W Dubaju, pokaz świętujący mistrzów nowoczesnej sztuki indyjskiej

W Dubaju trwa wystawa, która rzuca rzadkie światło na niektóre z najważniejszych głosów indyjskiej sztuki nowoczesnej. Ukazuje ona bogatą i złożoną historię regionalną; historię, która bywała czasem słabo udokumentowana i wciąż jest pisana. Pokazuje też, że w Indiach nie istniała jedna historia modernizmu, lecz wiele różnych historii. Tytuł tej wystawy, The Singular and The Plural, oddaje hołd tej rzeczywistości. Wielu widzów przychodzących na tę wystawę ma już ukształtowane wyobrażenie o naturze sztuki indyjskiej. Miejsca z epoki mezolitu wskazują, że subkontynent indyjski był zamieszkany przez ludzi tworzących sztukę od ponad 30 000 lat. Jednak nowoczesne państwo, które nazywamy Indiami — największa demokracja na świecie, z większą liczbą ludności niż Europa i Stany Zjednoczone razem wzięte — obchodziło w zeszłym roku swoje 70. urodziny. Indyjski modernizm wyłonił się z procesu samopoznania i eksperymentów, który zmagał się z dobrze znanymi korzeniami przodków, ale także z wpływami kolonialnymi i pytaniami o przyszłość indyjskiej sztuki. Na wystawie zaprezentowano kilka ruchów nowoczesnej sztuki indyjskiej, w tym Szkołę Bengal, Grupę Kalkucką oraz Grupę Artystów Postępowych. Każda z tych grup realizowała unikalną estetykę. The Singular and The Plural łączy je wszystkie, wraz z wieloma innymi indyjskimi artystami nowoczesnymi, którzy wypracowali własną, osobliwą wizję. Przedstawia przekonujące świadectwo wielu ścieżek, które ci artyści wytyczyli, starając się stworzyć nowy indyjski wizualny język. Pokazuje, jak byli pod wpływem świata zewnętrznego i własnej przeszłości, a jednocześnie jak otwierali drzwi do nowych możliwości poprzez eksperymenty.

Kultura oporu

Jako jedna z najstarszych cywilizacji na ziemi, Indie były przez wieki subtelnie kształtowane przez wiele zewnętrznych sił. Niemniej jednak przez większość historii sztuka i kultura indyjska rozwijały się i zachowywały odrębny charakter. Wszystko to zaczęło się zmieniać w połowie XVIII wieku, gdy europejska potęga kolonialna gwałtownie narzuciła się w tym regionie, wywierając presję na wszystkie aspekty życia w Indiach — od jedzenia, przez architekturę, po sztukę. Jednak przez cały okres kolonialny istniała kultura oporu, która trzymała się starożytnych rodzimych tradycji. Od tego właśnie zaczyna się ta wystawa. To było sercem działań Szkoły Bengal — grupy artystów, która na długo przed niepodległością Indii zaczęła zadawać pytania o to, jak wyrazić nowoczesny indyjski stan kultury.

Ich badania rozpoczęły się od malarstwa mogolskiego, rodzaju miniaturowej, figuratywnej sztuki sięgającej czasów tuż przed wpływami kolonialnymi. Artyści tacy jak Abanindranath Tagore i Nandlal Bose odzyskali ten styl sztuki, i zrobili to na długo przed niepodległością, stając się jednymi z pierwszych, którzy odrzucili zachodnie nauki dominujące w indyjskich szkołach artystycznych na początku XX wieku. Choć nawiązywała do przeszłości, ich twórczość była awangardowa, ponieważ odrzucała status quo. Wkrótce potem pojawiła się Grupa Kalkucka, która również przyjęła ideę oporu. Artyści z tej grupy, tacy jak Nirode Mazumdar i Paritosh Sen, poszli dalej niż odrzucenie kultury europejskiej — odrzucili także tematy religijne i czysto figuratywne obrazy. Początkowo byli szeroko potępiani jako skandaliczni, ale po uzyskaniu niepodległości ich wpływ na indyjski modernizm był głęboki.

M. F. Husain - Wizja Muzeum Abu Dhabi, 2008, akryl na płótnie

Eksperymenty wizualne

W 1947 roku powstała Grupa Artystów Postępowych. Głównie działająca w Bombaju, grupa ta przyswoiła filozofie swoich poprzedników — obejmując historię Indii i jednocześnie opowiadając się za większą swobodą estetyczną. Otworzyli się także na eksplorację idei artystów międzynarodowych. Obrazy Ganesha Pyne prowadzą przejmującą rozmowę z surrealizmem, choć pozostają wyraźnie wierne indyjskiej kulturze. Kolorowe, abstrakcyjne obrazy S. H. Razy ewoluowały przez dziesięciolecia, wykorzystując różne języki wizualne, od lirycznej abstrakcji, przez suprematyzm, aż po orfizm. Tymczasem M. F. Husain wyraźnie czerpał inspirację od Picassa; Sanat Kar był zainspirowany neoklasycyzmem; a F. N. Souza rozwinął unikalną, ekspresyjną odmianę sztuki brut.

Na tej wystawie jest jednak kilku artystów, którzy wyróżniają się dzięki pewnym, osobliwym głosom wizualnym. Abstrakcyjne i senne kolory oraz kształty w pracach Vasudeo S. Gaitonde są ponadczasowe. Biomorficzne abstrakcyjne kompozycje Jerama Patela wyraźnie deklarują swoją indyjską tożsamość, a jednocześnie są uniwersalnie wzniosłe. Fantastyczne abstrakcyjne obrazy Krishny Reddy są odświeżająco żywe i niepodobne do niczego, co wcześniej widziałem. A potem są kolorzyści: Jagdish Swaminathan, którego kapryśne obrazy wynoszą kolor na szczyty uniesienia, jednocześnie kojąc duszę prostotą; oraz Sohan Qadri, którego intensywnie dramatyczne prace kwestionują percepcję wzrokową.

Krishen Khanna - Bez tytułu, olej na płótnie, 91 x 61 cm

Mit jedyności

Najbardziej oczywiste podczas tej wystawy jest to, że nie istnieje jeden styl nowoczesnej sztuki indyjskiej. Z drugiej strony, nie ma też artysty na tej wystawie, którego prace nie odwoływałyby się w jakiś sposób — czy to figuratywnie, formalnie, czy abstrakcyjnie — do wspólnego indyjskiego dziedzictwa, które wszyscy ci artyści dzielą. Ich twórczość jest tak samo wyraźnie indyjska, jak prace malarzy Szkoły Nowojorskiej są wyraźnie amerykańskie. A może to tylko moja interpretacja, która nie byłaby oczywista bez mojej wcześniejszej wiedzy o temacie wystawy.

W każdym razie uważam, że ta wystawa to objawienie. Obala pojęcia ideologii i zaprasza do świętowania otwartości. Przypomina mi, że jedyność w kulturze to mit; że nie ma jednej historii Indii, ani jednej historii Europy, ani jednej historii Ameryki. Nie ma też jednej historii abstrakcji ani jednej historii modernizmu. Wszystkie historie opowiadane są w liczbie mnogiej. The Singular and The Plural jest prezentowana w Galerii 1x1, w kompleksie artystycznym Alserkal Avenue w Dubaju, do 28 lutego 2018 roku.

M. F. Husain - Bez tytułu, olej na płótnie, 122 x 145 cm, około lat 70.

Zdjęcie główne: SH Raza - Bindu, 1999, akryl na płótnie

Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio