Fajne Lata w LA i Wczesne Prace Judy Chicago

Judy Chicago jest z pewnością jedną z najbardziej wpływowych artystek dzisiaj. Jej monumentalna instalacja „Dinner Party” (1974-79), częściowo ikona minimalizmu, a częściowo arcydzieło feministyczne, wzbudziła jednoczesną krytykę i uznanie, ustanawiając ją jako pionierkę kultury. Jednak wiele osób wciąż nie zna jej wczesnych prac. Chicago była tak istotną i płodną członkinią awangardy od lat 70., że wiele jej eksperymentalnych dzieł z lat 60. nigdy nie zostało nawet zobaczonych przez współczesnych widzów, w tym przez wielu jej największych fanów. Na szczęście tego lata, w oczekiwaniu na retrospektywę Judy Chicago, która otworzy się w grudniu w Miami MOCA podczas Art Basel Miami Beach, Villa Arson w Nicei, Francja, organizuje innowacyjną wystawę, która ma na celu przywrócenie jej wczesnych eksperymentów do światła, aby nadać im szacunek, na jaki zasługują. Wystawa nosi tytuł Los Angeles, the cool years / Judy Chicago i oferuje szczegółowy i intymny wgląd w wiele estetycznych faz, przez które przeszła Chicago, prowadząc do stworzenia „Dinner Party”. Pokazuje niesamowity zakres pomysłów, które ta artystka rozwijała w tym kluczowym dziesięcioleciu, i oferuje wgląd w niezaprzeczalny geniusz, który był, a wciąż jest, całkowicie oddany otwartości i rozwojowi.

Siła imienia

Judith Sylvia Cohen urodziła się w Chicago, Illinois, w 1939 roku. Jej ojciec, Arthur Cohen, był liberalnym i otwartym rabinem, który zaszczepił zarówno Judy, jak i jej bratu, zamiłowanie do sztuki i muzyki, a także docenienie równości płci i szacunku dla praw pracowników. Judy miała zaledwie pięć lat, gdy po raz pierwszy zaczęła uczęszczać na zajęcia w Art Institute of Chicago. Niestety, jej ojciec zmarł, gdy Judy miała zaledwie 13 lat. Pięć lat później Judy opuściła swoje rodzinne miasto i przeprowadziła się do Kalifornii, gdzie zapisała się na studia artystyczne na UCLA. Tam poznała swojego pierwszego męża, Jerry'ego Gerowitza, który tragicznie zmarł zaledwie pięć lat później w wypadku samochodowym, pozostawiając Judy wdową w wieku 23 lat. Oprócz tych niszczących strat, po śmierci ojca i pierwszego męża, Judy znalazła się w obliczu okrutnej, ironicznej myśli, że jedyne imiona, pod którymi kiedykolwiek była znana, należały do mężczyzn. Mimo miłości do nich, czuła urazę z powodu faktu, że nigdy nie miała szansy wybrać własnej tożsamości.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Farba w sprayu na masce Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Dzięki uprzejmości artystki i Salon 94 Gallery, Nowy Jork. ADAGP 2018

Pracując nad swoim tytułem magistra, Judy zmagała się z zrozumieniem, kim naprawdę jest, i zastanawiała się, jak powinna się nazywać. W około 1965 roku zaczęła serię obrazów na maskach samochodowych, które zawierały symbole związane z rolami płciowymi i seksualnością. Powierzchnia jednocześnie boleśnie odnosi się do okoliczności, w których jej miłość niedawno zmarła. W 1967 roku opublikowano esej Lucy Lippard i Johna Chandlera zatytułowany „Dematerializacja sztuki”, który zainspirował Judy do zastanowienia się nad prawdziwą wartością konkretnych obiektów, a co za tym idzie, etykiet materialnych związanych z tożsamością. W 1969 roku wyraziła swoje pomysły na ten temat w serii prac Atmosphere, w których fajerwerki tworzyły chmury efemerycznego dymu. Do 1970 roku jej prace pomogły jej osiągnąć moment zdecydowania. Rozwiązała swoją przeszłą tożsamość i pojawiła się jako bardziej pewna siebie, zrealizowana artystka. W ramach celebracji zamieściła ogłoszenie w Artforum, a jednocześnie powiesiła baner na jednej ze swoich wystaw indywidualnych, na którym napisano: „Judy Gerowitz niniejszym pozbywa się wszystkich imion nałożonych na nią przez męską dominację społeczną i wybiera swoje własne imię, Judy Chicago.”

Judy Chicago - Wieczorny wachlarz z serii Fresno Fans, 1971. Spryskany akryl na akrylu, 152,4 x 304,8 cm. Dzięki uprzejmości artystki i Salon 94 Gallery, Nowy Jork. ADAGP 2018

Wszystkie kształty i kolory

Obok bardzo osobistych prac, które Judy Chicago stworzyła w latach 60., stworzyła również kilka zbiorów prac, które zajmowały się bardziej akademickimi kwestiami, które wówczas pojawiały się w świecie sztuki. Obecna wystawa w Villa Arson w Nicei rekonstruuje kilka z tych przełomowych dzieł. Jednym z nich jest „Feather Room” (1967), biała przestrzeń galerii wypełniona piórami do kolan. Innym, zatytułowanym „Rearrangeable Rainbow Blocks” (1965), oferuje zabawową, opartą na grze perspektywę na minimalizm, kontrastując z surowym, męskim punktem widzenia artystów takich jak Donald Judd, oferując coś płynnego, kreatywnego i otwartego. Zobaczenie tych prac razem obok jej dzieł na maskach samochodowych i obrazów z serii Atmospheres oferuje znacznie bardziej złożoną wizję Chicago niż większość innych wystaw w przeszłości. Ta wystawa przedstawia dowcipną, inteligentną, wysoko koncepcyjną osobę, która nie boi się wyrażać zarówno swojej intelektualnej strony, jak i poetyckiej, ludzkiej strony. To wystawa bogata w uczucia i pełna serca, dająca nam współczującą, wszechstronną wizję Chicago, na którą ta artystka zasługuje.

Judy Chicago - Przestawne Bloki Tęczowe, 1965. Lakier na aluminium, 12 elementów: 6 bloków 30,5 x 30,5 x 121,9 cm i 6 bloków 61 x 61 x 30,5 cm. Dzięki uprzejmości artystki i Salon 94 Gallery, Nowy Jork. ADAGP 2018

Dodatkowo, Géraldine Gourbe, kuratorka tej wystawy, podjęła innowacyjną ideę, aby na nowo wyobrazić sobie, jakie są zazwyczaj ograniczenia wystawy solowej. Nazywając tę wystawę „wystawą monograficzną i zbiorową”, zaaranżowała ją z perspektywy, że nie możemy naprawdę w pełni docenić pracy Chicago, którą wykonała w tym istotnym czasie w jej życiu, nie widząc również niektórych ważnych dzieł od licznych współczesnych artystów, którzy bezpośrednio na nią wpłynęli. Uwielbiam ten pomysł, że wystawa solowa może również obejmować tylko mały wybór prac innych artystów, którzy inspirowali artystkę do stworzenia dzieł, które są na wystawie. W tym przypadku inne prace na wystawie pochodzą od Marcii Hafif, Johna McCrackena, Roberta Morrisa, Bruce'a Naumana, Pata O'Neilla i DeWaina Valentine'a, z których każdy jest innowatorem na swój sposób. Pomagają one wykazać, że mimo przechodzenia przez intensywnie osobiste okoliczności, Chicago nie pracowała ani nie myślała w próżni. Co więcej, nie umniejszają one Chicago, lecz w rzeczywistości podnoszą jej geniusz, precyzując dokładnie, jak wyróżniała się spośród innych genialnych artystów swojego pokolenia, nawet gdy oni pomagali kształtować jej wizję. Jeśli jesteś we Francji tego lata lub jesienią i chciałbyś doświadczyć tej niezwykłej wystawy osobiście, Los Angeles, chłodne lata / Judy Chicago jest wystawiana w Villa Arson Nice do 4 listopada 2018.

Obraz wyróżniony: Judy Chicago - Model dla Fresno Fan #6, 1971. Lakier akrylowy natryskowy na akrylu, wymiary w ramie: 38,1 x 76,2 cm. Dzięki artystce i Salon 94, Nowy Jork. ADAGP 2018

Autor: Phillip Barcio