Jak 9. Wystawa Sztuki na 9. Ulicy Wyszła Poza Nowojorskie Kanony Sztuki w 1951 Roku

Niektórzy mówią, że 9. Wystawa Sztuki na 9. Ulicy była radykalnym aktem kulturowego zakłócania. Inni twierdzą, że był to akt desperacji zainicjowany przez grupę głodujących artystów, którzy nie mieli gdzie pokazać swojej pracy. W prawdzie mogło to być trochę z obu tych rzeczy. Niezależnie od tego, wystawa jest materiałem legend. Odbyła się w 1951 roku w opuszczonym lokalu w Dolnym Manhattanie, w budynku przeznaczonym do wyburzenia, a w wystawie wzięło udział około 70 artystów. Prawie wszyscy uczestnicy byli wówczas praktycznie anonimowi, zostali wykluczeni przez galerie, muzea i kolekcjonerów, którzy rządzili sceną nowojorską. Ich odrzucenie wynikało głównie z faktu, że ich prace były eksperymentalne i miały tendencję do bycia abstrakcyjnymi, w sprzeczności z gustami amerykańskiego rynku. Prawie wszyscy artyści biorący udział w wystawie byli również częścią kręgu towarzyskiego wokół „Klubu”, luźnej grupy awangardowych artystów i intelektualistów, którzy regularnie spotykali się w budynku przy 39 East 8th Street. Seria rozmów w Klubie na temat tego, jak skłonić instytucję do okazania szacunku ich pracy, doprowadziła do pomysłu, że jeśli uda im się zorganizować wystarczająco dużą wystawę zbiorową i wzbudzić wystarczający szum w mieście, mogą przełamać krytyczną mgłę i w końcu ich prace oraz pomysły zostaną ocenione szczerze i sprawiedliwie przez amerykańską publiczność. Z prawie żadnymi pieniędzmi między sobą, połączyli siły i zebrali swoje zasoby, co pozwoliło im zorganizować monumentalną wystawę, która nie tylko przyniosła wielu z nich uznanie krytyków, ale także fundamentalnie zmieniła amerykański świat sztuki.

Połączenie Castelli

Początkowo największym zmartwieniem artystów biorących udział w 9. Wystawie Sztuki na 9. Ulicy było pytanie, kto powiesi wystawę. Pomimo ich przyjaźni, ta grupa artystów miała jedne z największych ego, jakie świat kiedykolwiek widział. Byli utalentowani, genialni i niezwykle konkurencyjni, a słusznie obawiali się, że faworyzowanie, polityka lub jawna korupcja spowodują, że niektórzy artyści otrzymają preferencyjne miejsca na wystawie. Przestrzeń wystawiennicza składała się z lokalu na poziomie ulicy i piwnicy. Kto miał być na górze, a kto na dole? Kto miał mieć swoje prace w oknie? To były kluczowe pytania. Jedyną osobą, której wszyscy artyści zdawali się ufać, był włoski imigrant o imieniu Leo Castelli, który miał trochę doświadczenia jako handlarz sztuką w Europie i był także jednym z nielicznych członków Klubu, którzy nie byli artystami.

Castelli przyjął wspaniałe zadanie kuratorowania wystawy, a także pokrył większość wydatków. Czynsz za zniszczoną przestrzeń przez cały czas trwania wystawy wynosił tylko 70 dolarów. Jednak prawie wszyscy zaangażowani w wystawę byli spłukani, a niektórzy dosłownie głodowali. Castelli pokrył rachunek, a artyści wykonali całą pracę nad renowacją przestrzeni. Franz Kline stworzył wszystkie materiały promocyjne i zaprojektował katalog. Szum, który ich przygotowania wywołały, rozprzestrzenił się po całym Nowym Jorku, a im bliżej otwarcia wystawy, tym bardziej napięta atmosfera wśród artystów się stawała. Przypominając sobie to doświadczenie lata później, Castelli zauważył, że chociaż wszyscy byli zachwyceni uwagą, jaką wystawa przyciągnęła, prawie każdy artysta był niezadowolony z tego, w jaki sposób zaprezentowano ich prace. To oznacza, że Castelli najwyraźniej wykonał swoją pracę doskonale, ponieważ najlepszym miernikiem udanej negocjacji jest th/blogs/magazine/abstract-expressionist-artists-you-need-to-know.

Franz Kline - Plakat wystawy sztuki 9th Street, 1951

Kluczowe ogniwo w ważnym łańcuchu

Kiedy otwarto 9. Wystawę Sztuki na 9. Ulicy, wzdłuż ulicy ustawiła się kolejka ludzi czekających na wejście. Wśród widzów byli niektórzy z najbardziej wpływowych ludzi w nowojorskim świecie sztuki — dealerzy, kolekcjonerzy i dyrektorzy muzeów. Prace, które zobaczyli na wystawie, zostały stworzone przez artystów, którzy wkrótce staną się luminarzami ważnych nowych ruchów artystycznych, takich jak Ekspresjonizm Abstrakcyjny, Post-Malarstwo Abstrakcyjne, Pop Art, Malarstwo Pola Kolorów, Abstrakcja Twardej Krawędzi i Neoekspresjonizm, style, które pomogły zdefiniować amerykańską sztukę w latach 50., 60. i 70. Niektórzy z tych artystów otrzymali tak korzystną uwagę, że zdobyli reprezentację w głównych galeriach w wyniku wystawy, a zaledwie kilka lat później kilku z nich znalazło się w trudnej sytuacji z nowymi wyzwaniami związanymi z nagłym bogactwem i sławą. Jednak sukces komercyjny był zaledwie jednym z dziedzictw tej wystawy. Prawdziwym powodem, dla którego 9. Wystawa Sztuki na 9. Ulicy była tak ważna, jest to, co zrobiła, aby utrzymać długą tradycję kulturalnych rebelii organizowanych przez artystów.

Historia wystaw organizowanych przez artystów sięga co najmniej 1874 roku, kiedy to „Anonimowe Towarzystwo Malarzy” zorganizowało swoją pierwszą wystawę sztuki impresjonistycznej w studiu fotograficznym artysty Nadara. Kontynuowano to w 1884 roku, kiedy to Salon des Artistes Indépendants zorganizował swoją pierwszą wystawę, ogłaszając „sans jury ni récompense”, „bez jury ani nagrody”. Wystawa Sztuki na 9. Ulicy kontynuowała tę tradycję. Wszystkie te wystawy położyły podwaliny pod eksperymentalne kolektywy artystyczne i przestrzenie prowadzone przez artystów, które zdefiniowały awangardę końca XX wieku i które nadal są siłą innowacji dzisiaj. Być może żyjemy teraz w czasach, gdy rynek komercyjny zastąpił cenzurę rządową i intelektualne uprzedzenia przeszłości. Wydaje się, że ogromna większość artystów dzisiaj jest ignorowana, chyba że potrafią wygenerować ogromne zyski dla dealerów lub sprzedać dziesiątki tysięcy biletów dla instytucji. Ale to nie jest powód do zniechęcenia. To raczej doskonały powód, aby spojrzeć wstecz i przypomnieć sobie lekcję z Wystawy Sztuki na 9. Ulicy: że część z najbardziej żywej, angażującej i energetycznej sztuki przyszłości prawdopodobnie kryje się w zasięgu wzroku, tam, gdzie najmniej się jej spodziewamy.

Obraz wyróżniony: Franz Kline - Studium do Ninth Street, 1951. Olej i ołówek na kartonie. 20 x 25,4 cm. (7,9 x 10 cali)

Autor: Phillip Barcio