"Artystka Żywych Form" - Elizabeth Murray

W trakcie swojej 40-letniej kariery Elizabeth Murray stworzyła wyjątkowe dziedzictwo estetyczne — takie, które było niewątpliwie poważne, a jednocześnie nie sposób się przy nim nie uśmiechnąć. Jako artystka uosabiała wizję, humor i ciekawość. Umieszczam ją w tradycji Jeana Dubuffeta, Nikki St. Phalle, Keitha Haringa i Alexandra Caldera — artystów, którzy rozumieli znaczenie zabawy. Jako człowiek była przykładem ulicznej bystrości i sympatyczności, emanując pozornie bezwysiłkową, swobodną i przyjazną naturą. Jej poczucie siebie ukształtowało się w młodości, gdy często była niemal bezdomna. W młodym wieku nauczyła się lekcji samodzielności i ciężkiej pracy. Już wtedy miała też wczesne zainteresowanie sztuką, wspominając, że już w piątej klasie sprzedawała swoje rysunki kolegom z klasy. Jej urzekający, dojrzały styl wizualny był najpierw kształtowany w rodzinnym Chicago, a potem w Oakland, dwóch miastach znanych, zwłaszcza w latach 60., z wychowywania indywidualistycznych, niepokornych artystów o wielkich pomysłach. Tuż przed śmiercią Murray została uhonorowana retrospektywą w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Pokazano tam około 75 dzieł obejmujących całą jej karierę. Gdy cała jej ewolucja została zaprezentowana naraz, ukazała w żywych kolorach głębię jej wyobraźni, intensywność skupienia oraz dowcip i elegancję jej wkładu w sztukę abstrakcyjną.

Pełna nadziei obrazotwórczyni

Podstawowe pojęcie o estetycznej ewolucji, którą Murray rozwijała przez całą karierę, można zdobyć na jej stronie internetowej. Tam znajduje się przegląd całego jej dorobku, ułożony chronologicznie od 1976 do 2007 roku. Wyraźnie pokazuje, że zalążki jej dojrzałego stylu malarskiego były obecne już w jej najwcześniejszych pracach. Widać też wpływy dwóch miast, w których zdobywała warsztat. Na studia licencjackie Murray uczęszczała do Art Institute of Chicago (AIC). Była tam w czasie, gdy artyści związani z The Monster Roster, The Hairy Who i Chicago Imagists osiągali szczyt formy w tym mieście. Dzieliła z nimi związek z surrealistycznymi formami i żywą kolorystyką, z których te grupy były znane. Podobnie jak wielu z tych artystów, Murray tworzyła prace osobiste. Nie prowadziła dialogu z szerszą, komercyjną kulturą, jak to miało miejsce u pop-artystów jej pokolenia, lecz raczej rozmawiała z czymś wewnętrznym.

Elizabeth Murray - Who Wants, 2003, z serii Jedna seria 6 unikalnych prac, trójwymiarowa, wielobarwna litografia/sitodruk, wycięta, kolażowana i ręcznie malowana przez artystkę, 50 × 47 1/2 × 6 cali, 127 × 120,7 × 15,2 cm, edycja 6, Gemini G.E.L. w Joni Moisant Weyl, Nowy Jork, © Elizabeth Murray

Te wczesne obrazy ujawniają również, że Murray nie miała rozczarowania tak często kojarzonego z figuratywnymi ruchami chicagowskimi lat 60. To mogło być powodem, dla którego po ukończeniu AIC wybrała Kalifornię. W 1962 roku rozpoczęła studia magisterskie na Mills College w Oakland. W tamtym czasie rejon Zatoki był epicentrum Funk Art. Murray była wyczulona na dowcip, dwuznaczność i niekonwencjonalną zmysłowość, które definiowały ten ruch. Doświadczenia na zachodzie pozwoliły jej bez wahania podążać własnym głosem. Gdy w 1967 roku przeprowadziła się do Nowego Jorku, miała już indywidualną, pewną pozycję estetyczną i wiedziała, by nie przejmować się tym, co robią inni artyści. Zajęło jej trochę czasu, by się tam ugruntować, ale jej pierwszy pokaz był wielki — Whitney Museum of American Art 1972 Annual Exhibition: Contemporary American Painting. Prace Murray ostatecznie trafiły do stałej kolekcji tej instytucji, a także MoMA, Guggenheima, Walkera, Met i ponad 50 innych znanych muzeów sztuki na całym świecie.

Elizabeth Murray - Bez tytułu, 1991, tusz indyjski, kolorowy ołówek i gwasz na papierze z kolażem, 10 2/5 × 10 7/10 cali, 26,4 × 27,3 cm, Pace Gallery, © Elizabeth Murray

Od powierzchni do formy

Dziś Murray jest najczęściej pamiętana za swój ostatni cykl prac — wielkoformatowe, złożone, połączone konfiguracje płócien o nieregularnych kształtach. Jej droga do tego punktu, z perspektywy czasu, wydaje się niemal nieunikniona. Od początku interesowała się siłą życia kształtów. O swoim obrazie z 1976 roku Beginner powiedziała, że „chciała zmierzyć się z organicznym kształtem, który można odczytać na wiele różnych wizualnych sposobów. Myślałam o małej spirali mars violet jako o głosie lub sercu albo prawdziwej wewnętrznej części kształtu.” W tym samym czasie zaczęła malować kompozycje na nietypowo ukształtowanych płótnach, takich jak trójkąty i romby. Niedługo potem zaczęła tworzyć płótna będące samymi kształtami — abstrakcyjne, biomorficzne formy własnego pomysłu. To dosłownie ożywiło jej kompozycje. O jednej z takich prac, zatytułowanej Yikes, z serii kubków do kawy, Murray wspominała: „Myślałam o wczesnym kubistycznym pejzażu; wyobraź sobie, że wchodzisz do jednego z tych pejzaży Braque’a.”

Elizabeth Murray - widok instalacji, Museum of Modern Art Nowy Jork, © Archiwum Museum of Modern Art, Nowy Jork

Pełna dojrzałość jej wizji jest widoczna w architektonicznych arcydziełach, takich jak Everybody Knows (2007), ostatni obraz, który Murray namalowała przed śmiercią. Skomplikowany i czasochłonny proces ich tworzenia został uwieczniony w odcinku Art 21 z 2003 roku. Pokazuje on, że zaczynała od szkicu kompozycji na papierze, potem tworzyła płótno dla każdego kształtu. Na koniec łączyła ukształtowane płótna i ożywiała je warstwami farby. Jej ostatnie dzieła są świadectwem mistrzowskiego talentu, który rozwijała w swoim atelier. Mimo to niektórzy w świecie sztuki umniejszają jej wysiłki, nazywając jej twórczość „sztuką niską” i wyśmiewając radość, jaką wzbudza. Tacy krytycy jedynie ujawniają własną niezdolność do zrozumienia głębokiej powagi artystki zafascynowanej historią sztuki, wrodzoną siłą koloru i kształtu oraz relacji między przedmiotami. Taka krytyka nie miała jednak trwałego wpływu. Pomimo pokory i poczucia humoru, Murray stanowczo broniła swojego stanowiska. Jej legendarna wytrwałość wobec tych, którzy próbowali ją umniejszyć, uczyniła ją ikoną feminizmu. Pozostawiła dziedzictwo nie tylko wielkiej sztuki abstrakcyjnej, ale także człowieczeństwa i siły. Udowodniła, jak wielu przed nią, że artyści mają prawo tworzyć, co chcą; a silne, pewne siebie i mistrzowskie dzieło zawsze przetrwa swoich krytyków.

Elizabeth Murray - widok instalacji, Museum of Modern Art Nowy Jork, © Archiwum Museum of Modern Art, Nowy Jork

Zdjęcie główne: Elizabeth Murray - widok instalacji, Museum of Modern Art Nowy Jork, © Archiwum Museum of Modern Art, Nowy Jork

Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio