Dziesięć czarno-białych abstrakcyjnych dzieł do dodania do Twojej kolekcji

Od czystych form geometrycznych Malevicha pozbawionych koloru po Soulagesa, mistrza noir -- którego retrospektywa obecnie trwa w Luwrze z okazji jego setnych urodzin, sztuka abstrakcyjna badała rolę i znaczenie koloru oraz jego braku. Poniżej znajdziesz najlepszy wybór czarno-białej sztuki abstrakcyjnej na sprzedaż, która podkreśla antagonizującą dychotomię czarnych i białych form, kształtów i linii. Wybrani artyści zachwycają się wielką różnorodnością technik, które można porównać jedynie z tą samą wielką różnorodnością mediów, są całkowicie oddani przestrzeganiu zawieszenia kolorów i poważnie ograniczonej palecie.

Każdy z artystów poniżej bada różnymi mediami epistemologiczne głębokości czarno-białej abstrakcji, zmagając się z jej intensywnością i potencjałem ekspresyjnym. Czerń i biel nie tylko stoją w ostrym kontraście do królestwa kolorów, ale ontologicznie kontrastują ze sobą, co widać w zjawiskach naturalnych, takich jak dzień i noc. Wiele osób uważa zatem, że czarno-biała sztuka abstrakcyjna jest najbardziej ekspresyjna i przekonująca, ale także najbardziej enigmatyczna i kontemplacyjna.

Fieroza Doorsen - Bez tytułu (Id. 1294)

"Bez tytułu (Id. 1294) jednocześnie ucieleśnia napięcia i harmonie wynikające z pozornie kolidującej dychotomii struktury i intuicji. Przekracza w najbardziej unikalny sposób sprzeczności między organicznym a geometrycznym, systemowym a losowym. Doorsen opiera swoją pracę na wrodzonej i wizualnie zapisanej estetyce, jednocześnie pielęgnując wiele perspektyw i wywołując kontemplację. Samoobjaśniająca się narracja tego dzieła akwarelowego i ołówkowego ulatnia się, gdy jego wzory rozpuszczają się w czystej efemeryczności. Doorsen jest angielskim artystą abstrakcyjnym z unikalnym zainteresowaniem wzorami i kolorowymi formami."

Fieroza Doorsen - Bez tytułu (Id. 1294), 2017. Gwasz i ołówek na papierze. 26,5 x 19 cm.

Tommaso Fattovich - Zasłony

Uznawany za twórcę stylu Abstract Punk, Fattovich w sposób zakłócający wyraża swoje najbardziej pierwotne uczucia, visceralnie reagując na kolory, warstwy, linie i kształty. Jego głęboka analiza podświadomości pozwala mu bawić się kompozycją, aż dzieło samo w sobie ożywa jako ukończone i pełne. Veils w najczystszej formie ilustruje przyjęcie przez Fattovicha surrealistycznej strategii automatyzmu, tworząc w ten sposób surowe i nieskazitelne dzieło, które emanuje rozkładem i pustką. W największym stopniu bada opadające miejskie otoczenie, gdyż jego (znikające) fragmenty stają się centralnymi elementami jego pracy. Fattovich jest włoskim artystą, urodzonym w Mediolanie, który mieszka i pracuje w Delray Beach na Florydzie.

Tommaso Fattovich - Zasłony, 2018. Mieszane media na płótnie. 137 x 137 cm.

Jean Feinberg - Bez tytułu - OL1.96

'Feinberg’s niewyczerpana wszechstronność technik i mediów tworzy rozległe dzieło, które obejmuje malarstwo, kolaż papierowy i instalację, stosując farbę, gesso, płótno i odzyskane drewno. Ten kawałek oleju, tkaniny i sznurka na lnie uosabia nagą abstrakcję geometryczną, która pozbawiona koloru wyraźnie konfrontuje materiał i przestrzeń. Brak obiektywnych punktów odniesienia Untitled - OL1.96 zaprasza i wciąga widzów w kontemplacyjną podróż, która imploduje w emocje i autorefleksję. Feinberg jest amerykańską malarką abstrakcyjną, która mieszka i pracuje w Nowym Jorku, gdzie również uczy rysunku i malarstwa w Fashion Institute of Technology.'

Jean Feinberg - Untitled - OL1.96, 1996. Olej, tkanina i sznurek na lnie. 121,92 x 109,22 cm.

Seb Janiak - Gravity liquid 83 (Duży)

"Gravity liquid 83 (Large)" głęboko osadza metafizyczne twierdzenie Janiaka, że forma nie może istnieć bez środowiska i że widoczne formy są zależne od warunków, które pozwalają tym formom istnieć. Aby wizualnie zakwestionować swoje metafizyczne twierdzenie, Janiak postanowił skupić się na grawitacji jako ukrytej sile, która kształtuje nasz wszechświat. W tej serii fotografii bada transformującą moc grawitacji na cieczy i gazach. Zastosował proces fotograficzny, aby zatrzymać formę, ale ponieważ środowisko nieustannie się zmienia, tak samo ten proces. Janiak jest francuskim producentem wideo i muzyki, ale także globalnie uznawanym za swój wkład w współczesną fotografię analogową."

Seb Janiak - Gravity liquid 83 (Duży), 2015. Druk chromogeniczny. 105 x 221 cm.

Kyong Lee - Usytuowany gdzieś 11

Choć Lee jest uznawana za artystkę, która nadmiernie używa koloru jako swojego głównego języka wizualnego, w Situated Somewhere 11 jej poetyckie eksploracje były celowo ograniczone do formy czarno-białej. W tej serii subtelnych emocjonalnych wariacji zagłębia się w swoje własne doświadczenia emocjonalne ujawnione w interakcji z otoczeniem fizycznym. W swojej pracy Lee stara się uchwycić przepływ czasu i nakładanie się doświadczeń, gdy rozmyśla o pamięci i wizji przeszłości, które są zniekształcone przez upływ czasu. Lee jest utalentowaną koreańską artystką abstrakcyjną, której prace można znaleźć w Muzeum Sztuki w Seulu oraz w Narodowym Muzeum Sztuki Współczesnej.

Kyong Lee - Situated Somewhere 11, 2019. Akryl na płótnie. 72,7 x 60,6 cm.

Dana Gordon - Linia i struktura 11

Linia i struktura 11 należy do wcześniejszej twórczości Gordona, w której ponownie bada malarstwo za pomocą jego najbardziej podstawowych komponentów, wykorzystując tworzenie znaków i linię. Używając akrylu na ręcznie robionym indyjskim papierze, dąży do stopniowego rozwoju znaków w linie, a później w kształty i obrazy. Czasami Gordon skłania się bardziej ku czystej liniowości, innym razem do skupisk znaków i wyodrębnionych kształtów, wyrażając w ten sposób ludzką naturę i doświadczenie w jego całości. Gordon jest amerykańskim artystą multidyscyplinarnym, który pisał o sztuce, projektował scenografie do opery i tańca, tworzył awangardowe filmy oraz malarstwo.

Dana Gordon - Linia i struktura 11, 1978. Akryl na ręcznie robionym indyjskim papierze. 61 x 76,2 cm.

Margaret Neill - Odbiorca 1

Dobrze zaznajomiona z wieloma technikami, w Receiver 1 Neill sięga po czarny tusz na papierze, aby stworzyć płynne i niepokojące formacje geometryczne, które ucieleśniają wiele cech Lirycznej Abstrakcji. Jej intuicyjne i niereprezentacyjne podejście skutkuje lirycznym i elokwentnym wyrazem, który opiera się na przecięciu wielowarstwowych form i bogato opracowanych powierzchni, które ilustrują płynność czasu. Neill jest Nowojorczykiem, uznawanym za jej użycie pojedynczych pociągnięć i dużych obszarów koloru.

Margaret Neill - Receiver 1, 2018. Tusz na papierze. 74,9 x 55,9 cm.

Jaanika Peerna - Seria Maelstrom 67

Peerna jest znana z używania ruchów ciała do symulowania naturalnych sił, takich jak wiatr, spadająca woda czy grawitacja, zapisując surowe i pierwotne impulsy na arkuszach Mylaru przymocowanych do deski. Z kilkoma ołówkami w każdej ręce wykonuje jeden, płynny, całkowity gest ciała, naśladując ruchy zjawisk naturalnych. W serii Maelstrom, jednej z najbardziej emblematycznych i uznawanych prac Peerny, stosuje swoje zwykłe podejście, aby stworzyć spontaniczny, czarny na przezroczystym białym tle kawałek, który jest natychmiastowym zapisem pojedynczego zjawiska naturalnego. Peerna jest artystką urodzoną w Estonii, której prace obejmują rysunek, wideo, instalacje i występy. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku, Berlinie i Tallinnie.

Jaanika Peerna - Maelstrom Series 67, 2015. Ołówek pigmentowy na Mylarze. 91,5 x 91,5 cm.

Tenesh Webber - Shift

Webber z wielką uwagą bada skrzyżowanie fotografii i rzeźby. Jej proces twórczy zaczyna się od obiektu rzeźbiarskiego, który jest fotografowany za pomocą aparatu wielkoformatowego. Negatywy są następnie drukowane w różnych rozmiarach na papierze matowym, który przypomina węgiel na papierze akwarelowym. Shift to rytmiczna i intuicyjna demonstracja jej wysiłków w badaniu percepcji przestrzeni negatywnej i pozytywnej, ruchu i bezruchu oraz światła jako śladu zarówno przestrzeni, jak i ruchu. Webber jest kanadyjską fotografką abstrakcyjną, której prace badają i kwestionują konwencje tradycyjnej fotografii czarno-białej. Mieszka w Jersey City w New Jersey i pracuje w Bushwick w Brooklynie.

Tenesh Webber - Shift, 2004. Czarno-biała fotografia. 20,5 x 20,5 cm.

Arvid Boecker - #1192

Boecker’s very recent #1192 is an unfolding progression of his previous work where his creative momentum builds from one composition to the next. The utter comprehension of his work requires the constant comparison of his works. Boecker unleashes his creative process by penciling in his composition, after which he slowly builds his paints up adding and partially removing layers of color. In #1192, a viewer is absorbed in the depth and echoes of erosion of contrasting black and white that communicate a bittersweet emotional feeling that time is passing. Boecker is a German abstract painter who lives and works in Heidelberg, Germany.

Arvid Boecker - #1192, 2019. Olej na płótnie. 50 x 40 x 5,5 cm.

Obraz wyróżniający: Fieroza Doorsen - Bez tytułu (Id. 1294), widok instalacji.
Przez Jovana Vuković