Robert Morris - Artysta i Rzeźbiarz Jak Żaden Inny

Robert Morris zdefiniował sztukę, ledwie ją definiując. Powiedział: „Sztuka to przede wszystkim sytuacja.” Przeformułowując to w ludzkich kategoriach, wyobraź sobie, że spotykasz Morrisa na przyjęciu i przedstawiono ci go jako „Robert Morris, Artysta.” Twoja reakcja na to przedstawienie byłaby zupełnie inna niż w przypadku, gdyby został przedstawiony jako „Robert Morris, Naukowiec” lub „Robert Morris, Hydraulik.” Każda etykieta ma swoje własne konotacje. To, jak zareagujesz na każdą z nich, zależy od wielu rzeczy, takich jak rodzaj przyjęcia, kto są inni goście i jakie są twoje osobiste założenia na temat artystów, naukowców i hydraulików. Teraz zastosuj tę samą linię myślenia do sztuki. Na przykład, rozważ ikoniczne dzieło Morrisa Untitled (Pink Felt) (1970). To dzieło zasadniczo składa się z kilku różowych pasków filcu rzuconych w stos na podłodze. Gdybyś napotkał to po raz pierwszy, oczywiście natychmiast zacząłbyś z nim intelektualnie interagować. Ale kierunek, w którym poprowadzi cię twój intelekt, byłby zupełnie inny, gdybyś usłyszał, że stos filcu to sztuka, niż gdybyś usłyszał, że to resztki po projekcie budowlanym. Jak wszystko inne w życiu, sztuka nie jest definiowana przez jej fizyczny opis, jej formalne cechy ani nawet jej koncepcyjne podstawy. Okoliczności są wszystkim. Coś może być sztuką lub nie – wszystko zależy od sytuacji.

Co sprawia, że sztuka działa

Robert Morris rozpoczął swoją karierę akademicką jako student inżynierii, więc może nie jest zaskoczeniem, że prowadził swoją karierę artystyczną, demonstrując fundamentalną świadomość podstawowych procesów, które sprawiają, że rzeczy działają. Nie tylko zawsze wykazywał zainteresowanie procesami prowadzącymi do stworzenia dzieła sztuki, ale także okazywał ciągłą fascynację podstawowym pytaniem, czym jest dzieło sztuki w sensie użytkowym — jakie ma przeznaczenie, jakie ma znaczenie i jakie ma zastosowanie dla ludzkości. W ramach swojej misji odkrycia odpowiedzi na te pytania, badał wiele różnych form ekspresji artystycznej. Oprócz malarstwa, rysunku i rzeźby, pracował w dziedzinach tańca, choreografii, teatru i muzyki. Na początku swojej kariery artystycznej zainteresował się rolą ruchu w sztukach scenicznych oraz tym, jak ruch odnosi się również do sztuk plastycznych. Zaczynał nie tylko postrzegać obiekty estetyczne jako relikty performatywnych gestów, ale także dostrzegał, że ich ostateczna forma jest nieistotna, ponieważ podstawowe procesy ich tworzenia były prawdziwym wyrazem twórczego iskry.

Robert Morris - Untitled, 1974, Dark gray felt, metal grommets, 107 × 220 × 43 in, 271.8 × 558.8 × 109.2 cm, Castelli Gallery, New York, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Dwa wczesne dzieła, które Morris stworzył w 1969 roku, wyraźnie komunikowały jego uczucia dotyczące procesu twórczego. Jedno nosiło tytuł Untitled (Scatter Piece), a drugie Continuous Project Altered Daily. Oba były wystawiane w Leo Castelli Gallery Warehouse przy West 108th Street w Nowym Jorku. Scatter Piece było dokładnie tym, na co wygląda – mnóstwem obiektów rozrzuconych w przestrzeni. Połowa obiektów była wykonana z miękkiego filcu, a druga połowa z metalu. Wymiary i wygląd obiektów były określane przez mieszankę przypadkowości i arbitralnych wyborów. Tymczasem Continuous Project było konglomeratem brudu i odpadków zdobytych w mieście. Każdego dnia Morris przychodził i wprowadzał zmiany do Continuous Project, dodając do niego, odejmując od niego lub przesuwając jego elementy. Wygląd lub układ obiektów były nieistotne. Celem obu dzieł było po prostu sprawienie, by ludzie przychodzili i poruszali się wokół różnych elementów, aby mogli poczuć się w obecności rzeczy i stać się częścią sytuacji.

Robert Morris - Untitled (Scatter Piece), 1968-69, felt, steel, lead, zinc, copper, aluminum, brass, dimensions variable, installation view at Leo Castelli Gallery, New York. Photo Genevieve Hanson. © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Świadomość obiektów w przestrzeni

Morris kontynuował badanie pojęcia, że formalne rozważania są nieistotne, tworząc prace dla galerii i muzeów, które wykorzystywały najprostsze geometryczne formy. Tworzył duże sześciany, formy „L”, kwadratowe łuki i pudełka. Każdy obiekt miał być przeznaczony wyłącznie do interakcji z ludźmi w przestrzeni. Oprócz tworzenia prac dla galerii i muzeów, Morris był również pionierem ruchu Land Art. Land Art to sztuka, która istnieje na zewnątrz i wykorzystuje naturalne środowisko. Zwykle ma charakter eteryczny i niearchiwalny. Morris wykorzystał Land Art, aby wyeliminować barierę między ludźmi a przestrzeniami przeznaczonymi na tzw. sztukę. Jednym z jego najbardziej monumentalnych dzieł Land Art jest Obserwatorium. Znajduje się w Flevoland, Holandia, i składa się z dwóch koncentrycznych okręgów ziemnych, na których teraz rośnie trawa. Cztery wejścia w zewnętrznym okręgu są wyrównane z wschodem słońca podczas równonocy, co sprawia, że dzieło to jest rodzajem współczesnego Stonehenge.

Robert Morris - Observatory, 1997, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Jedną z najbardziej uderzających rzeźb, które Morris stworzył w ostatnim czasie, jest jego Szklany Labirynt, na stałe zainstalowany na terenie Muzeum Sztuki Nelson-Atkins w Kansas City w stanie Missouri (mieście, w którym się urodził). Widząc go z góry, labirynt ma kształt trójkąta przeciętego geometrycznym labiryntem. Ludzie wchodzą do labiryntu i przechodzą przez ścieżki, aż znajdą wyjście. Ściany mają wysokość siedmiu stóp i są wykonane z jednego cala grubej szkła. To najczystsze szkło na Ziemi, więc podczas gdy ludzie przechodzą przez labirynt, nie są w stanie określić, ile szyb szkła znajduje się między nimi a światem zewnętrznym. Dzieło to podsumowuje wiele z tego, co reprezentuje Morris. Składa się z prostych form geometrycznych, a jednak zapewnia głębokie doświadczenie fizyczne; jego obecność jest determinowana przez okoliczności otoczenia; jest ściśle związane z naturą; jest efemeryczne, nieustannie zmieniając się, gdy widać w nim nieustannie zmieniający się świat; a co najważniejsze, jego status jako sztuki zależy od jego sytuacji — sytuacji, która nigdy nie jest kompletna, dopóki ktoś z nas się nie pojawi, aby wchodzić z nim w interakcję i uczynić je całością.

Robert Morris - Glass Labyrinth, 2013, Glass, steel, bronze and stone, 50 x 50 x 50 feet, 15.24 x 15.24 x 15.24 meters, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Obraz wyróżniający: Robert Morris - Bez tytułu (Różowe filc), 1970, Kawałki filcu w różnych rozmiarach, wymiary ogólne zmienne, Muzeum Solomona R. Guggenheima, Nowy Jork, Kolekcja Panza, 1991, © 2018 Robert Morris / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio