Jak 9. Wystawa Sztuki na 9. Ulicy Wyszła Poza Nowojorskie Kanony Sztuki w 1951 Roku

Niektórzy twierdzą, że Wystawa Sztuki na 9th Street była radykalnym aktem zakłócenia kultury. Inni mówią, że była to desperacka inicjatywa grupy głodujących artystów, którzy nie mieli gdzie pokazać swoich prac. Prawda może leżeć gdzieś pośrodku. Niezależnie od tego, wystawa stała się legendą. Odbyła się w 1951 roku w opuszczonym sklepie na Dolnym Manhattanie, w budynku przeznaczonym do rozbiórki, a zaprezentowano na niej prace około 70 artystów. Prawie wszyscy uczestnicy byli wówczas praktycznie anonimowi, wykluczeni przez galerie, muzea i kolekcjonerów kontrolujących nowojorską scenę artystyczną. Ich odrzucenie wynikało głównie z faktu, że ich twórczość była eksperymentalna i miała charakter abstrakcyjny, co stało w sprzeczności z gustami amerykańskiego rynku. Prawie wszyscy artyści biorący udział w wystawie należeli także do kręgu towarzyskiego skupionego wokół „The Club”, luźnego kolektywu awangardowych artystów i intelektualistów, którzy regularnie spotykali się w budynku przy 39 East 8th Street. Seria rozmów w The Club na temat tego, jak zmusić instytucje do uznania ich twórczości, doprowadziła do pomysłu, że jeśli uda im się zorganizować wystawę grupową na dużą skalę i wywołać odpowiedni rozgłos w mieście, mogą przełamać krytyczną mgłę i wreszcie sprawiedliwie ocenić swoje prace i idee przez amerykańską publiczność. Dysponując niemal żadnymi środkami, połączyli siły i zasoby, i udało im się zorganizować monumentalną wystawę, która nie tylko przyniosła wielu z nich uznanie krytyków, ale także zasadniczo zmieniła amerykański świat sztuki.

Związek z Castellim

Początkowo największym zmartwieniem artystów zaangażowanych w Wystawę Sztuki na 9th Street było pytanie, kto powiesi prace na wystawie. Pomimo koleżeństwa, ta grupa artystów miała jedne z największych ego, jakie świat kiedykolwiek widział. Byli utalentowani, błyskotliwi i zaciekle rywalizujący, i słusznie obawiali się, że faworyzowanie, polityka lub jawna korupcja spowodują, że niektórzy artyści otrzymają preferencyjne miejsce na wystawie. Przestrzeń wystawowa składała się z sali na poziomie ulicy i piwnicy. Kto miał być na górze, a kto na dole? Kto miał mieć swoje prace w witrynie? To były kluczowe pytania. Jedyną osobą, której wszyscy artyści zdawali się ufać, był włoski imigrant o imieniu Leo Castelli, który miał pewne doświadczenie jako handlarz sztuką w Europie i był jednym z nielicznych członków The Club niebędących artystami.

Castelli podjął się ogromnego zadania kuratorowania wystawy i pokrył większość kosztów. Czynsz za zniszczoną przestrzeń na cały czas trwania wystawy wyniósł zaledwie 70 dolarów. Jednak niemal wszyscy zaangażowani w wystawę byli spłukani, a niektórzy dosłownie głodowali. Castelli opłacił rachunek, a artyści wykonali całą pracę remontową. Franz Kline przygotował wszystkie materiały promocyjne i zaprojektował katalog. Szum, jaki wywołały ich przygotowania, rozprzestrzenił się po całym Nowym Jorku, a im bliżej było otwarcia wystawy, tym bardziej napięta stawała się atmosfera wśród artystów. Wspominając to doświadczenie lata później, Castelli zauważył, że choć wszyscy byli zachwyceni uwagą, jaką przyciągnęła wystawa, niemal każdy artysta był niezadowolony z prezentacji swoich prac. Oznacza to, że Castelli najwyraźniej wykonał swoją pracę perfekcyjnie, ponieważ najlepszym miernikiem udanych negocjacji jest th/blogs/magazine/abstract-expressionist-artists-you-need-to-know

Franz Kline - Plakat Wystawy Sztuki na 9th Street, 1951

Istotne ogniwo ważnego łańcucha

Gdy otwarto Wystawę Sztuki na 9th Street, na ulicy ustawiła się kolejka ludzi czekających na wejście. Wśród widzów byli jedni z najbardziej wpływowych ludzi nowojorskiego świata sztuki — handlarze, kolekcjonerzy i dyrektorzy muzeów. Prace, które zobaczyli na wystawie, stworzyli artyści, którzy wkrótce mieli stać się czołowymi postaciami ważnych nowych nurtów artystycznych, takich jak Ekspresjonizm abstrakcyjny, Abstrakcja postmalarstwa, Pop Art, Malarstwo pola barwnego, Abstrakcja twardej krawędzi oraz Neoekspresjonizm — style, które pomogły zdefiniować amerykańską sztukę lat 50., 60. i 70. Niektórzy z tych artystów zyskali tak korzystne zainteresowanie, że w efekcie wystawy otrzymali reprezentację w ważnych galeriach, a zaledwie kilka lat później wielu z nich zmagało się z nowymi wyzwaniami związanymi z nagłym bogactwem i sławą. Jednak sukces komercyjny nie był jedynym dziedzictwem tej wystawy. Prawdziwym powodem, dla którego Wystawa Sztuki na 9th Street była tak ważna, jest to, co zrobiła, by podtrzymać długą tradycję buntów kulturalnych organizowanych przez artystów.

Historia artystycznych wystaw kontrkulturowych sięga co najmniej 1874 roku, kiedy to „Anonimowe Towarzystwo Malarzy” zorganizowało pierwszą wystawę impresjonistyczną w studio fotograficznym artysty Nadara. Kontynuowano ją w 1884 roku, gdy Salon des Artistes Indépendants zorganizował swoją pierwszą wystawę z hasłem „sans jury ni récompense” — „bez jury i nagród”. Wystawa na 9th Street kontynuowała tę tradycję. Wszystkie te wystawy stworzyły podwaliny pod eksperymentalne kolektywy artystyczne i przestrzenie prowadzone przez artystów, które definiowały awangardę końca XX wieku i które nadal są siłą napędową innowacji. Być może żyjemy teraz w czasach, gdy rynek komercyjny zastąpił dawną cenzurę rządową i intelektualne uprzedzenia. Wydaje się, że zdecydowana większość artystów jest dziś ignorowana, jeśli nie potrafi przynieść ogromnych zysków handlarzom lub sprzedać dziesiątek tysięcy biletów instytucjom. Jednak nie jest to powód do zniechęcenia. Wręcz przeciwnie, to doskonały powód, by spojrzeć wstecz i przypomnieć sobie lekcję Wystawy Sztuki na 9th Street: że niektóre z najbardziej żywiołowych, angażujących i pełnych energii dzieł sztuki przyszłości prawdopodobnie ukrywają się tuż przed naszymi oczami, tam, gdzie najmniej się ich spodziewamy.

Zdjęcie główne: Franz Kline - Studium do Ninth Street, 1951. Olej i ołówek na kartonie. 20 x 25,4 cm (7,9 x 10 cali)

Autor: Phillip Barcio