Dziesięć czarno-białych abstrakcyjnych dzieł do dodania do Twojej kolekcji

Od czystych geometrycznych form Malewicza pozbawionych koloru po Soulages’a, mistrza czerni — którego retrospektywa jest obecnie prezentowana w Luwrze z okazji jego setnych urodzin — sztuka abstrakcyjna zgłębiała rolę i znaczenie koloru oraz jego braku. Poniżej znajdziesz najlepszy wybór czarno-białej sztuki abstrakcyjnej na sprzedaż, podkreślającej antagonizującą dychotomię czarnych i białych form, kształtów oraz linii. Choć wybrani artyści zachwycają ogromną różnorodnością technik, której dorównuje równie wielka różnorodność mediów, pozostają całkowicie wierni ograniczeniu kolorystyki i znacznie zredukowanej palecie.

Każdy z poniższych artystów, posługując się różnymi mediami, zgłębia epistemologiczne głębie czarno-białej abstrakcji, mierząc się z jej intensywnością i potencjałem ekspresyjnym. Czerń i biel nie tylko wyraźnie kontrastują ze światem kolorów, lecz także ontologicznie kontrastują ze sobą, jak w naturalnych zjawiskach, takich jak dzień i noc. Dlatego wielu uważa czarno-białą sztukę abstrakcyjną za najbardziej ekspresyjną i poruszającą, ale także najbardziej enigmatyczną i skłaniającą do kontemplacji.

Fieroza Doorsen — Untitled (Id. 1294)

Untitled (Id. 1294) jednocześnie ucieleśnia napięcia i harmonie wynikające z pozornie ścierającej się dychotomii struktury i intuicji. W niezwykle oryginalny sposób wykracza poza sprzeczności między organicznym a geometrycznym, systemowym a przypadkowym. Twórczość Doorsen opiera się na nieodłącznej, wizualnie zapisanej estetyce, jednocześnie pielęgnując wielość perspektyw i skłaniając do refleksji. Samoobjaśniająca się narracja tej pracy wykonanej gwaszem i ołówkiem ulatnia się, gdy jej wzory rozpływają się w czystej ulotności. Doorsen jest angielską artystką abstrakcyjną, szczególnie zainteresowaną wzorami i kolorowymi formami.

 

Fieroza Doorsen — Untitled (Id. 1294), 2017. Gwasz i ołówek na papierze. 26,5 × 19 cm.

 

Tommaso Fattovich — Veils

Znany ze swojego stylu Abstract Punk Fattovich w wywrotowy sposób wyraża swoje najbardziej pierwotne odczucia, reagując visceralnie na kolory, warstwy, linie i kształty. Jego głębokie zanurzenie w podświadomości pozwala mu bawić się kompozycją, aż sama praca odradza się jako ukończona i kompletna. Veils w najczystszej postaci ukazuje przyjęcie przez Fattovicha surrealistycznej strategii automatyzmu, tworząc surową i nieskazitelną pracę emanującą rozkładem i pustką. W największym możliwym stopniu zgłębia rozkładające się miejskie otoczenie, którego znikające i pojawiające się fragmenty stają się centralnymi elementami jego prac. Fattovich to włoski artysta urodzony w Mediolanie, który mieszka i pracuje w Delray Beach na Florydzie.

 

Tommaso Fattovich — Veils, 2018. Technika mieszana na płótnie. 137 × 137 cm.

 

Jean Feinberg — Untitled - OL1.96

Niewyczerpana wszechstronność technik i mediów stosowanych przez Feinberg tworzy rozległy dorobek obejmujący malarstwo, kolaż papierowy i instalację, przy użyciu farby, gesso, płótna oraz odzyskanego drewna. Ta praca olejem, tkaniną i sznurkiem na płótnie uosabia surową abstrakcję geometryczną, która, pozbawiona koloru, wyraźnie konfrontuje materię i przestrzeń. Brak obiektywnych punktów odniesienia sprawia, że Untitled - OL1.96 zaprasza i wciąga widzów w kontemplacyjną podróż, implodującą w emocje i autorefleksję. Feinberg jest amerykańską malarką abstrakcyjną, która mieszka i pracuje w Nowym Jorku, gdzie wykłada także rysunek i malarstwo w Fashion Institute of Technology.

 

Jean Feinberg — Untitled - OL1.96, 1996. Olej, tkanina i sznurek na płótnie. 121,92 × 109,22 cm.

 

Seb Janiak — Gravity liquid 83 (Large)

Gravity liquid 83 (Large) głęboko ucieleśnia metafizyczne twierdzenie Janiaka, że forma nie może istnieć bez otoczenia, a widzialne formy zależą od warunków umożliwiających ich istnienie. Aby wizualnie podważyć swoje metafizyczne twierdzenie, Janiak skupił uwagę na grawitacji jako ukrytej sile kształtującej nasz wszechświat. W tej serii fotografii bada transformacyjną moc, jaką grawitacja wywiera na ciecze i gazy. Zastosował proces fotograficzny, aby zamrozić formę, lecz ponieważ otoczenie nieustannie się zmienia, zmienia się również ten proces. Janiak jest francuskim producentem filmowym i muzycznym, cenionym na całym świecie także za wkład we współczesną fotografię analogową.

 

Seb Janiak — Gravity liquid 83 (Large), 2015. Odbitka chromogeniczna. 105 × 221 cm.

 

Kyong Lee — Situated Somewhere 11

Choć Lee jest ceniona za nadmierne wykorzystywanie koloru jako swojego podstawowego języka wizualnego, w Situated Somewhere 11 jej poetyckie poszukiwania zostały celowo ograniczone do czarno-białej formy. W tej serii subtelnych wariacji emocjonalnych zagłębia się we własne doświadczenia uczuciowe ujawniające się we współdziałaniu z jej fizycznym otoczeniem. W swoich pracach Lee próbuje uchwycić przepływ czasu i nakładanie się doświadczeń, rozmyślając o pamięci i obrazie przeszłości zniekształconym przez upływ czasu. Lee jest uznaną koreańską artystką abstrakcyjną, której prace znajdują się w Seoul Museum of Art i National Museum of Contemporary Art.

 

Kyong Lee — Situated Somewhere 11, 2019. Akryl na płótnie. 72,7 × 60,6 cm.

 

Dana Gordon — Line and Structure 11

Line and Structure 11 należy do wcześniejszych prac Gordona, w których na nowo bada malarstwo za pomocą jego najbardziej podstawowych elementów, wykorzystując tworzenie śladów i linię. Stosując akryl na ręcznie wykonanym papierze indyjskim, dąży do stopniowego przekształcania śladów w linie, a następnie w kształty i obrazy. Czasami Gordon skłania się ku czystej linearności, innym razem ku skupiskom śladów i wyznaczonym kształtom, wyrażając w ten sposób ludzką naturę i doświadczenie w ich pełni. Gordon jest amerykańskim artystą interdyscyplinarnym, który pisał o sztuce, projektował scenografie do oper i tańca, tworzył awangardowe filmy, a także malował.

 

Dana Gordon — Line and Structure 11, 1978. Akryl na ręcznie wykonanym papierze indyjskim. 61 × 76,2 cm.

 

Margaret Neill — Receiver 1

Biegle posługując się szeroką gamą technik, w Receiver 1 Neill sięga po czarny tusz na papierze, aby tworzyć płynne i niepokojące formacje geometryczne, ucieleśniające wiele cech abstrakcji lirycznej. Jej intuicyjne i niereprezentacyjne podejście prowadzi do lirycznej i wymownej ekspresji opartej na przecięciu wielowarstwowych form oraz bogato opracowanych powierzchni, które ukazują płynność czasu. Neill pochodzi z Nowego Jorku i jest ceniona za wykorzystanie pojedynczych pociągnięć oraz dużych obszarów koloru.

 

Margaret Neill — Receiver 1, 2018. Tusz na papierze. 74,9 × 55,9 cm.

 

Jaanika Peerna — Maelstrom Series 67

Peerna jest znana z wykorzystywania ruchów ciała do naśladowania naturalnych sił, takich jak wiatr, spadająca woda czy grawitacja, zapisując surowe i pierwotne impulsy na arkuszach folii Mylar przymocowanych do deski. Trzymając kilka ołówków w każdej dłoni, wykonuje pojedynczy, płynny gest całego ciała, naśladujący ruchy naturalnych zjawisk. W Maelstrom Series, jednej z najbardziej emblematycznych i cenionych realizacji Peerny, stosuje swoje typowe podejście, aby stworzyć spontaniczną pracę czerni na półprzezroczystej bieli, będącą natychmiastowym zapisem pojedynczego zjawiska naturalnego. Peerna jest artystką urodzoną w Estonii, której twórczość obejmuje rysunek, wideo, instalacje i performanse. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku, Berlinie i Tallinnie.

 

Jaanika Peerna — Maelstrom Series 67, 2015. Ołówek pigmentowy na folii Mylar. 91,5 × 91,5 cm.

 

Tenesh Webber — Shift

Webber z dużą uwagą bada przecięcie fotografii i rzeźby. Jej proces twórczy rozpoczyna się od obiektu rzeźbiarskiego, który fotografuje wielkoformatowym aparatem studyjnym. Następnie negatywy są drukowane w różnych rozmiarach na papierze o matowej powierzchni, przypominającym węgiel na papierze akwarelowym. Shift to rytmiczna i intuicyjna demonstracja jej wysiłków mających na celu analizę postrzegania negatywnej i pozytywnej przestrzeni, ruchu i bezruchu oraz światła jako śladu zarówno przestrzeni, jak i ruchu. Webber jest kanadyjską fotografką abstrakcyjną, której twórczość bada i podważa konwencje tradycyjnej fotografii czarno-białej. Mieszka w Jersey City w stanie New Jersey i pracuje w Bushwick na Brooklynie.

 

Tenesh Webber — Shift, 2004. Czarno-biała fotografia. 20,5 × 20,5 cm.

 

Arvid Boecker — #1192

Najnowsza praca Boeckera, #1192, jest rozwijającą się kontynuacją jego wcześniejszych prac, w której twórczy impet narasta od jednej kompozycji do kolejnej. Pełne zrozumienie jego twórczości wymaga nieustannego porównywania prac. Boecker rozpoczyna proces twórczy od naszkicowania kompozycji ołówkiem, po czym powoli buduje warstwy farby, dodając i częściowo usuwając kolejne warstwy koloru. W #1192 widz zostaje pochłonięty przez głębię i echa erozji kontrastującej czerni i bieli, które przekazują słodko-gorzkie emocjonalne odczucie przemijania czasu. Boecker jest niemieckim malarzem abstrakcyjnym, który mieszka i pracuje w Heidelbergu w Niemczech.

 

Arvid Boecker — #1192, 2019. Olej na płótnie. 50 × 40 × 5,5 cm.

 

Zdjęcie wyróżnione: Fieroza Doorsen — Untitled (Id. 1294), widok instalacji.
Autor: Jovana Vuković