Sztuka Pragnienia - Huguette Caland w Tate St Ives

Tego lata, urodzona w Libanie artystka Huguette Caland zorganizuje swoją pierwszą solową wystawę w muzeum w Wielkiej Brytanii, w Tate St Ives w Kornwalii. Urodzona w 1931 roku w Beirucie, Caland przeniosła się do Paryża w 1970 roku, gdzie mieszkała i pracowała przez prawie dwie dekady. Aby dokonać tego kroku, zostawiła męża i troje dzieci w Beirucie, co, jak mówi, było inspirowane głębokim pragnieniem zdefiniowania siebie jako artystki, a nie bycia definiowaną przez inne tradycyjne kobiece role społeczne. Będąc w Paryżu, napędzana nowo odkrytą wolnością i empatią wobec powstającego ruchu feministycznego w sztuce, drastycznie zmieniła swoje metody artystyczne. Porzucając czystą figurację, rozwinęła swoją teraz charakterystyczną mieszankę figuracji i abstrakcji, w której abstrakcyjne kształty i formy niespodziewanie łączą się z odniesieniami do nagiego ciała ludzkiego. W latach 70. i 80. Caland swobodnie eksperymentowała, badając idee piękna, erotyzmu i społecznych tabu, szczególnie w odniesieniu do kobiecej formy. Wystawa Huguette Caland w Tate St Ives, czerpiąca z tego decydującego okresu w jej karierze i obejmująca szereg prac pokazywanych w Wielkiej Brytanii po raz pierwszy, obiecuje dostarczyć definitywne wprowadzenie do kariery tej niedostatecznie reprezentowanej artystki. Obejmując obszary malarstwa, rysunku i mody, pokaże zarówno powagę, jak i kapryśność jej twórczości, jednocześnie podkreślając unikalną zdolność Caland do syntezowania idei modernistycznych i postmodernistycznych.

Stając się Huguette Caland

Opisując swoją decyzję o opuszczeniu Beirutu w niedawnej rozmowie z Detroit Public Television, Caland mówi o chęci bycia znaną jako coś więcej niż córka swojego ojca; żona swojego męża; siostra swojego brata; i matka swoich dzieci. Oprócz zwykłych presji, jakie takie etykiety wywierają na artystkę, Caland odczuwała dodatkową presję związaną z tym, że jej ojciec był byłym prezydentem Libanu. Opisuje, jak jej przyjaciele z dzieciństwa ją porzucili, ponieważ byli Francuzami, a jej ojciec był częścią walki o niepodległość. "Liban walczył o swoją niepodległość," mówi Caland, "ale ja walczyłam o swoją." Podróżowała do Europy i Stanów Zjednoczonych w poszukiwaniu wolności artystycznej, ale co ważniejsze, w poszukiwaniu samej siebie. Ludzkość, która wyłoniła się w tym procesie, jest widoczna w pracach, które stworzyła w tym krytycznym czasie. Jej rysunki są erotyczne i zmysłowe, ale jednocześnie młodzieńcze, humorystyczne i nieskończenie pełne miłości. Również widoczny jest globalny wpływ, który wchłonęła. Jej delikatne linie przywołują wizualny język ilustracji; jej bawełniane kolory przypominają dziedzictwo artystów Color Field takich jak Helen Frankenthaler i Mark Rothko; jej prymitywne formy nawiązują do dziecięcego dziedzictwa Art Brut.

Jednak idiosynkratyczne metody, które opracowała Caland, również wymykają się jakiemukolwiek bezpośredniemu połączeniu z jakąkolwiek z góry określoną pozycją. Jej wizja jest zdefiniowana przez niuanse, z jakimi łączy to, co rozpoznawalne, z tym, co nieznane. Doskonałym przedstawicielem tej elementarnej kombinacji jest obraz „Bribes De Corps” (1973), który będzie wystawiony na wystawie w Tate St Ives. Dwa biomorficzne, pomarańczowe formy skupiają się w centrum płótna pośród promieniującego, czerwonego pola, z cienką szczeliną bieli pozostawioną między nimi. Oko nie może się oprzeć wyobrażeniu, że to obraz otwartego ust z zwisającymi migdałkami. Następnie stopniowo przekształca się w być może obraz nagiego człowieka, pochylonego i widzianego z tyłu. Albo nie jest ani jednym, ani drugim. Być może jest to przedstawienie czegoś abstrakcyjnego – obraz relacji; obraz wspólnoty; sugestia form odnajdujących się w obcym krajobrazie i tworzących coś czystego, nowego i świetlistego między sobą. Niezależnie od tego, jak to interpretujesz, lub nawet jeśli zdecydujesz się w ogóle nie interpretować, obraz jest naładowany uczuciem prostego, osobistego zadowolenia i głębokiej wdzięczności za małe rzeczy – trafny opis osoby, którą Caland znalazła, gdy odnalazła samą siebie.

Kochające objęcie

Jednym z istotnych dzieł, za które Caland stała się znana—niektóre przykłady będą prezentowane na wystawie w Tate St Ives—są jej kaftany. Kaftan to rodzaj mezopotamskiego płaszcza, który jest powszechny w kulturach Bliskiego Wschodu. Począwszy od 1979 roku, Caland nawiązała współpracę z projektantem mody Pierre'em Cardinem, tworząc linię ponad 100 kaftanów. Tradycyjne kaftany mają tendencję do bycia ozdobnymi, wykorzystując jasne, żywe kolory i skomplikowane, dekoracyjne wzory, podobnie jak tradycyjne kimona czy letnie sukienki w stylu zachodnim. Caland stworzyła subtelne wzory oparte na swoim unikalnym stylu wizualnym, często wplatając figuralne elementy ze swoich obrazów i rysunków. Jeden z kaftanów miał na plecach i przodzie fantazyjny zarys nagiej kobiecej postaci; inny przedstawiał kochający rysunek ramion obejmujących go w delikatnym uścisku; jeszcze inny miał liniowy rysunek podzielonej twarzy na klapie.

Podobnie jak w jej obrazach i rysunkach, jej kaftany łączą wizualne języki figuracji i abstrakcji. Pokazują szereg twarzy i części ciała, które topnieją razem, przekształcając się na naszych oczach w surrealistyczne krajobrazy pełne wypukłych gór i zmieniających się linii horyzontu. Nie jesteśmy pewni, czy patrzymy na coś, co powinniśmy rozpoznać, czy też wpatrujemy się w abstrakcyjne lustro. Są idealnymi przykładami poczucia humoru, które zawsze kierowało Caland w jej pracy — patrzenie na nie na manekinie to jedno; wyobrażenie ich na ludzkim nosicielu to coś zupełnie innego. Noszone przez nosiciela, pęcznieją w giętkie, organiczne, żywe dzieła sztuki. Bawią i zachwycają swoją abstrakcyjną gracją, a następnie powoli ogłaszają się jako złożone wcielenia kobiecości, pełne erotyzmu, współczucia i humoru: to najlepsze, co Caland znalazła podczas swojej podróży w poszukiwaniu samej siebie. Huguette Caland będzie wystawiana w Tate St Ives od 24 maja do 1 września 2019.

Obraz wyróżniony: Huguette Caland- Bez tytułu, 1970. Olej na lnie. 54 x 65 cm. Dzięki uprzejmości artysty. Kolekcja Tate St Ives.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio