Carmen Herrera - Kwiatowa, długo oczekiwana

Carmen Herrera (30 maja 1915 - 12 lutego 2022) była kubańsko-amerykańską artystką, znaną z abstrakcyjnych minimalistycznych kompozycji i geometrycznego zastosowania koloru. Jej niedawna śmierć wywołała wiele refleksji na temat jej dzieł i kariery. Choć dzisiaj jest szanowaną i sławną malarką abstrakcyjną, Herrera zyskała uznanie dopiero w ostatnich latach swojego życia. Jest to zatem odpowiedni moment, aby przypomnieć i uhonorować dziedzictwo tej twórczej pionierki.

Wczesne wpływy i pochodne eminencji

Carmen Herrera żyła długo i obficie, przez 106 lat. Ale wyobraź sobie, że pierwsza udokumentowana sprzedaż jej sztuki miała miejsce dopiero w wieku 89 lat. Niemniej jednak, te okoliczności mniej odzwierciedlają historię późnego odkrywania ukrytego talentu artystycznego — raczej, Herrera wykazywała całe życie oddanie sztuce i prezentowała dziesięciolecia doświadczenia i techniki, zaczynając od dzieciństwa. Urodzona w Hawanie na Kubie, Herrera nauczyła się podstaw rysunku w młodym wieku, biorąc prywatne lekcje sztuki od ósmego roku życia. Była jedną z siedmiorga rodzeństwa, a jej rodzice byli dziennikarzami; Herrera często otoczona była członkami intelektualnych grup społecznych Hawany w czasie dorastania. Zauważyła, że jej rodzice zawsze byli dość antyestablishmentowi, a ona sama była świadkiem uwięzienia licznych krewnych za ich opozycję. Zniechęcona skrajnymi poglądami politycznymi, Herrera kontynuowała naukę sztuki w młodości na Kubie, szkoląc się w rysunku akademickim i podchodząc do swojej pracy z oddaną dyscypliną. Pragnąc rozwijać swoją praktykę twórczą, wyjechała do Paryża, aby ukończyć naukę, a następnie wróciła do Hawany, aby rozpocząć studia na uniwersytecie i studiować architekturę.

Jej wybór, by bez wahania wejść w męski zdominowany obszar, był tylko jednym z wielu wczesnych oznak jej determinacji i odrzucenia status quo. Jednak jednocześnie zmagała się z koncentracją na swojej pracy, głównie z powodu niestabilnego otoczenia politycznego, które ją otaczało. Rewolucje i strajki często zmuszały jej uniwersytet do zamykania drzwi na pewne okresy, co wzmacniało jej stanowisko w sprawie zaniechań ekstremizmu politycznego. To właśnie w tym czasie Herrera zaczęła fascynować się linią, niemal jakby upraszczała swoje studia nad architekturą do jej najbardziej podstawowej i nieskazitelnej istoty. Zdała sobie sprawę, że linie są fundamentem wszystkich istniejących kształtów i form, a Herrera zakochała się w wrodzonej urodzie ich mocy do budowania, łączenia i definiowania.

Carmen Herrera - Środa, 1978. Wtorek, 1978. Niedziela, 1978. Piątek, 1978. Czwartek, 1975. Akryl na płótnie (Od lewej do prawej). Wystawa Linia widzenia w Muzeum Whitney w Nowym Jorku, 2016. Widok instalacji.

Migracje konceptualne

Artystka nigdy nie ukończyła studiów architektonicznych. W 1939 roku przeprowadziła się do Nowego Jorku po tym, jak poznała Jessego Lowenthala, młodego amerykańskiego nauczyciela. Z pewnością z wielu powodów (napięcia polityczne, chęć kontynuowania pasji do sztuk wizualnych oraz rozwijająca się młodzieńcza miłość, żeby wymienić tylko kilka) postanowiła, że najlepiej będzie przenieść swoje życie i karierę. W Nowym Jorku Herrera wykorzystywała wszelkie dostępne miejsca w mieście, gdzie mogła wystawiać swoje prace: witryny sklepowe, chodniki, improwizowane galerie. Nie była nawet blisko komercyjnego sukcesu, ale pozostała niezłomna. W tym momencie wiedziała, że bycie artystką będzie jej życiową misją i zdawała sobie sprawę, że to z natury trudne życie, ale nie mogła zaprzeczyć temu, co czuła jako swoje powołanie.

To determinacja zaprowadziła ją do Paryża w latach 40. XX wieku. Jej dziecięca edukacja we Francji ułatwiła integrację, a ona zaprzyjaźniła się z pisarzami i artystami w mieście. Tutaj wystawiała z Salon de Réalités Nouvelles, rotacyjną grupą artystów abstrakcyjnych. To właśnie w tym czasie w Paryżu Herrera rozwijała swój kwintesencjalny, surowy geometryczny styl malarstwa. W tym okresie używała mniej niż trzech czystych kolorów w każdej kompozycji. Wyobraź sobie płaską i idealnie równą aplikację kolorów, ostre zestawienia odcieni, wyraźne formy oddzielone jedynie wyraźnymi różnicami w tonach. Zastosowała to innowacyjne podejście w tym samym czasie, co pionier pola kolorystycznego Ellsworth Kelly oraz renomowany postmalarski abstrakcjonista Frank Stella. Jej awangardowy duch i instynkt do ultra-nowoczesności są teraz niezaprzeczalne, nawet jeśli były ignorowane w jej latach jako wschodzącej artystki.

Carmen Herrera - Czerwony i Biały, 1976. Epifania, 1971. Czerwony Kwadrat, 1974. Akryl na Płótnie (Od lewej do prawej). Wystawa Linia Wzroku w Muzeum Whitney w Nowym Jorku, 2016. Widok instalacji.

Kucie dla platformy

Herrera ostatecznie wróciła do Nowego Jorku, a jej obrazy zaczęły zmierzać w kierunku coraz bardziej minimalistycznej estetyki. Proces twórczy określała jako oczyszczenie, a prostota stała się cnotą jej dzieł. Jej prace nie zyskały entuzjastycznych recenzji, ale nie było to jedynie wynikiem tego, że jej sztuka była „zbyt sterylna”. Raczej odrzucenie jej nowatorskiego punktu widzenia odnosi się do większych niesprawiedliwości społecznych, które dotykały ją aż do końca jej życia, podkreślając nierówności, które wciąż istnieją w świecie sztuki do dziś. Herrera była artystką i imigrantką, dlatego była nieustannie ignorowana lub uważana za outsidera, niezasługującego na uwagę zarezerwowaną dla modnych dzieł abstrakcyjnych ekspresjonistów tworzonych przez zachodnich męskich artystów.

Herrera w końcu zaczęła przyciągać uwagę, gdy w 2004 roku, prominentny latynoski kolekcjoner włączył ją do publicznej wystawy grupowej w Nowym Jorku. Jej oczywisty talent i przewidywanie w końcu zostały dostrzegane przez szerszą publiczność, a ona doświadczyła początków sukcesu komercyjnego w ostatniej dekadzie swojego życia. Opóźnione odkrycie Herrery ujawniło niedociągnięcia świata sztuki, a artystka stała się inspiracją i łamaczem kodów dla latynoskich artystek zmagających się zarówno z zewnętrznym, jak i wewnętrznym seksizmem, ksenofobią oraz uprzedzeniami rasowymi.

Carmen Hererra - Wszystkie bez tytułu, 1966, z wyjątkiem żółtego: Bez tytułu, 1962. Wystawa Lines of Sight w Muzeum Whitney w Nowym Jorku, 2016. Widok instalacji.

Przełom i Refleksja

Carmen Herrera została odznaczona wielkimi wystawami retrospektywnymi w Muzeum Sztuki Nowoczesnej oraz Muzeum Whitney. Jest również obecna w prominentnych kolekcjach stałych, takich jak Muzeum Tate. Jej opóźniony sukces stanowi optymistyczne zakończenie, ale nie powinien zatarć całe życie przeszkód, z którymi się zmagała, a które wielu innych nigdy nie musiało znosić. Praca życiowa Herrery jest świadectwem jej talentu i poświęcenia. Zostawiła nam dzieło składające się z uderzających płócien, intrygujących kształtów i konturów oraz unikalnej filozofii dotyczącej relacji między linią a życiem. Jej praktyka twórcza stanowi również okazję do refleksji nad tym, jak możemy stworzyć bardziej inkluzyjny i wzbogacający świat sztuki w przyszłości.

Obraz wyróżniający: Carmen Hererra - Bez tytułu, 1952. Czarno-biały, 1952. (Od lewej do prawej). Wystawa Lines of Sight w Muzeum Whitney w Nowym Jorku, 2016. Widok instalacji.
Wszystkie obrazy autorstwa IdeelArt