Dziesięć czarno-białych abstrakcyjnych dzieł do dodania do Twojej kolekcji

Od czystych geometrycznych form Malevicha pozbawionych koloru po Soulagesa, mistrza czerni – którego retrospektywa jest obecnie prezentowana w Luwrze z okazji jego setnych urodzin, sztuka abstrakcyjna badała rolę i znaczenie koloru oraz jego braku. Poniżej znajdziesz najlepszy wybór czarno-białej sztuki abstrakcyjnej na sprzedaż, która podkreśla antagonizującą dychotomię czarnych i białych form, kształtów i linii. Wybrani artyści zachwycają się wielością technik, które dorównują równie wielkiej różnorodności mediów, a jednocześnie są całkowicie oddani zawieszeniu kolorów i mocno ograniczonej palecie barw.

Każdy z poniższych artystów bada za pomocą różnych mediów epistemologiczne głębiny czarno-białej abstrakcji, mierząc się z jej intensywnością i ekspresyjnym potencjałem. Czerń i biel nie tylko kontrastują wyraźnie z królestwem kolorów, ale ontologicznie przeciwstawiają się sobie, co widać w zjawiskach naturalnych, takich jak dzień i noc. Wiele osób uważa więc czarno-białą sztukę abstrakcyjną za najbardziej ekspresyjną i przekonującą, a zarazem najbardziej zagadkową i refleksyjną.

Fieroza Doorsen - Bez tytułu (Id. 1294)

Bez tytułu (Id. 1294) jednocześnie ucieleśnia napięcia i harmonie wynikające z pozornie zderzającej się dychotomii struktury i intuicji. Przekracza w unikalny sposób sprzeczności między organicznym a geometrycznym, systemowym a przypadkowym. Prace Doorsen opierają się na wrodzonej i wizualnie zapisanej estetyce, pielęgnując wielość perspektyw i wywołując refleksję. Samo wyjaśniająca się narracja tego dzieła wykonanego techniką gwaszu i ołówka ulatnia się, gdy jego wzory rozpuszczają się w czystej efemeryczności. Doorsen jest angielską artystką abstrakcyjną o unikalnym zainteresowaniu wzorami i kolorowymi formami.

 

Fieroza Doorsen - Bez tytułu (Id. 1294), 2017. Gwasz i ołówek na papierze. 26,5 x 19 cm.

 

Tommaso Fattovich - Zasłony

Znany ze swojego stylu Abstract Punk, Fattovich wyraża w sposób przełomowy swoje najbardziej pierwotne uczucia, reagując visceralnie na kolory, warstwy, linie i kształty. Jego głębokie zanurzenie w podświadomość pozwala mu bawić się kompozycją, aż dzieło samo zmartwychwstaje jako ukończone i kompletne. Zasłony w najczystszej formie ukazują przyjęcie przez Fattovicha surrealistycznej strategii automatyzmu, tworząc surowe i nieskazitelne dzieło, które emanuje rozkładem i opuszczeniem. Artysta w największym stopniu bada rozpadające się miejskie otoczenie, którego (znikające) fragmenty stają się centralnym punktem jego prac. Fattovich jest włoskim artystą, urodzonym w Mediolanie, mieszkającym i pracującym w Delray Beach na Florydzie.

 

Tommaso Fattovich - Zasłony, 2018. Technika mieszana na płótnie. 137 x 137 cm.

 

Jean Feinberg - Bez tytułu - OL1.96

Feinberg wykazuje niewyczerpaną wszechstronność technik i mediów, tworząc rozległy dorobek obejmujący malarstwo, kolaż papierowy i instalacje, stosując farbę, gesso, płótno i odzyskane drewno. To dzieło z oleju, tkaniny i sznurka na lnie uosabia surową abstrakcję geometryczną, która pozbawiona koloru wyraźnie konfrontuje się z materią i przestrzenią. Brak obiektywnych punktów odniesienia sprawia, że Bez tytułu - OL1.96 zaprasza i wabi widzów do refleksyjnej podróży, która wybucha emocjami i samorefleksją. Feinberg jest amerykańską malarką abstrakcyjną, mieszkającą i pracującą w Nowym Jorku, gdzie również uczy rysunku i malarstwa w Fashion Institute of Technology.

 

Jean Feinberg - Bez tytułu - OL1.96, 1996. Olej, tkanina i sznurek na lnie. 121,92 x 109,22 cm.

 

Seb Janiak - Gravity liquid 83 (Duży)

Gravity liquid 83 (Duży) głęboko osadza Janiaka własne metafizyczne twierdzenie, że forma nie może istnieć bez otoczenia, a widzialne formy zależą od warunków, które pozwalają im istnieć. Aby wizualnie podważyć swoje metafizyczne twierdzenie, Janiak skupił się na grawitacji jako ukrytej sile kształtującej nasz wszechświat. W tej serii fotografii bada przemieniającą moc grawitacji na ciecze i gazy. Zastosował proces fotograficzny, aby zatrzymać formę, ale ponieważ otoczenie ciągle się zmienia, tak samo zmienia się ten proces. Janiak jest francuskim producentem wideo i muzyki, ale także światowej sławy za wkład w współczesną fotografię analogową.

 

Seb Janiak - Gravity liquid 83 (Duży), 2015. Chromogeniczny wydruk. 105 x 221 cm.

 

Kyong Lee - Położony gdzieś 11

Chociaż Lee słynie z nadmiernego użycia koloru jako głównego języka wizualnego, w Położony gdzieś 11 jej poetyckie eksploracje zostały celowo ograniczone do formy czarno-białej. W tej serii subtelnych emocjonalnych wariacji zagłębia się w własne doświadczenia emocjonalne ujawnione w współdziałaniu z otoczeniem fizycznym. W swojej pracy Lee stara się uchwycić przepływ czasu i nakładanie się doświadczeń, rozmyślając o pamięci i wizji przeszłości zniekształconej przez upływ czasu. Lee jest uznaną koreańską artystką abstrakcyjną, której prace znajdują się w Muzeum Sztuki w Seulu oraz w Narodowym Muzeum Sztuki Współczesnej.

 

Kyong Lee - Położony gdzieś 11, 2019. Akryl na płótnie. 72,7 x 60,6 cm.

 

Dana Gordon - Linia i struktura 11

Linia i struktura 11 należy do wcześniejszych prac Gordona, w których ponownie bada malarstwo za pomocą jego najbardziej podstawowych składników, używając znakowania i linii. Stosując akryl na ręcznie robionym papierze indyjskim, dąży do stopniowego rozwoju znaków w linie, a następnie w kształty i obrazy. Czasem Gordon skłania się bardziej ku surowej liniowości, innym razem ku skupiskom znaków i wyraźnie zarysowanym kształtom, wyrażając w ten sposób ludzką naturę i doświadczenie w całości. Gordon jest amerykańskim artystą wielodyscyplinarnym, który pisał o sztuce, projektował scenografie do opery i tańca, tworzył filmy awangardowe oraz obrazy.

 

Dana Gordon - Linia i struktura 11, 1978. Akryl na ręcznie robionym papierze indyjskim. 61 x 76,2 cm.

 

Margaret Neill - Odbiornik 1

Biegła w wielu technikach, w Odbiorniku 1 Neill sięga po czarny tusz na papierze, tworząc płynne i niepokojące formy geometryczne, które ucieleśniają wiele cech abstrakcji lirycznej. Jej intuicyjne i niereprezentacyjne podejście skutkuje lirycznym i wymownym wyrazem, opartym na przecięciu wielowarstwowych form i bogato opracowanych powierzchni, które ilustrują płynność czasu. Neill jest nowojorską artystką znaną z użycia pojedynczych pociągnięć i dużych powierzchni koloru.

 

Margaret Neill - Odbiornik 1, 2018. Tusz na papierze. 74,9 x 55,9 cm.

 

Jaanika Peerna - Seria Maelstrom 67

Peerna jest znana z używania ruchów ciała do symulowania sił natury, takich jak wiatr, spadająca woda czy grawitacja, zapisując surowe i pierwotne impulsy na arkuszach Mylaru przymocowanych do deski. Z kilkoma ołówkami w każdej ręce wykonuje jeden, płynny, całym ciałem gest, naśladujący ruch zjawisk naturalnych. W serii Maelstrom, jednej z najbardziej emblemarycznych i cenionych prac Peerna, stosuje swoje zwyczajne podejście, tworząc spontaniczne, czarne na przezroczystym białym dzieło, będące natychmiastowym zapisem pojedynczego naturalnego zdarzenia. Peerna jest artystką urodzoną w Estonii, której twórczość obejmuje rysunek, wideo, instalacje i performanse. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku, Berlinie i Tallinnie.

 

Jaanika Peerna - Seria Maelstrom 67, 2015. Ołówek pigmentowy na Mylarze. 91,5 x 91,5 cm.

 

Tenesh Webber - Przesunięcie

Webber z wielką uwagą bada przecięcie fotografii i rzeźby. Jej proces twórczy zaczyna się od obiektu rzeźbiarskiego, który jest fotografowany dużym aparatem wielkoformatowym. Negatywy są następnie drukowane w różnych rozmiarach na papierze o matowej powierzchni przypominającym węgiel na papierze akwarelowym. Przesunięcie to rytmiczne i intuicyjne ukazanie jej starań o zbadanie percepcji przestrzeni negatywnej i pozytywnej, ruchu i bezruchu oraz światła jako śladu zarówno przestrzeni, jak i ruchu. Webber jest kanadyjską fotografką abstrakcyjną, której prace badają i kwestionują konwencje tradycyjnej fotografii czarno-białej. Mieszka w Jersey City w New Jersey i pracuje w Bushwick w Brooklynie.

 

Tenesh Webber - Przesunięcie, 2004. Fotografia czarno-biała. 20,5 x 20,5 cm.

 

Arvid Boecker - #1192

Boecker’s bardzo niedawne #1192 to rozwijająca się kontynuacja jego wcześniejszych prac, gdzie jego twórczy impet buduje się od jednej kompozycji do następnej. Pełne zrozumienie jego dzieł wymaga stałego porównywania prac. Boecker uwalnia swój proces twórczy, szkicując kompozycję ołówkiem, po czym powoli buduje warstwy farb, dodając i częściowo usuwając kolory. W #1192 widz zostaje pochłonięty głębią i echem erozji kontrastujących czerni i bieli, które przekazują gorzko-słodkie uczucie upływającego czasu. Boecker jest niemieckim malarzem abstrakcyjnym, mieszkającym i pracującym w Heidelbergu w Niemczech.

 

Arvid Boecker - #1192, 2019. Olej na płótnie. 50 x 40 x 5,5 cm.

 

Zdjęcie główne: Fieroza Doorsen - Bez tytułu (Id. 1294), widok instalacji.
Autorstwa Jovana Vuković