Muzyka koloru Sama Gilliama w Bazylei

W związku z rozpoczęciem Art Basel 2018, Kunstmuseum Basel niedawno otworzyło to, co nazywane jest pierwszą europejską wystawą solową amerykańskiego artysty abstrakcyjnego Sama Gilliama. Tytuł wystawy to Muzyka koloru: Sam Gilliam, 1967 – 1973, a w jej skład wchodzi łącznie 45 prac skomponowanych z prywatnych i instytucjonalnych zbiorów z Stanów Zjednoczonych i Europy. W opinii wielu współczesnych artystów, Gilliam jest jednym z najważniejszych amerykańskich malarzy, nie tylko dlatego, że jego prace są piękne, ale także z powodu wkładu, jaki wniósł do współczesnej teorii sztuki. Jego innowacje zburzyły wcześniejsze wyobrażenia w kluczowym momencie i bezpośrednio zakwestionowały niektóre z najgłośniejszych głosów jego pokolenia. Tak ważne były jego pomysły, że może być trudno uwierzyć, iż Gilliam nigdy wcześniej nie miał wystawy solowej w Europie. Jednak, jeśli naprawdę przyjrzeć się jego karierze, może to nie być takie zaskoczenie. Gilliam zawsze robił rzeczy po swojemu. Mimo że jego prace pomogły ukształtować wieloaspektowy rynek sztuki, który znamy dzisiaj, nigdy nie dostosowywał się do oczekiwań tego rynku. Krótko mówiąc, Gilliam jest buntownikiem. Mimo że reprezentował Stany Zjednoczone na Biennale w Wenecji dwukrotnie — w 1972 i 2017 roku — dopiero niedawno podpisał kontrakt z galerią, po raz pierwszy w swojej karierze. W przeszłości, nawet gdy był w centrum uwagi, głównie sprzedawał swoje prace samodzielnie, z własnego studia. Niemniej jednak, jego nabywcami były dziesiątki najbardziej prestiżowych muzeów na świecie, w tym Tate Modern, Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku, Metropolitan Museum of Art, MoMA oraz National Gallery of Art w Waszyngtonie, które wszystkie posiadają jego prace. Jego gotowość do nigdy nie robienia tego, co się oczekuje, mogła być tym, co powstrzymało Gilliama od bycia tematem monograficznej wystawy europejskiej aż do teraz. Ale to także to, co doprowadziło do jego największych przełomów. Jego wyjątkowa pewność siebie w swojej wizji czyni Gilliama idealnym przedstawicielem niezależności w świecie sztuki, a to, co uczyniło go żywą legendą w świecie współczesnej sztuki abstrakcyjnej.

Na fazowanej krawędzi

Urodzony w 1933 roku, Gilliam rozpoczął swoją karierę zawodową w czasie, gdy trendy zmierzały w kierunku minimalizmu, abstrakcji geometrycznej i postpainterly abstraction. Podobnie jak wielu innych malarzy jego pokolenia, zaczął od malowania dokładnie tego rodzaju prac. Jego geometrystyczne prace abstrakcyjne z wczesnych lat 60. przypominają dzieła artystów takich jak Frank Stella, Max Bill czy Carmen Herrera. Rok, w którym wszystko się zmieniło dla Gilliama, to 1967. Wtedy przyjął zupełnie inną metodę wylewania farby akrylowej bezpośrednio na niegruntowane płótno, a następnie składania płótna, gdy farba była jeszcze mokra. Następnie pozwalał płótnu wyschnąć, aby pogniecione linie na zawsze zostały wkomponowane w materiał. Dopiero wtedy naciągał płótno na ramy.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Akryl na płótnie, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, dzięki uprzejmości artysty, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork, oraz David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zurych.

Linie wynikające z tej metody służą jako pozostałości ręki artysty i dodają struktury oraz wymiarowości obiektowi sztuki. Ta innowacja sama w sobie była przełomowa. Jednak Gilliam na tym nie poprzestał. Następnie zaokrąglił krawędzie swoich belek ramowych, co przyciągnęło nową uwagę do boków obrazu, nadając im równą wagę obok powierzchni. Zaokrąglone krawędzie sprawiły, że obrazy wydawały się wychodzić na zewnątrz ze ściany, a nie po prostu na niej wisieć. To nadało obrazom niemal rzeźbiarską obecność. Nazwał te prace „Obrazami Plasterkowymi”. Słowo plasterek miało wiele znaczeń. Belki ramowe zostały pokrojone, tworząc efekt zaokrąglenia. Ponadto, fałdy na płótnie działały jak plasterki w obraz, tworząc nieprzewidywalne kombinacje kolorów i niespodziewane wariacje strukturalne w dziele, przypominające koryta rzek wyżłobione w powierzchni Ziemi.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Akryl na płótnie, dębowe belki. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, dzięki uprzejmości artysty, Kunstmuseum Basel oraz David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zurych

Nigdy nie tak samo dwa razy

Następną innowacją, z której znany jest Gilliam, była jego pierwsza „Malowidło z drapowaniem”, stworzona w 1968 roku. Ta seria prac zamieszkuje teoretyczną przestrzeń gdzieś pomiędzy malarstwem, rzeźbą a instalacją, ponieważ eliminuje ramy, tym samym rozszerzając definicję tego, czym może być obraz. Gilliam malował swoje „Malowidła z drapowaniem” tą samą metodą, którą stosował w swoich „Malowidłach z plasterkami”, wylewając farbę akrylową bezpośrednio na niegruntowane płótno. Ale gdy obraz był gotowy, zamiast go zgniatać i rozciągać, po prostu zawiesił płótno bezpośrednio na ścianie, jak zasłonę lub element odzieży. Jego „Malowidła z drapowaniem” wyniosły ideę uformowanego płótna na nowy poziom, pozwalając pracy przyjąć zupełnie nową konfigurację za każdym razem, gdy jest prezentowana. Gilliam z radością zauważył, że jego „Malowidła z drapowaniem” nigdy nie są pokazywane w ten sam sposób dwa razy.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, akryl na płótnie, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, dzięki uprzejmości artysty oraz Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Waszyngton DC. ©2018, ProLitteris, Zurych

Od jego głównych przełomów pod koniec lat 60. Gilliam nadal eksperymentuje i rozwija się jako artysta. Poszerzył swoje możliwości powierzchni, malując na papierze i drewnie. Zbadał również granice kolażu, znajdując coraz więcej sposobów na łączenie materiałów, mediów i technik. Mimo oczywistych różnic w jego różnych zbiorach prac, istnieje jeden aspekt wszystkiego, co zrobił Gilliam, który definiuje jego unikalny wkład w sztukę współczesną, a dotyczy on tego, jak pomógł nam zrozumieć, że malarstwo i rzeźba naprawdę są tym samym. Ludzie często mówią, że artysta zatarł granice między malarstwem a rzeźbą, być może dlatego, że ich obrazy mają wymiar, lub dlatego, że wiszą z sufitu lub stoją na podłodze. Gilliam osiągnął znacznie więcej niż to. Naprawdę traktuje swoje powierzchnie tak samo, jak rzeźbiarz mógłby traktować metal, marmur lub glinę. Udowadnia, że powierzchnia obrazu ma zdolność do przekazywania emocji, opowiadania historii lub komunikowania formalnych tematów. Definiuje powierzchnię jako coś więcej niż wsparcie—czyni ją medium samym w sobie. Muzyka Koloru: Sam Gilliam, 1967 – 1973 jest wystawiana do 30 września w Kunstmuseum Basel.

Obraz wyróżniony: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Akryl na płótnie, 304.8 x 2269 cm. Kolekcja Corcoran, Waszyngton D.C. © 2018, ProLitteris, Zurych

Autor: Phillip Barcio