Malarstwo o ostrych krawędziach i estetyka abstrakcyjnego porządku

Czy chciałbyś wejść do obrazu o ostrych krawędziach? Następnym razem, gdy będziesz w Las Vegas, odwiedź hotel i kasyno Cosmopolitan. Na poziomie ulicy znajduje się kawiarnia Starbuck’s. Wejdź do środka i spójrz w górę na ściany. Zauważysz jasne plamy podstawowych kolorów namalowane na różnych powierzchniach i elementach wyposażenia. Na jednej ze ścian zobaczysz podpis człowieka, który namalował te plamy koloru: francuskiego artysty i fotografa Georges’a Rousse’a.

Jeśli przejdziesz na drugi koniec pomieszczenia, zobaczysz miejsce oznaczone na podłodze, zapraszające widzów do stanięcia na nim. Tylko z tego jednego punktu wizja Rousse’a zostaje spełniona. Te pomalowane powierzchnie są częścią iluzji, trójwymiarową realizacją geometrycznego abstrakcyjnego obrazu zajmującego przestrzeń architektoniczną.

John McLaughlin - Bez tytułu, 1951, olej na Masonicie, 60,3 × 70,5 cm, Dzięki uprzejmości Van Doren Waxter

Czym jest obraz o ostrych krawędziach?

Termin „obraz o ostrych krawędziach” został ukuty pod koniec lat 50. XX wieku przez Julesa Langsnera, krytyka sztuki z gazety Los Angeles Times. Określenie odnosiło się do dawnej tendencji, która zaczęła ponownie pojawiać się w różnych stylach abstrakcyjnej sztuki, ale szczególnie była widoczna w Kalifornii w tamtym czasie. Tendencja ta polegała na użyciu geometrycznych form malowanych wyrazistymi, pełnymi kolorami, wyraźnie oddzielonymi od siebie ostrymi, solidnymi krawędziami. Dwóch czołowych malarzy o ostrych krawędziach, do których Langsner się odnosił, tworząc ten termin, to John McLaughlin i Helen Lundeberg.

Ten rodzaj malarstwa był praktykowany od wieków i pojawiał się w wielu różnych kulturach. Nawet w obrębie zachodniej sztuki abstrakcyjnej ta tendencja do pracy z wyrazistymi kolorami, dobrze zdefiniowanymi kształtami i ostrymi krawędziami pojawiała się wcześniej, na przykład w dziełach Kazimira Malewicza i Pieta Mondriana.

Estetyka obrazu o ostrych krawędziach wyszła z mody w latach 40. i 50., częściowo dzięki wzrostowi popularności ekspresyjnych, gestualnych dzieł tworzonych przez ekspresjonistów abstrakcyjnych. Współcześnie termin ten odnosi się nie tyle do jednego konkretnego stylu czy ruchu w malarstwie, ile raczej do tendencji, którą współcześni artyści w różnych stylach stosują i nadal stosują w swojej estetyce.

Helen Lundeberg - Niebieska planeta, 1965, akryl na płótnie, 152 x 152 cm, kolekcja Marilynn i Carla Thoma. © Feitelson Arts Foundation, dzięki uprzejmości Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malewicz - Czerwony kwadrat, 1915, olej na płótnie, 53 × 53 cm, Muzeum Rosyjskie, Petersburg

Filozofia piękna

Dla wielu osób jednym z najbardziej zagadkowych elementów sztuki abstrakcyjnej jest to, że nie odwołuje się ona do żadnej obiektywnej definicji piękna. Przez wieki w świecie zachodnim estetyczne piękno w malarstwie definiowano przez naturalne i figuratywne tematy, takie jak portrety i pejzaże. Przed pojawieniem się abstrakcji oczekiwano, że dzieło sztuki uznane za estetycznie piękne będzie naśladować coś uważanego za piękne w świecie obiektywnym, na przykład anioła, postać historyczną lub łąkę.

Gdy artyści zaczęli rozkładać na części pierwsze elementy malarstwa, zakwestionowali pojęcie tego, co może być piękne. Czy same właściwości światła mogą być uznane za piękne? Impresjoniści tak uważali. Czy sam kolor może być estetycznie piękny? Orfiści tak sądzili. Wiele ruchów artystycznych i artystów później podważało nawet sensowność pojęcia estetycznego piękna. Czy sztuka powinna mieć cokolwiek wspólnego z pięknem?

Piet Mondrian - Kompozycja II w czerwieni, błękicie i żółci, 1930, olej na płótnie, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

Piękno porządku

Bez względu na filozoficzne gry, które artyści, krytycy i akademicy prowadzą między sobą, faktem jest, że piękno ma znaczenie dla widzów. Odbiorcy sztuki chcą przebywać w obecności przedmiotów, które pomagają im czuć się dobrze. Chcą, aby sztuka uczestniczyła z nimi w ich dążeniu do satysfakcji, cokolwiek by to dla nich nie znaczyło. Nawet jeśli każdy krytyk sztuki na świecie uzna dany obraz za ogromnie ważny historycznie, jeśli żaden widz nie chce przy nim przebywać, jego wartość słusznie maleje. Podstawowa prawda, że ludzie lubią otaczać się estetycznie przyjemnymi rzeczami, jest czymś, z czym wiele ruchów abstrakcyjnych się zmagało, a obraz o ostrych krawędziach pomógł wielu widzom się z tym zmierzyć.

W porządku jest piękno. W racjonalności jest piękno. W kolorze jest piękno. W linii jest piękno. W czymś nieskazitelnym, nienaruszonym, czystym i rozsądnym jest piękno. Choć wielu widzów nawet dziś ma trudności z dostrzeżeniem piękna dzieł kubistycznych czy abstrakcyjnych obrazów Wassily’ego Kandinsky’ego, nie da się zaprzeczyć, że jest coś atrakcyjnego, a przynajmniej psychologicznie satysfakcjonującego, w obrazach odpowiadających naszej potrzebie struktury. Geometryczna abstrakcja o ostrych krawędziach w suprematystycznych obrazach Malewicza i dziełach De Stijla Mondriana jest piękna, ponieważ stanowi estetyczny antidotum na chaos.

Jackson Pollock - Niebieskie słupy, lub Numer 11, 1952, emalia i farba aluminiowa ze szkłem na płótnie, 212 × 489 cm, National Gallery of Australia, Canberra

Kwestia gustu

Oczywiście nie oznacza to, że inne rodzaje sztuki abstrakcyjnej nie są piękne. Piękno to kwestia gustu. Na przykład różni widzowie mają różną zdolność do rozplątywania zawiłości. To, co dla jednych wygląda jak chaos, dla innych jest idylliczne. Najwyraźniej powodem, dla którego malarze akcji tacy jak Jackson Pollock i Willem de Kooning odnieśli taki sukces, jest to, że wielu widzów uważało ich dzieła za dostępne, bliskie i piękne. Choć niektórzy uważają obraz Pollocka Niebieskie słupy za bałagan, znacznie więcej widzów postrzega go jako wyraz uniwersalnych ludzkich prawd i pierwotnej osobistej prawdy.

Powodem powrotu obrazu o ostrych krawędziach do mody w latach 50. była być może właśnie emocjonalność ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Powstał on przecież po najgwałtowniejszych, katastrofalnych i pełnych lęku czasach w historii ludzkości, po II wojnie światowej i pojawieniu się broni atomowej. Ma sens, że widzowie, którzy codziennie konfrontowali się z wizją własnego końca w wiadomościach wieczornych, w końcu zapragnęli powrotu do czegoś sprzyjającego wewnętrznemu spokoju i poczuciu porządku.

Obrazy o ostrych krawędziach z lat 50. i 60. właśnie to oferowały. Powrót do formalnych, klasycznych cech geometrycznej abstrakcji. Zamiast patrzeć na horror naszej psychiki i chaos tkwiący w pierwotnych emocjach, abstrakcja o ostrych krawędziach dawała schronienie w kontemplacyjnej, medytacyjnej przestrzeni, gdzie liczyły się tylko forma, kolor, linia i powierzchnia. Tam mogliśmy rozmyślać o podstawowych elementach rzeczy i być może przekształcić się, przynajmniej na chwilę, w coś innego.

Donald Judd - 15 bez tytułu prac w betonie, 1980-1984, Marfa, Teksas, Fundacja Chinati, Marfa

Minimalizm i więcej

Powrót do formalnej, ostrokrawędziowej estetyki pomógł zainspirować ogromną ewolucję twórczą w abstrakcyjnej sztuce w połowie XX wieku. Zainspirował powstanie malarzy pola koloru, takich jak Kenneth Noland, którzy używali spłaszczonych powierzchni i dużych płaszczyzn koloru, tworząc medytacyjne obrazy, przez które widzowie mogli doświadczać transcendentnych doznań. Zainspirował abstrakcję postmalarzy, ruch poświęcony ukrywaniu ręki artysty i podkreślaniu formalistycznych cech, takich jak kolor, linia, forma i powierzchnia. Pomógł także inspirować myślenie artystów takich jak Donald Judd i tych związanych z minimalizmem, którzy osiągnęli szczyt bezemocjonalnego wyrazu, przyjmując estetyczny formalizm.

James Turrell - Raethro Pink (projekcja narożna), 1968, © James Turrel

Szersze dziedzictwo

Obrazy o ostrych krawędziach zainspirowały także artystów ruchu światła i przestrzeni. Każdy, kto kiedykolwiek był w dziele immersyjnym Jamesa Turrella lub zetknął się z jednym z jego dzieł wykorzystujących „apertury”, czyli otwory o ostrych krawędziach wycięte w powierzchniach, przez które przechodzi światło, może wyraźnie dostrzec związek między tymi pracami a obrazami o ostrych krawędziach.

Nawet artysta instalacji James Irwin został powiązany z dziedzictwem malarzy o ostrych krawędziach poprzez swoje prace świetlne. Najsłynniejsze przykłady to instalacje akrylowe Irwina, w których przezroczysty, zakrzywiony, okrągły kawałek akrylu jest wysunięty ze ściany, a następnie oświetlony, tworząc linie, geometryczne wzory i grę światła i cienia na otaczającej powierzchni. Te prace rozszerzają zasady obrazu o ostrych krawędziach na przestrzeń trójwymiarową, pozwalając widzowi na ich zamieszkanie.

Robert Irwin - Bez tytułu, 1969, farba akrylowa na odlewanym akrylu, średnica 137 cm, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Kwestia perspektywy

Czy obraz o ostrych krawędziach jest piękniejszy niż bardziej emocjonalne style malarstwa, czy odwrotnie, to wyłącznie kwestia opinii. A opinie się zmieniają. Wracając do kawiarni Starbucks w Las Vegas, widzimy, że to jest prawdziwa istota przesłania, które Georges Rousse może próbować przekazać swoimi pracami. Obraz o ostrych krawędziach przedstawiający kształt geometryczny może dać nam porządek i jasność. Ale nie każdy odnajduje szczęście w porządku i jasności. Niektórzy z nas lubią, gdy rzeczy są przypadkowe. Niektórzy cenią chaos. Prawdziwe piękno prac Rousse’a o ostrych krawędziach polega na tym, że prosty krok w dowolnym kierunku powoduje, że krawędzie miękną i przesuwają się. Udowadniają, że perspektywa naprawdę jest wszystkim.