Sztuka Pragnienia - Huguette Caland w Tate St Ives

Tego lata artystka urodzona w Libanie, Huguette Caland, będzie miała swoją pierwszą solową wystawę muzealną w Wielkiej Brytanii, w Tate St Ives w Kornwalii. Urodzona w 1931 roku w Bejrucie, Caland przeprowadziła się do Paryża w 1970 roku, gdzie mieszkała i tworzyła przez niemal dwie dekady. Aby dokonać tej zmiany, zostawiła męża i troje dzieci w Bejrucie, decyzję, którą tłumaczy głębokim pragnieniem zdefiniowania siebie jako artystki, a nie bycia definiowaną przez inne tradycyjne kobiece role społeczne. Podczas pobytu w Paryżu, kierowana nowo odkrytą wolnością i empatią wobec powstającego ruchu sztuki feministycznej, radykalnie zmieniła swoje metody artystyczne. Porzucając czystą figurację, rozwinęła swój charakterystyczny styl łączący figurację z abstrakcją, w którym abstrakcyjne kształty i formy nieoczekiwanie łączą się z odniesieniami do nagiego ludzkiego ciała. W latach 70. i 80. Caland swobodnie eksperymentowała, badając idee piękna, erotyzmu i społecznych tabu, zwłaszcza w odniesieniu do kobiecej formy. Prezentując prace z tego przełomowego okresu swojej kariery, w tym wiele dzieł pokazywanych w Wielkiej Brytanii po raz pierwszy, wystawa Huguette Caland w Tate St Ives obiecuje być definitywnym wprowadzeniem do twórczości tej niedostatecznie reprezentowanej artystki. Obejmując malarstwo, rysunek i modę, ukaże zarówno powagę, jak i dowcip jej dorobku, jednocześnie podkreślając wyjątkową zdolność Caland do syntezy idei modernistycznych i postmodernistycznych.

Stawanie się Huguette Caland

Opisując swoją decyzję o opuszczeniu Bejrutu w niedawnym wywiadzie dla Detroit Public Television, Caland mówiła o chęci bycia znaną jako coś więcej niż córka ojca; żona męża; siostra brata; i matka dzieci. Oprócz zwykłych nacisków, jakie takie etykiety wywierają na kobietę-artystkę, Caland odczuwała dodatkową presję z powodu faktu, że jej ojciec był byłym prezydentem Libanu. Opowiada, jak jej dziecięcy przyjaciele porzucili ją, ponieważ byli Francuzami, a jej ojciec brał udział w walce o niepodległość. „Liban walczył o swoją niepodległość,” mówi Caland, „a ja walczyłam o swoją.” Podróżowała po Europie i Stanach Zjednoczonych w poszukiwaniu wolności artystycznej, ale co ważniejsze – w poszukiwaniu samej siebie. Człowieczeństwo, które wyłoniło się w tym procesie, jest widoczne w pracach, które tworzyła w tym kluczowym okresie. Jej rysunki są erotyczne i zmysłowe, a jednocześnie młodzieńcze, pełne humoru i nieustającej miłości. Widoczny jest także globalny wpływ, jaki przyswoiła. Jej delikatne linie przywodzą na myśl język ilustracji; jej kolory przypominają dziedzictwo artystów pola barw takich jak Helen Frankenthaler i Mark Rothko; jej prymitywne formy nawiązują do dziecięcego dziedzictwa sztuki brut.

Jednakże osobliwe metody, które rozwinęła Caland, nie pozwalają na bezpośrednie powiązanie z żadnym z góry określonym stanowiskiem. Jej wizja jest raczej definiowana przez niuanse, z jakimi łączy rozpoznawalne z nieznanym. Idealnym przykładem tego podstawowego połączenia jest obraz „Bribes De Corps” (1973), który będzie można zobaczyć na wystawie w Tate St Ives. Dwie biomorficzne, pomarańczowe formy skupiają się razem na środku płótna pośród promieniującego, czerwonego pola, z cienkim paskiem bieli pozostawionym między nimi. Oko nie może się powstrzymać od wyobrażenia sobie, że to obraz otwartych ust z wiszącymi migdałkami. Następnie stopniowo przemienia się w być może wizerunek nagiego człowieka, pochylonego i widzianego od tyłu. A może to nie jest ani jedno, ani drugie. Może to przedstawienie czegoś abstrakcyjnego – obraz relacji; wizerunek bliskości; sugestia form odnajdujących się nawzajem w obcym krajobrazie i tworzących coś czystego, nowego i świetlistego między sobą. Bez względu na to, jak to zinterpretujesz, a nawet jeśli zdecydujesz się wcale tego nie interpretować, obraz emanuje poczuciem prostej, osobistej przyjemności i głębokim docenieniem drobnych rzeczy – trafnym opisem osoby, którą Caland stała się, gdy odnalazła samą siebie.

Czułe objęcie

Jednym z ważnych cykli prac, z których Caland jest znana – a niektóre z nich będzie można zobaczyć na wystawie w Tate St Ives – są jej kaftany. Kaftan to rodzaj mezopotamskiego szaty, powszechny w kulturach Bliskiego Wschodu. Od 1979 roku Caland współpracowała z projektantem mody Pierre’em Cardinem, tworząc linię ponad 100 kaftanów. Tradycyjne kaftany są zwykle bogato zdobione, używają jasnych, żywych kolorów i misternych, dekoracyjnych wzorów, podobnie jak tradycyjne kimona czy letnie sukienki w stylu zachodnim. Caland tworzyła subtelne wzory oparte na swoim unikalnym stylu wizualnym, często włączając elementy figuratywne z jej obrazów i rysunków. Jeden kaftan miał na plecach i przodzie figlarny zarys nagiej kobiecej sylwetki; inny przedstawiał czułe rysunki ramion obejmujących go delikatnym uściskiem; jeszcze inny miał liniowy rysunek rozdzielonej twarzy na klapie.

Podobnie jak w jej obrazach i rysunkach, kaftany łączą języki wizualne figuracji i abstrakcji. Pokazują szereg twarzy i części ciała stapiających się ze sobą, przemieniających się na naszych oczach w surrealistyczne krajobrazy pełne wypukłych gór i przesuwających się linii horyzontu. Nie jesteśmy pewni, czy patrzymy na coś, co powinniśmy rozpoznać, czy też wpatrujemy się w abstrakcyjne zwierciadło. Są doskonałym przykładem poczucia humoru, które zawsze kierowało Caland w jej twórczości – oglądanie ich na manekinie to jedno; wyobrażanie ich na żywym człowieku to coś zupełnie innego. Na noszącym je ciele rozkwitają w giętkie, organiczne, żywe dzieła sztuki. Bawią i zachwycają swoją abstrakcyjną gracją, by powoli ukazać się jako złożone ucieleśnienia kobiecości, pełne erotyzmu, współczucia i humoru: najlepsze, co Caland odkryła podczas swojej drogi do samej siebie. Wystawa Huguette Caland będzie dostępna w Tate St Ives od 24 maja do 1 września 2019 roku.

Zdjęcie główne: Huguette Caland - Bez tytułu, 1970. Olej na lnie. 54 x 65 cm. Z uprzejmości artystki. Kolekcja Tate St Ives.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio