Muzyka koloru Sama Gilliama w Bazylei
W związku z rozpoczęciem Art Basel 2018, Kunstmuseum Basel niedawno otworzyło to, co nazywane jest pierwszą w historii europejską indywidualną wystawą dzieł amerykańskiego artysty abstrakcyjnego Sam Gilliam. Wystawa zatytułowana Muzyka Koloru: Sam Gilliam, 1967 – 1973 prezentuje łącznie 45 prac wybranych z kolekcji prywatnych i instytucjonalnych ze Stanów Zjednoczonych i Europy. Według wielu współczesnych artystów, Gilliam jest jednym z najważniejszych amerykańskich malarzy, nie tylko dlatego, że jego prace są piękne, ale także ze względu na wkład, jaki wniósł do współczesnej teorii sztuki. Jego innowacje przełamały utarte schematy w kluczowym momencie i bezpośrednio podważyły poglądy jednych z najgłośniejszych głosów jego pokolenia. Jego idee były tak ważne, że trudno uwierzyć, iż Gilliam nigdy wcześniej nie miał indywidualnej wystawy w Europie. Jednak jeśli dokładnie przeanalizować jego karierę, nie jest to aż tak zaskakujące. Gilliam zawsze robił rzeczy po swojemu. Mimo że jego prace pomogły ukształtować wieloaspektowy rynek sztuki, jaki znamy dzisiaj, nigdy nie spełniał oczekiwań tego rynku. Jednym słowem, Gilliam jest buntownikiem. Pomimo że dwukrotnie reprezentował Stany Zjednoczone na Biennale w Wenecji — w 1972 i 2017 roku — dopiero niedawno podpisał kontrakt z galerią, po raz pierwszy w swojej karierze. W przeszłości, nawet będąc w centrum uwagi, głównie sprzedawał swoje prace sam, bezpośrednio ze swojego atelier. Niemniej jednak jego nabywcami były dziesiątki najbardziej prestiżowych muzeów na świecie, w tym Tate Modern, Guggenheim Museum w Nowym Jorku, Metropolitan Museum of Art, MoMA oraz National Gallery of Art w Waszyngtonie, które posiadają jego dzieła. Jego gotowość do niepodporządkowywania się oczekiwaniom mogła być powodem, dla którego Gilliam nie był dotąd bohaterem monograficznej wystawy w Europie. Ale to właśnie dzięki temu dokonał swoich największych przełomów. Jego wyjątkowa pewność własnej wizji czyni z niego idealnego przedstawiciela niezależności w świecie sztuki i sprawiła, że stał się żywą legendą współczesnej sztuki abstrakcyjnej.
Na ściętym brzegu
Urodzony w 1933 roku, Gilliam rozpoczął swoją zawodową karierę w czasach, gdy trendy zmierzały ku minimalizmowi, abstrakcji geometrycznej i postmalarstwu abstrakcyjnemu. Jak wielu innych malarzy swojego pokolenia, zaczynał od tworzenia właśnie takich prac. Jego geometryczne abstrakcje o ostrych krawędziach z początku lat 60. przypominają dzieła artystów takich jak Frank Stella, Max Bill czy Carmen Herrera. Rok, w którym wszystko się zmieniło dla Gilliama, to 1967. Wtedy przyjął zupełnie inną metodę polegającą na wylewaniu farby akrylowej bezpośrednio na niegruntowane płótno, a następnie składaniu płótna, gdy farba była jeszcze mokra. Następnie pozwalał płótnu wyschnąć, tak aby zagniecenia na stałe wtopiły się w materiał. Dopiero wtedy napinał płótno na blejtram.
Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Akryl na płótnie, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Fot. Fredrik Nilsen, za zgodą artysty, Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku oraz David Kordansky Gallery w Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zurych
Sam Gilliam - Rondo, 1971. Akryl na płótnie, dębowe belki. 261 x 366 x 198 cm. Fot. Lee Thompson, za zgodą artysty, Kunstmuseum Basel oraz David Kordansky Gallery w Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zurych
Nigdy dwa razy tak samo
Kolejna innowacja, z której Gilliam jest znany, pojawiła się w 1968 roku, kiedy stworzył swoje pierwsze „Obrazy Zasłonowe”. Ten cykl prac zajmuje teoretyczną przestrzeń gdzieś pomiędzy malarstwem, rzeźbą a instalacją, ponieważ eliminuje blejtramy, rozszerzając tym samym definicję obrazu. Gilliam malował swoje „Obrazy Zasłonowe” tą samą metodą, którą stosował przy „Obrazach Plaszczyznowych”, wylewając farbę akrylową bezpośrednio na niegruntowane płótno. Jednak gdy obraz był gotowy, zamiast go zgniatać i napinać, po prostu zawieszał płótno na ścianie, jak zasłonę lub ubranie. Jego „Obrazy Zasłonowe” wyniosły ideę ukształtowanego płótna na nowy poziom, pozwalając dziełu przyjmować zupełnie nową formę za każdym razem, gdy jest prezentowane. Gilliam z zadowoleniem zauważył, że jego „Obrazy Zasłonowe” nigdy nie są pokazywane dwa razy tak samo.
Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, akryl na płótnie, 203 x 144 x 30 cm. Fot. Cathy Carver, za zgodą artysty oraz Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Waszyngton DC. ©2018, ProLitteris, Zurych
Od swoich wielkich przełomów pod koniec lat 60. Gilliam nie przestaje eksperymentować i rozwijać się jako artysta. Poszerzył zakres powierzchni, malując na papierze i drewnie. Badał także granice kolażu, znajdując coraz więcej sposobów łączenia materiałów, technik i środków wyrazu. Pomimo pozornych różnic we wszystkich jego różnych cyklach prac, istnieje jeden aspekt wszystkiego, co Gilliam zrobił, który definiuje jego wyjątkowy wkład we współczesną sztukę — to sposób, w jaki pomógł nam zrozumieć, że malarstwo i rzeźba naprawdę są tym samym. Ludzie często mówią, że artysta zatarł granice między malarstwem a rzeźbą, być może dlatego, że jego obrazy mają wymiar, albo wiszą pod sufitem lub stoją na podłodze. Gilliam dokonał czegoś znacznie więcej. Naprawdę traktuje swoje powierzchnie tak, jak rzeźbiarz traktuje metal, marmur czy glinę. Udowadnia, że powierzchnia obrazu ma zdolność wyrażania emocji, opowiadania historii czy przekazywania formalnych treści. Definiuje powierzchnię nie tylko jako podłoże — czyni ją medium samym w sobie. Muzyka Koloru: Sam Gilliam, 1967 – 1973 jest dostępna do oglądania do 30 września w Kunstmuseum Basel.
Zdjęcie główne: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Akryl na płótnie, 304,8 x 2269 cm. Kolekcja Corcoran, Waszyngton D.C. © 2018, ProLitteris, Zurych
Autor: Phillip Barcio
