Fajne Lata w LA i Wczesne Prace Judy Chicago

Judy Chicago jest bez wątpienia jedną z najbardziej wpływowych artystek współczesnych czasów. Jej monumentalna instalacja „Dinner Party” (1974-79), będąca częściowo ikoną minimalizmu, a częściowo feministycznym arcydziełem, wywołała jednocześnie krytykę i uznanie, ustanawiając ją jako pionierkę kultury. Jednak wielu nadal nie zna jej wczesnych prac. Chicago była tak ważnym i płodnym członkiem awangardy od lat 70., że wiele jej eksperymentalnych dzieł z lat 60. nigdy nie zostało pokazanych współczesnym widzom, w tym wielu jej największym fanom. Na szczęście tego lata, w oczekiwaniu na retrospektywę Judy Chicago, która otworzy się w grudniu w Miami MOCA podczas Art Basel Miami Beach, Villa Arson w Nicei we Francji organizuje innowacyjną wystawę, która ma na celu przywrócenie jej wczesnych eksperymentów do światła dziennego i oddanie im należnego szacunku. Wystawa zatytułowana Los Angeles, the cool years / Judy Chicago oferuje szczegółowy i intymny wgląd w liczne fazy estetyczne, przez które przeszła Chicago przed stworzeniem „Dinner Party”. Pokazuje niesamowity zakres pomysłów, które artystka rozwijała w tym ważnym dziesięcioleciu, oraz rzuca światło na niezaprzeczalny geniusz, który był i nadal jest całkowicie oddany otwartości i rozwojowi.

Siła imienia

Judith Sylvia Cohen urodziła się w Chicago, Illinois, w 1939 roku. Jej ojciec, Arthur Cohen, był liberalnym i otwartym rabinem, który zaszczepił zarówno Judy, jak i jej bratu, zamiłowanie do sztuki i muzyki, a także szacunek dla równości płci i praw pracowników. Judy miała zaledwie pięć lat, gdy zaczęła uczęszczać na zajęcia w Instytucie Sztuki w Chicago. Niestety, jej ojciec zmarł, gdy Judy miała zaledwie 13 lat. Pięć lat później Judy opuściła rodzinne miasto i przeprowadziła się do Kalifornii, gdzie zapisała się na studia artystyczne na UCLA. Tam poznała swojego pierwszego męża, Jerry’ego Gerowitza, który tragicznie zginął w wypadku samochodowym zaledwie pięć lat później, pozostawiając Judy wdową w wieku 23 lat. W obliczu tych druzgocących strat – ojca i pierwszego męża – Judy stanęła przed okrutną, ironiczną prawdą, że jedyne nazwiska, pod którymi była znana, należały do mężczyzn. Pomimo miłości do nich, nie mogła pogodzić się z faktem, że nigdy nie miała szansy wybrać własnej tożsamości.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Malowanie sprayem na masce Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Za zgodą artystki i Salon 94 Gallery, Nowy Jork. ADAGP 2018

Podczas pracy nad tytułem magistra, Judy zmagała się z pytaniem, kim naprawdę jest i jak powinna się nazywać. Około 1965 roku rozpoczęła serię obrazów na maskach samochodowych, które zawierały symbole związane z rolami płciowymi i seksualnością. Powierzchnia tych prac boleśnie odzwierciedlała okoliczności, w których niedawno zmarła jej miłość. W 1967 roku ukazał się esej Lucy Lippard i Johna Chandlera zatytułowany „Dematerializacja sztuki”, który zainspirował Judy do rozważenia prawdziwej wartości konkretnych przedmiotów, a także materialnych etykiet związanych z tożsamością. W 1969 roku wyraziła swoje poglądy na ten temat w serii prac „Atmosphere”, w których fajerwerki tworzyły chmury ulotnego dymu. Do 1970 roku jej prace pomogły jej osiągnąć moment zdecydowania. Rozpuściła swoją dawną tożsamość i wyłoniła się jako pewniejsza siebie, samorealizująca się artystka. Na znak świętowania zamieściła ogłoszenie w Artforum i jednocześnie zawiesiła baner na jednej ze swoich solowych wystaw, na którym widniał napis: „Judy Gerowitz niniejszym zrzeka się wszystkich imion narzuconych jej przez męską dominację społeczną i wybiera własne imię, Judy Chicago.”

Judy Chicago - Evening Fan z serii Fresno Fans, 1971. Lakier akrylowy natryskiwany na akryl, 152,4 x 304,8 cm. Za zgodą artystki i Salon 94 Gallery, Nowy Jork. ADAGP 2018

Wszystkie kształty i kolory

Obok bardzo osobistych prac, które Judy Chicago tworzyła w latach 60., stworzyła także kilka cykli dzieł podejmujących bardziej akademickie kwestie, które wówczas pojawiały się w świecie sztuki. Obecna wystawa w Villa Arson w Nicei rekonstruuje kilka z tych przełomowych dzieł. Jednym z nich jest „Feather Room” (1967), biała przestrzeń galerii w kształcie sześcianu wypełniona piórami sięgającymi do kolan. Inne, zatytułowane „Rearrangeable Rainbow Blocks” (1965), oferuje dowcipne, oparte na zabawie spojrzenie na minimalizm, przeciwstawiając się stoickiemu, zdominowanemu przez mężczyzn punktowi widzenia artystów takich jak Donald Judd czymś płynnym, twórczym i otwartym. Oglądanie tych prac razem z jej dziełami na maskach samochodowych i obrazami z serii „Atmospheres” daje znacznie bardziej złożony obraz Chicago niż większość innych wystaw w przeszłości. Ta wystawa ukazuje bystrą, inteligentną, wysoce konceptualną osobę, która nie boi się wyrażać zarówno swojej intelektualnej strony, jak i poetyckiej, ludzkiej natury. To pokaz pełen uczuć i serca, dający nam współczujące, wszechstronne spojrzenie na Chicago, na jakie ta artystka zasługuje.

Judy Chicago - Rearrangeable Rainbow Blocks, 1965. Lakier na aluminium, 12 elementów: 6 bloków 30,5 x 30,5 x 121,9 cm oraz 6 bloków 61 x 61 x 30,5 cm. Za zgodą artystki i Salon 94 Gallery, Nowy Jork. ADAGP 2018

Ponadto Géraldine Gourbe, kuratorka tej wystawy, podjęła innowacyjny pomysł, by na nowo wyobrazić sobie, jakie są zwykle ograniczenia wystawy solowej. Nazywając tę wystawę „monograficzną i zbiorową”, zaaranżowała ją z perspektywy, że nie możemy w pełni docenić prac Chicago z tego kluczowego okresu jej życia bez zobaczenia także ważnych dzieł kilku współczesnych jej artystów, którzy bezpośrednio na nią wpływali. Bardzo podoba mi się ten pomysł, że wystawa solowa może również zawierać niewielki wybór prac innych artystów, którzy inspirowali prezentowaną artystkę do tworzenia pokazywanych dzieł. W tym przypadku inne prace na wystawie pochodzą od Marcii Hafif, Johna McCrackena, Roberta Morrisa, Bruce’a Naumana, Pat O'Neilla i DeWaina Valentine’a, z których każdy jest innowatorem na swój sposób. Pomagają one pokazać, że mimo przechodzenia przez bardzo osobiste doświadczenia, Chicago nie działała ani nie myślała w próżni. Co więcej, nie umniejszają one zasług Chicago, lecz wręcz podnoszą jej geniusz, precyzując, jak wyróżniała się spośród innych wybitnych artystów swojego pokolenia, nawet jeśli to oni kształtowali jej wizję. Jeśli latem lub jesienią będziesz we Francji i chciałbyś osobiście doświadczyć tej niezwykłej wystawy, Los Angeles, the cool years / Judy Chicago jest prezentowana w Villa Arson Nicea do 4 listopada 2018 roku.

Zdjęcie główne: Judy Chicago - Model Fresno Fan #6, 1971. Lakier akrylowy natryskiwany na akryl, wymiary w ramie: 38,1 x 76,2 cm. Za zgodą artystki i Salon 94, Nowy Jork. ADAGP 2018

Autor: Phillip Barcio