Malarstwo o ostrych krawędziach i estetyka abstrakcyjnego porządku

Czy chciałbyś wspiąć się do obrazu w stylu hard-edge? Następnym razem, gdy będziesz w Las Vegas, udaj się do hotelu i kasyna Cosmopolitan. Na poziomie ulicy znajduje się kawiarnia Starbuck’s. Wejdź do środka i spójrz w górę na ściany. Zauważysz jasne plamy podstawowych kolorów namalowane na różnych powierzchniach i elementach. Na jednej ze ścian zobaczysz podpis mężczyzny, który namalował te plamy kolorów: francuskiego artysty i fotografa Georges'a Rousse'a.

"Jeśli przejdziesz na drugi koniec pokoju, zobaczysz miejsce oznaczone na podłodze, zapraszające widzów do stania na nim. Tylko z tego jednego miejsca, i tylko z tego miejsca, wizja Rousse’a zostaje spełniona. Te malowane powierzchnie są częścią iluzji, trójwymiarową realizacją geometrycznego obrazu abstrakcyjnego zajmującego przestrzeń architektoniczną."

John McLaughlin - Bez tytułu, 1951, Olej na masonicie, 23 ¾ × 27 ¾ cali, Uprzejmość Van Doren Waxter

Czym jest malarstwo o ostrych krawędziach?

Termin malarstwo twardych krawędzi został wprowadzony pod koniec lat 50. przez Julesa Langsnera, krytyka sztuki w gazecie Los Angeles Times. Termin ten odnosił się do starożytnej tendencji, która zaczynała się na nowo pojawiać w różnych stylach sztuki abstrakcyjnej, ale była szczególnie powszechna w Kalifornii w tamtym czasie. Tendencja ta polegała na użyciu form geometrycznych malowanych w odważnych, pełnych kolorach, wyraźnie oddzielonych od siebie twardymi, solidnymi krawędziami. Dwoma wiodącymi malarzami twardych krawędzi, do których Langsner się odnosił, gdy wprowadzał ten termin, byli John McLaughlin i Helen Lundeberg.

Ten rodzaj malarstwa był wykonywany przez wieki i zyskał uznanie w wielu różnych kulturach. Nawet w obrębie zachodniej sztuki abstrakcyjnej ta tendencja do pracy z odważnymi kolorami, wyraźnymi kształtami i ostrymi krawędziami pojawiała się wcześniej, na przykład w dziełach Kazimira Malevicha i Piet Mondriana.

Estetyka malarstwa hard-edge wyszła z mody w latach 40. i 50. XX wieku, częściowo dzięki wzrostowi popularności emocjonalnych, gesturalnych prac tworzonych przez ekspresjonistów abstrakcyjnych. Współczesne użycie terminu malarstwo hard-edge odnosi się nie tyle do jednego konkretnego stylu czy ruchu w malarstwie, ile do tendencji, którą nowocześni artyści w wielu różnych stylach zastosowali i nadal stosują w swojej estetyce.

Helen Lundeberg - Blue Planet, 1965, akryl na płótnie, 60 x 60 cali, Kolekcja Marilynn i Carla Thoma. © Feitelson Arts Foundation, dzięki uprzejmości Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Czerwony Kwadrat, 1915, Olej na płótnie, 21 × 21 cali, Muzeum Rosyjskie, Petersburg

Filozofia piękna

Dla wielu ludzi jednym z najbardziej mylących elementów sztuki abstrakcyjnej jest to, że nie odwołuje się do żadnej obiektywnej definicji piękna. Przynajmniej w świecie zachodnim przez wieki estetyczne piękno w malarstwie definiowane było przez naturalne i figuralne tematy, takie jak portrety i krajobrazy. Przed pojawieniem się abstrakcji, aby dzieło sztuki mogło być uznane za estetycznie piękne, zazwyczaj oczekiwano, że będzie replikować coś, co uznawane jest za piękne w obiektywnym świecie, takiego jak anioł, postać historyczna lub łąka.

