Gagosian Paryż gromadzi artystów, którzy tworzą sztukę Blanc sur Blanc

Wystawa w Gagosian w Paryżu zatytułowana Blanc sur Blanc (Biały na Białym) ponownie wzbudziła ponadczasową debatę na temat ważności sztuki całkowicie białej. Ta rozmowa sięga co najmniej 1918 roku, kiedy rosyjski artysta Kazimir Malevich, założyciel Suprematyzmu, zaprezentował swój obraz „Biały na Białym” — obraz przechylonego białego kwadratu na białym tle. Malevich był już znany z kontrowersyjnego obrazu „Czarny Kwadrat”, który ujawnił trzy lata wcześniej na Ostatniej Futurystycznej Wystawie 0,10. Jednak „Biały Kwadrat” podniósł oburzenie na wyższy poziom, nie tylko kwestionując wartość tematu w sztuce, ale także wartość koloru. Po Malevichu niezliczeni inni artyści stworzyli dzieła całkowicie białe: od minimalistycznego „Białego Obrazu (Trzy Panele)” (1951) Roberta Rauschenberga (który powiedział „płótno nigdy nie jest puste”); po brutalne, quasi-figuralne rzeźby całkowicie białe Cy Twombly'ego; po skromny, postatomowy blask „Bez tytułu (Światło elektryczne)” (2019), białej rzeźby świetlnej Mary Corse. Kolekcjonerzy sztuki mocno wierzą w kulturową i finansową wartość sztuki całkowicie białej, co potwierdzają przynajmniej dwa ostatnie wyniki aukcyjne: „Most” (1980), całkowicie biały obraz Roberta Rymana, który sprzedano w Christie’s za ponad 20 milionów dolarów (US) w 2015 roku, oraz „21 Feuilles Blanches” (1953), całkowicie biały mobil Aleksandra Caldera, który osiągnął 17,9 miliona dolarów (US) w 2018 roku (więcej niż dwa razy jego wysoka wycena). Jednak dla osób spoza świata sztuki, sztuka biało-na-białym może być frustrująca. Być może geniusz obecnej wystawy Gagosian polega na tym, że nie pokazuje publiczności jednego całkowicie białego dzieła sztuki, ani wyboru całkowicie białych prac jednego artysty. Zamiast tego łączy prace 27 artystów, obejmujące szeroki zakres okresów czasu, ruchów, mediów, intencji i osobistych tła. Zobaczenie tak wielu białych dzieł sztuki w jednym miejscu w jednym czasie ujawnia subtelną prawdę, której tak wielu krytyków nie chce przyznać: naprawdę nie ma czegoś takiego jak czysty biały.

Biały jak manifest

Wśród prac prezentowanych w Blanc sur Blanc znajduje się całkowicie biała, przecięta płótno autorstwa włoskiego artysty Lucio Fontany. W materiałach prasowych dotyczących wystawy, Gagosian odnosi się do eseju, który Fontana opublikował w 1946 roku, zatytułowanego Manifesto Blanco (Manifest Biały). Choć jest nieco emocjonalny, ten esej może dostarczyć pewnych wskazówek dla widzów, którzy wątpią w wartość malarstwa monochromatycznego. Wbrew temu, co sugeruje jego tytuł, Manifest Biały nigdy tak naprawdę nie wspomina o kolorze białym. Raczej mówi o potrzebie nowej sztuki, „wolnej od wszelkiego estetycznego sztucznych”. Dla Fontany czystość koloru białego była symbolem tego nowego punktu wyjścia. Manifest Biały wzywa artystów do skupienia się na „kolorze, elemencie przestrzeni; dźwięku, elemencie czasu; oraz ruchu, który rozwija się w czasie i przestrzeni”, strategii, która, jak twierdzi Fontana, zaowocuje pracą, która zbliży się „bliżej natury niż kiedykolwiek wcześniej w historii sztuki.”

Widok instalacji. Dzieło, od lewej do prawej: © Foundation Lucio Fontana, Mediolan / przez SIAE / ADAGP, Paryż, 2020; © Cy Twombly Foundation; © Imi Knoebel / ADAGP, Paryż, 2020. Zdjęcie: Thomas Lannes

Pojęcia wyrażone w Białym Manifeście stanowiły podstawę Spacjalizmu, ruchu, który Fontana założył w następnym roku. W ciągu dwóch dekad Fontana wyjaśnił kluczowe elementy Spacjalizmu poprzez dwie przełomowe serie prac. Pierwsza to jego seria „Środowisk” – 15 rzeźb świetlnych, które obecnie uznawane są za pierwsze przykłady sztuki instalacyjnej. Każde „Środowisko” było zasadniczo niestandardowo zbudowanym pomieszczeniem oświetlonym jednym kolorem światła. Niezależnie od tego, czy był to biały, czarny, czerwony, niebieski, zielony, czy jakikolwiek inny, Fontana uważał, że połączenie jednego koloru z w zasadzie pustą przestrzenią ucieleśniało istotę jego idei. Drugą serią prac, które Fontana stworzył, aby zilustrować koncepcje Spacjalizmu, była jego teraz ikoniczna seria pociętych płócien – monochromatycznych powierzchni pociętych nożem. Jednakże nacięcia nie były jedynie wyrazem dramatu. Tworzyły dosłowne wejścia do świata ruchu, koloru i przestrzeni. Każde nacięcie wciąga widza w aktywną rolę, przyciągając nas do wnętrza, odsłaniając spojrzenie na przestrzeń za obrazem. Uczynienie tej nigdy wcześniej nieużywanej części obrazu kluczowym aspektem jego tematyki sprawiło, że Fontana stworzył coś kinetycznego i tajemniczego. Patrząc wstecz na jego „Środowiska”, wyraźnie widać, jak te pocięte płótna wyrażały te same idee, tylko w innym wymiarze.

Jean Arp - Przyjaciel małego palca, 1963. Gips, 4 x 9 1/2 x 5 1/8 cala (10 x 24 x 13 cm). © ADAGP, Paryż, 2020

Poszerzenie perspektywy

Podobnie jak pocięte płótna Fontany, każde z dzieł prezentowanych w Blanc sur Blanc jest bardziej złożone, niż mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Trzy włókna rzeźby autorstwa Sheili Hicks ilustrują, jak krucha jest idea czystego koloru, gdy tekstura i masa szaleją z światłem. Rzeźba Rachel Whiteread z kolei, na pierwszy rzut oka wydająca się przypadkowym zbiorem białych materiałów budowlanych opartych o ścianę, przekształca się w scenę wizualnej i emocjonalnej klarowności. Tego rodzaju akumulacje materiałów w przestrzeni stały się tak powszechną częścią codziennego miejskiego środowiska, ale w tym przypadku, Whiteread nie tylko demonstruje wrodzoną estetyczną obecność swoich materiałów, ale także poszerza nasze rozumienie definicji koloru.

Widok instalacji. Dzieło, od lewej do prawej: © Enrico Castellani / ADAGP, Paryż, 2020; © Atelier Sheila Hicks. Zdjęcie: Thomas Lannes

Ostatecznie, być może, o to zawsze chodziło w sztuce białej na białym – o poszerzanie perspektyw. Czy potrafimy spojrzeć na coś tak prostego, tak minimalistycznego i tak bezpośredniego, nie czując się obrażonym, jakby artysta tylko wyzywał nas do nazwania tego zbyt łatwym? Czy jesteśmy w stanie uznać magię białej na białym w ten sam sposób, w jaki przyjmujemy prosty dźwięk gongu, subtelny migotanie świecy czy delikatne łaskotanie pióra? Czy coś tak nieznacznego może nieść potężne emocje? To pytanie było zadawane wiele razy i nie zakończy się na tej obecnej wystawie, ponieważ zawsze będą artyści, którzy wiedzą, że biała na białym nie jest niczym zwyczajnym, i którzy zawsze będą czuli się zmuszeni, by do niej wracać jako do punktu zerowego sztuki.

Obraz wyróżniający: Widok instalacji. Dzieła, od lewej do prawej: Archiwa Simon Hantai / ADAGP, Paryż; © Rachel Whiteread. Zdjęcie: Thomas Lannes
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio