Ciekawe rzeźby Sarah Braman

Obiekty, które tworzy Sarah Braman, są niezwykłe. Złożone z różnych znalezionych produktów konsumenckich, materiałów przemysłowych i tradycyjnych środków artystycznych, są natychmiast rozpoznawalne, ale jednocześnie w jakiś sposób obce. Każda istota, którą Braman wywołuje do istnienia, stawia nas wobec częściowo artefaktu, a częściowo bytu: indywidualna, a jednocześnie wyraźnie należąca do większej rodziny lub gatunku. Złożone z wizualnych odpadków naszego zbudowanego świata, chętnie zapraszają nas do swojej grupy. Ich zabawne formy angażują nas antropomorficzną obiektowością, przypominając żałosnych, lecz ukochanych mieszkańców jakiejś Wyspy Niepasujących Transformatorów. Gdy zanurzymy się w ich obecności, opuszczamy naszą czujność. I właśnie wtedy rozdzierają nas, by odsłonić nasze słabości: nostalgię; materializm; i tajemniczy wstyd z powodu dziwnych sposobów, w jakie przestawiamy nasz świat w poszukiwaniu komfortu. Możemy się wycofać i mówić o pracy Braman w formalnych, estetycznych kategoriach, skupiając się na elementach takich jak geometria, kolor, światło i przestrzeń. Ale jej osiągnięciem jest to, że jej prace wymagają więcej. Wydobywają wspomnienia. Wywołują uczucia. Rozpoczynają rozmowy — między widzami, między teraźniejszością a przeszłością, między naturą a sztucznością, między obiektywnym a subiektywnym oraz między figuratywnym a abstrakcyjnym.

Łupy wojny

Najnowsze prace Sarah Braman należą do jej najbardziej dopracowanych. Są wymowne i bezpośrednie — dzieło artystki z wielkimi pomysłami i pewnym sposobem ich przekazywania. Patrząc wstecz na jej wcześniejszą twórczość, fascynujące jest dostrzeżenie korzeni jej estetyki oraz proto-przejawów tego, co nazywa swoimi „pomnikami codziennego życia.” W 2005 roku Braman wzięła udział w wspólnej wystawie zatytułowanej Siedem tysięcy lat wojny, w galerii CANADA, prowadzonej przez artystów na Lower East Side w Nowym Jorku. Wystawiła tam rzeźbiarski zespół obiektów oraz kolażowy element ścienny. Współpracowała także z fotografem Philem Brauerem, malując sprayem stosy śniegu znalezione na komercyjnym parkingu. Przez jego obiektyw Brauer ukazał te stosy jako świecące, koszmarne krajobrazy górskie. Na wystawie znalazło się również kilka całkowicie białych rzeźb Aidasa Bareikisa, przypominających postapokaliptyczną architekturę zrujnowaną przez naturę.

Tytuł wystawy prowokuje pytanie: „Jaka wojna?” Prace zdają się odpowiadać: „Wojna między kulturą a naturą.” Około 7000 lat temu nasi neolityczni przodkowie rozpoczęli to, co można luźno nazwać cywilizacją. Wtedy wynaleziono koło i pismo, co zapoczątkowało procesy prowadzące między innymi do gromadzenia odpadów konsumenckich, kartonu, farby w sprayu, fotografii, plastiku itd. Prace zdecydowanie odnoszą się do relacji między człowiekiem a światem przyrody. Jednak w dziełach Braman nie było cienia cynizmu. Wyrażały one pewność, jakby ta wojna nie była jednoznacznie zła; po prostu jest. To, co o niej myślimy, jest sprawą osobistą, a nie uniwersalną.

Siedem tysięcy lat wojny, 2005, widok instalacji, CANADA Nowy Jork, © CANADA, Sarah Braman, Phil Brauer, Aidas Bareikis

Nagromadzenie i obiektywność

Estetyka, którą Braman rozwinęła później, opiera się na znalezionych przedmiotach, nagromadzeniu i estetycznej interwencji. Nie jest to wcale to samo wyrażenie, które kojarzy się z modernistycznymi artystami przeszłości, którzy rozwijali podobne stanowiska, takimi jak Robert Rauschenberg czy Arman. Rauschenberg używał znalezionych przedmiotów w taki sposób, że zachowywały one swoją pierwotną istotę. Jego słynny Monogram, przedstawiający kozę z oponą wokół brzucha, wyraża pełnię koziowości i pełnię oponowości. To zespół znalezionych przedmiotów gruntownie przekształconych, ale jesteśmy świadomi ich poszczególnych części. Arman w swoich nagromadzeniach cieszył się podobieństwem podobnych przedmiotów. Jego nagromadzenia rogów przywołują jedynie myśl o rogach. Jego nagromadzenia zegarów sprawiają, że myślimy: „Zegary.”

Sarah Braman - Drugie poddanie się, 2002, karton, farba akrylowa (po lewej) oraz widok instalacji z PS1 Greater New York, 2005, MoMA PS1, © Sarah Braman

Braman osiąga coś innego swoimi pracami. Jej dzieła nabierają osobowości, jakby połączenie ich części było nieuniknione; elementy, które zawsze miały się połączyć, uformowały się w coś nowego. Ma talent do wyrażania charakteru materiałów i przedmiotów, nie w sposób uroczy, lecz po prostu tak, by je ożywić. Niezależnie czy to karton, pleksi, część samochodu, mebel, drzwi, namiot czy pień drzewa, współpracuje z materiałami, zamiast narzucać im swój punkt widzenia. Ich ukryta prawda się ujawnia. Jest żywa i nawiązujemy z nią kontakt.

Sarah Braman - Jesteś wszystkim, 2016, widok instalacji w Mitchell-Innes & Nash, NY, © Sarah Braman, dzięki uprzejmości Mitchell-Innes & Nash, NY

Projektowanie emocjonalne

Wiele siły jej prac pochodzi z umiejętności Braman doboru materiałów źródłowych, które przekazują emocje. Weźmy pod uwagę Trumnę, rzeźbiarski zespół obiektów zawierający odcięty fragment pojazdu rekreacyjnego. „Kawałek kampera” nie wywoła takiej samej osobistej reakcji u każdego widza, ale bez wątpienia dotyka pamięci w umyśle każdego, kto go zobaczy. Praca zaprasza do osobistej refleksji, podczas gdy jej projekt pozwala na obiektywną interpretację pod względem koloru, formy, światła i przestrzeni.

Być może najważniejszym elementem, który Sarah Braman uchwyciła w swoich pracach, jest ciekawość. Każdy obiekt przyciąga nas do siebie. Prosi, by go zbadać. Oferuje nam znajomość, ale potem prosi, by spojrzeć poza to, co znamy. Niektóre prace pozwalają nawet widzom wejść do środka. Fizyczne zamieszkanie w rzeźbie burzy barierę. Przekształca coś abstrakcyjnego w coś użytkowego. Zaprasza do ciekawości na innym poziomie, wywołując pytania nie tylko o samą pracę, ale także o to, czym może być natura całej sztuki.

Sarah Braman - Trumna, 2011, kawałek kampera, stal, pleksi i farba, © Sarah Braman, dzięki uprzejmości Mitchell-Innes & Nash, NY

Zdjęcie główne: Sarah Braman - Rozmowa o przestrzeni, 2016, pień drzewa, stal i szkło, © Sarah Braman, dzięki uprzejmości Mitchell-Innes and Nash
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Phillip Barcio