Kiedy artyści zaczęli analizować elementy tego, czym była malarstwo, zakwestionowali pojęcie tego, co może być piękne. Czy cechy światła same w sobie mogą być uznawane za piękne? Impresjoniści tak uważali. Czy kolor sam w sobie może być uznawany za estetycznie piękny? Orfiści tak uważali. Wiele artystów i ruchów artystycznych od tego czasu zakwestionowało nawet pojęcie, czy estetyczne piękno jest w ogóle istotne. Czy sztuka powinna mieć cokolwiek wspólnego z pięknem?

Piet Mondrian - Kompozycja II w czerwieni, niebieskim i żółtym, 1930, olej na płótnie, 46 x 46 cm, Muzeum Sztuki Metropolitalnej

Piękno porządku

Niezależnie od filozoficznych gier, które artyści, krytycy i akademicy prowadzą ze sobą, fakt jest taki, że piękno ma znaczenie dla widzów. Widzowie sztuki chcą być w obecności obiektów, które pomagają im czuć się dobrze. Chcą, aby sztuka uczestniczyła z nimi w ich dążeniu do satysfakcji, cokolwiek to dla nich oznacza. Nawet jeśli każdy krytyk sztuki na świecie uważa, że konkretne malowidło ma ogromne znaczenie historyczne, jeśli żaden widz nie chce być w jego pobliżu, to jego wartość słusznie maleje. Fundamentalną prawdą jest to, że ludzie lubią być w otoczeniu estetycznie przyjemnych rzeczy, z czym wiele ruchów sztuki abstrakcyjnej zmagało się, a z czym malarstwo o ostrych krawędziach pomogło wielu widzom się zmierzyć.

Piękno tkwi w porządku. Piękno tkwi w racjonalności. Piękno tkwi w kolorze. Piękno tkwi w linii. Piękno tkwi w czymś, co jest nieskazitelne, nietknięte, czyste i sensowne. Chociaż wielu widzów nawet dzisiaj ma na początku trudności z dostrzeganiem piękna dzieł kubistycznych czy abstrakcyjnych obrazów Wassily'ego Kandinsky'ego, nie można zaprzeczyć, że jest coś atrakcyjnego, a przynajmniej psychologicznie satysfakcjonującego, w obrazach, które odpowiadają naszej potrzebie struktury. Twarda, geometryczna abstrakcja obrazów Suprematysty Malevicha i obrazy De Stijl Mondriana są piękne, ponieważ stanowią estetyczny antidotum na chaos.

Jackson Pollock - Blue Poles, czyli Numer 11, 1952, emalia i farba aluminiowa z szkłem na płótnie, 83,5 in × 192,5 in, Krajowa Galeria Australii, Canberra

Kwestia gustu

Oczywiście, nic z tego nie oznacza, że inne rodzaje sztuki abstrakcyjnej nie są piękne. Piękno to kwestia gustu. Na przykład, różni widzowie mają różną zdolność do rozwiązywania złożoności. To, co dla jednych oczu wygląda jak chaos, dla innych wydaje się idylliczne. Wyraźnie powodem, dla którego malarze akcji, tacy jak Jackson Pollock i Willem de Kooning, odnieśli tak duży sukces, jest to, że tak wielu widzów uznało ich prace za dostępne, bliskie i piękne. Choć z pewnością niektórzy widzowie uważają obraz Pollocka Blue Poles za bałagan, znacznie więcej widzów uważa go za wyraz ludzkich uniwersaliów i pierwotnej prawdy osobistej.

Powodem, dla którego malarstwo o ostrych krawędziach powróciło do łask w latach 50. XX wieku, jest być może to, że Ekspresjonizm Abstrakcyjny był po prostu tak emocjonalny. W końcu wyłonił się on z najbardziej brutalnych, katastrofalnych i przerażających czasów w historii ludzkości, po II wojnie światowej i wzroście wojny atomowej. Ma sens, że widzowie, którzy codziennie stawiali czoła własnemu wyginięciu w wiadomościach wieczornych, w końcu pragnęli powrotu do czegoś bardziej sprzyjającego poczuciu wewnętrznego spokoju i pewnego porządku.

Malarstwo hard-edge z lat 50. i 60. XX wieku oferowało właśnie to. Oferowało powrót do formalnych, klasycznych cech abstrakcji geometrycznej. Zamiast badać horror naszych psychik i chaos inherentny w naszych pierwotnych emocjach, abstrakcja hard-edge oferowała nam schronienie w kontemplacyjnym, medytacyjnym przestrzeni, gdzie forma, kolor, linia i powierzchnia były wszystkim, co się liczyło. Tam mogliśmy medytować nad podstawowymi elementami rzeczy i może przekształcić się, przynajmniej tymczasowo, w coś innego.

Donald Judd - 15 niezatytułowanych prac w betonie, 1980-1984, Marfa, TX, Fundacja Chinati, Marfa

Minimalizm i więcej

Powrót do formalnej, ostrej estetyki pomógł zainspirować ogromną ewolucję twórczą w sztuce abstrakcyjnej w połowie XX wieku. Zainspirował wzrost malarzy Color Field, takich jak Kenneth Noland, którzy używali spłaszczonych powierzchni i dużych pasów koloru, aby tworzyć medytacyjne obrazy, przez które widzowie mogli doświadczać transcendentnych wrażeń. Zainspirował również Post-Painterly abstraction, ruch poświęcony ukrywaniu ręki artysty i podkreślaniu formalnych cech, takich jak kolor, linia, forma i powierzchnia. Pomógł także zainspirować myślenie artystów takich jak Donald Judd oraz tych związanych z Minimalizmem, którzy osiągnęli szczyt bezemocjonalnego wyrazu, przyjmując estetyczny formalizm.

James Turrell - Raethro Pink (projekcja w rogu), 1968, © James Turrell

Większe dziedzictwo

Malarstwo hard-edge zainspirowało również artystów ruchu światła i przestrzeni. Każdy, kto kiedykolwiek był w immersyjnym dziele Jamesa Turrella lub napotkał jedno z jego dzieł, które wykorzystuje "apertury", czyli twarde otwory wycięte w powierzchniach, przez które wpada światło, może wyraźnie dostrzec związek między tym dziełem a malarstwem hard-edge.

Nawet artysta instalacyjny James Irwin został powiązany z dziedzictwem malarzy hard-edge poprzez swoje prace świetlne. Najbardziej znane przykłady to akrylowe instalacje Irwina, w których przezroczysty, zakrzywiony, okrągły kawałek akrylu jest wysunięty na zewnątrz ze ściany, a następnie oświetlony, tworząc linie, geometryczne wzory oraz grę światła i cienia na otaczającej powierzchni. Te prace rozszerzają zasady malarstwa hard-edge na przestrzeń trójwymiarową, pozwalając widzowi na ich zamieszkanie.

Robert Irwin - Bez tytułu, 1969, Farba akrylowa na akrylu odlewanym, 137 cm średnicy, © 2017 Robert Irwin / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork  

Kwestia Perspektywy

Czy malarstwo o ostrych krawędziach jest piękniejsze niż bardziej emocjonalne style malarstwa, czy odwrotnie, to czysto kwestia opinii. A opinie się zmieniają. Wracając do tej Starbucks w Las Vegas, możemy zobaczyć, że to jest prawdziwa istota przesłania, które Georges Rousse może próbować przekazać swoją pracą. Malarstwo o ostrych krawędziach przedstawiające geometryczny kształt może dać nam porządek i klarowność. Ale nie każdy znajduje szczęście w porządku i klarowności. Niektórzy z nas lubią, gdy rzeczy są chaotyczne. Niektórzy z nas cieszą się chaosem. Prawdziwe piękno prac Rousse’a o ostrych krawędziach polega na tym, że przy prostym kroku w dowolnym kierunku krawędzie łagodnieją i przesuwają się. Udowadniają, że perspektywa naprawdę jest wszystkim.

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio