"Przecięcie Płótna - Historia Lucio Fontany"

Sztuka abstrakcyjna stawia pytania, a nie daje odpowiedzi. W ten sposób zaprasza do ataku. Nie wszyscy lubią pytania. Ludzie często oczekują od sztuki jedynie pocieszenia i piękna. Jednak wielu artystów abstrakcyjnych to nie tyle dekoratorzy-pocieszyciele, co filozofowie-naukowcy: ludzie dążący do doświadczania i interpretowania wszechświata, a nie tylko do jego upiększania. Lucio Fontana był jednym z takich artystów. Jako twórca rewolucyjnej techniki zwanej Spazialismo, czyli przestrzenizmem, Fontana głęboko zajmował się praktycznymi sposobami tworzenia sztuki, która mierzy się z tajemniczymi właściwościami przestrzeni. Interesowało go, jak formy zamieszkują przestrzeń, jak mogą ją zawierać i jak poprzez eliminację masy można stworzyć przestrzeń. Szczególnie fascynowało go, jak otwór w formie może stworzyć pustkę, przez którą doświadczenie przestrzeni może się rozszerzyć. Jednak Spazialismo nie ograniczał się tylko do takich akademickich pytań. Jak powiedział Fontana w 1967 roku, odnosząc się do faktu, że ludzie wówczas rutynowo podróżowali w kosmos na rakietach: „Teraz w przestrzeni nie ma już żadnego pomiaru. Teraz widzisz nieskończoność… oto pustka, człowiek zostaje zredukowany do niczego… A moja sztuka również opiera się na tej czystości, na tej filozofii niczego, która nie jest niszczącym niczym, lecz twórczym niczym.”

Lucio Fontana i sztuka wielodyscyplinarna

To historyczna pomyłka, że Lucio Fontana jest najczęściej określany jako malarz. Był wykształcony jako rzeźbiarz. Urodził się w Argentynie w 1899 roku, a jego ojciec był rzeźbiarzem i to on nauczył Lucio podstaw swojego rzemiosła. Po dekadach pracy u boku ojca, Lucio przeniósł się do Mediolanu w 1927 roku i zapisał się na studia rzeźby w Akademii Brera. Pierwszą wystawę rzeźbiarską miał w wieku 31 lat w galerii w Mediolanie. Określając siebie jako rzeźbiarza abstrakcyjnego, dołączył w 1935 roku do stowarzyszenia artystów Abstraction-Création, a w latach 40. powrócił do Argentyny, gdzie uczył rzeźby i kontynuował tworzenie dzieł trójwymiarowych.

W rzeczywistości Fontana pracował niemal wyłącznie w medium rzeźby aż do 1948 roku. Nawet gdy zaczął tworzyć obiekty przypominające obrazy, nalegał, że nie są to obrazy, lecz „nowa rzecz w rzeźbie.” Jednak jeśli chcielibyśmy być wierni pełnym intencjom Fontany jako artysty, nie nazwalibyśmy go też rzeźbiarzem. Po prostu nazwalibyśmy go artystą, a może badaczem przestrzeni.

Lucio Fontana - Figura allo specchio. Ceramika. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Biały Manifest

W 1946 roku Fontana doszedł do wniosku, że definicje rzeźby i malarstwa nie są już wystarczające, by objąć teoretyczny charakter jego pracy. Poprowadził grupę artystów i studentów do stworzenia tego, co nazwał Białym Manifestem, pierwszym z kilku dokumentów, które Fontana pomógł napisać, mających na celu odpowiedź na potrzebę nowego podejścia do sztuki. Biały Manifest zwracał uwagę na konieczność, by sztuka była zgodna z innymi intelektualnymi dążeniami tamtych czasów. Wskazywał, że ostatnie osiągnięcia naukowe i filozoficzne skupiały się na idei syntezy, czyli łączenia różnych idei w jedną, spójną perspektywę.

Fontana opowiadał się za podobnym „syntetycznym” podejściem do tworzenia sztuki, które łączyłoby to, co nazywał „tradycyjnymi ‘statycznymi’ formami sztuki”, aby stworzyć kompletną metodę wyrazu estetycznego, która „obejmowałaby dynamiczną zasadę ruchu w czasie i przestrzeni.” Dzięki ideom wyrażonym w Białym Manifeście Fontana w zasadzie wynalazł sztukę wielodyscyplinarną: perspektywę, że artysta powinien móc pracować w dowolnych i wszystkich mediach, używając metody najlepiej odpowiadającej danej idei.

Lucio Fontana - Środowisko przestrzenne, oświetlone. © Lucio Fontana

Przygody w przestrzeni

Na wcześniejszym etapie kariery Fontana był krytykowany za malowanie swoich abstrakcyjnych form rzeźbiarskich głośnymi, pozornie przypadkowymi kolorami. Odpowiadał, że stara się użyć koloru, by zaangażować dzieła w ich otoczenie, by zbudować most między obiektem a widzem. Temat ten poruszał przez całą swoją karierę. Chciał, by sama przestrzeń manifestowała się jako forma i stała się tematem jego sztuki. Jednak nie potrafił ustalić, jak to osiągnąć. Jak napisał kiedyś w swoim dzienniku, „żadna forma nie jest przestrzenna.”

Lucio Fontana - Koncept przestrzenny, 1949. © Lucio Fontana

W 1949 roku Fontana doświadczył przełomów, które przybliżyły go do celu. Pierwszy z nich objawił się w dziele zatytułowanym Środowisko przestrzenne. W tym przełomowym przedsięwzięciu Fontana zaciemnił pokój, którego ściany pomalował na czarno, a z sufitu zawiesił abstrakcyjne formy z papier-mâché pomalowane neonowymi kolorami, które świeciły pod wpływem światła ultrafioletowego. Przekształcił przestrzeń wystawienniczą w część dzieła sztuki, tworząc pracę, która powstała na długo przed sztuką instalacji i Ruchem Światła i Przestrzeni, a jednocześnie ucieleśniała wiele ich koncepcji. Jednak tematem dzieła nadal nie była przestrzeń, ponieważ uwaga widza skupiała się na świecących formach rzeźbiarskich.

Lucio Fontana - Koncept przestrzenny, 1950. Akryl na płótnie. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Koncepty przestrzenne

Kolejny przełom Fontany skierował jego twórczość w zupełnie przeciwną stronę. Zamiast przekształcać cały pokój w pustą przestrzeń, a następnie wypełniać ją obiektem, postanowił wziąć obiekt i użyć go jako punktu wejścia do przestrzeni. Naciągnął płótno na blejtram, jakby chciał stworzyć tradycyjny obraz, a następnie przedziurawił płótno nożem, zanim nałożył monochromatyczną warstwę farby.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, z dodatkiem szklanych koralików i kamieni. © Lucio Fontana

Chociaż technicznie był to obraz, otwory działały jak pustki w formie, oferując dostęp do przestrzeni za płótnem. Ten prosty gest przemienił obraz w rzeźbę. Mimo że było to rewolucyjne i pokazywało jego idee dotyczące sztuki wielodyscyplinarnej, Fontana wciąż uważał, że nie tworzy formy z przestrzeni. Dlatego eksperymentował z różnymi wyrazami tej ogólnej myśli. Przedzierał otwory w taki sposób, że tworzyły one koła, trójkąty i inne formy na powierzchni. Dodawał też kamienie, szkło i kryształy do niektórych płócien, rozszerzając powierzchnię na zewnątrz w przestrzeń, a jednocześnie otwierając przestrzeń za nimi.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Pojedyncze cięcie

W latach 50. Fontana doznał olśnienia. Zaczął przecinać swoje płótna, nazywając te prace Tagli, czyli cięcia. Stopniowo rozwijał ten pomysł, aż w 1959 roku doszedł do tego, co uważał za ostateczne wyrażenie: pojedynczego cięcia na inaczej monochromatycznym płótnie. To właśnie tym gestem osiągnął swój cel stworzenia formy z przestrzeni, mówiąc w 1968 roku: „Moim odkryciem był otwór i to wszystko. Jestem szczęśliwy, że mogę odejść z tego świata po takim odkryciu.”

Fontana nadał wszystkim swoim przeciętym obiektom tę samą nazwę: Concetto Spaziale, czyli Koncept Przestrzenny. Gdy w końcu odkrył prostotę i elegancję długich cięć, nadał tym obrazom dodatkowy podtytuł attesa. Po włosku attesa oznacza oczekiwanie lub pełne nadziei wyczekiwanie. Jak widać, Fontana interesował się nie tylko tym, jak ludzie postrzegają i pojmują przestrzeń. Interesowało go także, jak ludzie postrzegają i pojmują samych siebie. Poprzez użycie pustki nie tylko manifestował formę z przestrzeni, ale także coś innego, coś zarówno abstrakcyjnego, jak i konkretnego: pełne nadziei oczekiwania na to, co leży poza dziełem sztuki.

Zdjęcie wyróżnione: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Malowana ceramika. © Lucio Fontana
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio