąco (Bez Obiektów)

Współczesna nowoczesna sztuka włoska

Dziś tradycje włoskiego modernizmu są żywe i mają się dobrze. Ettore Spalletti jest jednym z wiodących artystów abstrakcyjnych pracujących we Włoszech dzisiaj. Jest luźno związany z podstawowymi ideami Arte Povera, chociaż jego prace są zdecydowanie inne niż większość członków tej grupy. Jako artysta multidyscyplinarny, Spalletti tworzy obiekty, które zajmują się istotą koloru. Angażuje się w żmudny proces polegający na nakładaniu wielu warstw ręcznie robionej farby, aż ujawni się istotna natura koloru, którego szuka. To w tej ulotnej chwili, gdy kolor w końcu się pojawia, przerywa swój proces.

Obiekty, które tworzy Spalletti, emanują eteryczną luminescencją. Wydają się być uchwyconymi momentami z wschodu słońca lub błyskami światła odbijającymi się od powierzchni wody zatrzymanej w czasie. Oprócz prezentowania swoich prac w galeriach i muzeach, Spalletti stworzył również całe wnętrza w miejscach takich jak kostnica i kaplica. Być może to z takich wyrażeń, które odnoszą się do codziennego życia, wynika jego kontynuacja związku z Arte Povera. Ale Spalletti jest także unikalnym głosem w włoskiej współczesnej sztuce abstrakcyjnej. On i jego liczni współcześni w dzisiejszej włoskiej społeczności sztuki abstrakcyjnej cieszą się połączeniem z każdym z wpływowych włoskich ruchów artystycznych przeszłości. A co najważniejsze, podobnie jak ich poprzednicy, kontynuują tradycję utrzymywania włoskiej sztuki na czołowej pozycji innowacyjnej myśli modernistycznej.

Obraz wyróżniony: Giacomo Balla - Abstrakcyjna prędkość + dźwięk, 1913-1914. Olej na niepolakierowanej tekturze w malowanej ramie artysty. 21 1/2 x 30 1/8 cali (54,5 x 76,5 cm). Fundacja Solomona R. Guggenheima Kolekcja Peggy Guggenheim, Wenecja, 1976. © 2018 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork/SIAE, Rzym.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio