Jak zdefiniować malarstwo monochromatyczne

W 1921 roku artysta konstruktywistyczny Aleksander Rodczenko wystawił trzy monochromatyczne obrazy – zatytułowane Czysta czerwień, Czysty błękit oraz Czysta żółć – które uznał za ostateczne wypowiedzi malarskie i ogłosił, że malarstwo umarło. Jeśli monochromatyczne malarstwo rzeczywiście zabiło malarstwo, to malarstwo umarło już tysiąc razy. Starożytni chińscy artyści malowali monochromy, podobnie jak artyści hinduscy. Rodczenko nie był nawet pierwszym nowoczesnym zachodnim artystą, który malował monochromy. Kazimierz Malewicz próbował zabić malarstwo trzy lata wcześniej swoim dziełem Biały na białym. Jednak zamiast zabić malarstwo, monochromy osiągnęły dokładnie odwrotny efekt. Dały mu nowe życie.

Prawdziwe barwy monochromatycznego malarstwa

Poznajemy kolor przez doświadczenie. Każda istota zdolna dostrzegać różne kolory jest także potencjalnie zdolna kojarzyć z nimi osobiste myśli i uczucia. W ten sposób jeden kolor może wywołać wiele różnych reakcji, zależnie od skojarzeń, jakie różni widzowie z nim łączą. Poza tym, że jest stylem malarskim używającym tylko jednego koloru, monochromatyczne malarstwo jest narzędziem transcendentalnym. To sposób, w jaki artyści mierzą się z fenomenem koloru i emocji, koloru i duchowości, koloru i umysłu. Skupiając się na określonym odcieniu jako temacie obrazu, artysta może badać zakres skojarzeń, jakie widzowie mają z tym odcieniem.

Wielu pisarzy, teoretyków i artystów próbowało zdefiniować świadome, podświadome, mistyczne lub naukowe cechy różnych odcieni tworzących świat kolorów. Jednak kolor jest niezwykle subiektywny. Każdy z nas widzi go nieco inaczej, opisuje inaczej i inaczej zapamiętuje. To, jak czujemy się wobec danego koloru, zależy od kontekstów, w których go wcześniej spotkaliśmy. To jedna z przyczyn, dla których monochromatyczne obrazy czasem wywołują kontrowersje. Niezależnie od intencji artysty, monochrom nigdy nie jest ukończony, dopóki widzowie na niego nie spojrzą i nie dodadzą do jego znaczenia własnych uprzedzeń i wyobrażeń.

Kazimierz Malewicz - Kompozycja suprematystyczna, Biały na białym, olej na płótnie, 1917-1918, 79,4 x 79,4 cm, Museum of Modern Art (MoMA), Nowy Jork, NY

Perspektywa jest wszystkim

Kazimierz Malewicz i Aleksander Rodczenko byli konstruktywistami, grupą artystów, którzy uważali, że stare sposoby patrzenia na sztukę – przez linie horyzontu, perspektywy, tematy – są bezużyteczne w nowoczesnej epoce. Pragnęli sztuki, która mogłaby istnieć poza sferą osobistą i być dostępna dla całego społeczeństwa. Nie próbowali zabić malarstwa; chcieli je zdemokratyzować.

Ironią ich wysiłków, by stworzyć mniej osobistą sztukę, było to, że upraszczając paletę i ograniczając lub nawet eliminując słownictwo form, zapraszali do większej introspekcji niż kiedykolwiek. Stworzyli płótna, które zachęcały do złożonych ocen estetycznych. Głębia i złożoność subtelnych odcieni widocznych w Białym na białym dostarczają uważnym obserwatorom nieskończonych godzin kontemplacyjnej przyjemności. A gdy uwzględni się takie czynniki jak oświetlenie i kontekst, pojawiają się zupełnie nowe poziomy refleksji i interpretacji.

Aleksander Rodczenko - Czysta czerwień, 1921, Muzeum Sztuki Regionalnej w Iwanowie © Archiwum A. Rodczenki i W. Stepanowej / DACS 

Treść kontra kontekst

Już w latach 90. XIX wieku Claude Monet malował płótna w jednym kolorze. Jednak te obrazy zawierały treści przedstawiające, więc ograniczona paleta była łatwo pomijana na rzecz domów, drzew czy ziemi na obrazie. Eliminując wszelką treść i skupiając się wyłącznie na kolorze, monochromatyczne malarstwo zmusza widzów do rozważania czegoś całkowicie osobistego. Jeden widz może spojrzeć na monochromatyczny czerwony obraz i całkowicie go odrzucić. Inny może przypomnieć sobie coś osobistego związanego z kolorem czerwonym i połączyć dzieło z tym wspomnieniem. Jeszcze inny może użyć monochromu jako duchowego medium do połączenia się z czymś podświadomym lub uniwersalnym. A ktoś inny może po prostu zareagować estetycznie, uznając go za piękny lub odrażający.

W 1955 roku artysta Yves Klein wystawił wybór monochromatycznych obrazów w różnych kolorach. Publiczność je polubiła, ale interpretowała je jedynie jako dekorację. W reakcji na to niezrozumienie Klein stworzył własny odcień niebieskiego i na swojej kolejnej wystawie w 1957 roku pokazał 11 identycznych płócien pomalowanych dokładnie tym samym kolorem niebieskim. Kolor ten stał się znany jako IKB (International Klein Blue), a efekt tej wystawy na widzach był znacznie głębszy.

Pustka

Klein po wystawie niebieskiej zorganizował wystawę zatytułowaną Pustka, na której usunął wszystko z przestrzeni galerii oprócz szafki i pomalował całe pomieszczenie na biało. Zafarbował zasłonę na IKB i zawiesił ją na wejściu do sali. Skierował uwagę widza z treści artystycznej wystawy na kontekst, w jakim sztuka jest pokazywana. Ta zmiana percepcji z treści na kontekst radykalnie zmieniła sposób oglądania sztuki. A monochromatyczne malarstwo stało się idealnym środkiem do eksploracji tej nowej perspektywy.

Monochromatyczny obraz może łatwo stać się elementem wzbogacającym otoczenie. Może też stać się punktem centralnym przestrzeni, wchodząc w interakcję z kontekstem w sposób przyciągający wyłączną uwagę do siebie. Monochrom może stać się pustką lub ją wypełnić. Może ukazać pustkę w widzu albo widz może wypełnić pozorną pustkę monochromu przeniesioną zawartością doświadczeń.

Aleksander Rodczenko - Czysta żółć, 1921, Muzeum Sztuki Regionalnej w Iwanowie © Archiwum A. Rodczenki i W. Stepanowej / DACS 

Czym więc jest monochrom?

Mówiąc najprościej, jedyną cechą definiującą monochrom jest jednolitość koloru. Jednak monochromatyczne malarstwo to coś więcej niż suma jego składników. Definiuje je także zdolność do przemiany widza lub otoczenia. Przekazuje coś bezpośrednio, na przykład „czerwień”, „błękit” lub „żółć”. A jednocześnie nie przekazuje nic. Czeka na widza, słuchacza, tłumacza w umyśle odbiorcy, zanim zdecyduje, co chce przekazać.

W pewnym sensie monochrom jest zarówno najbardziej przedstawiającym rodzajem malarstwa, jak i najbardziej abstrakcyjnym. To uniwersalny totem. Oferuje coś konkretnego, a jednocześnie przyjmuje wszystko, co mamy do zaoferowania.

Zdjęcie wyróżnione: Yves Klein - Bez tytułu, monochromatyczny błękit (IKB 92), suchy pigment w żywicy syntetycznej na płótnie, zamontowany na desce, 92,1 x 71,8 cm, © 2017 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork/ADAGP, Paryż
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio