"Lekkość i Przezroczystość Giny Werfel"

W wywiadzie z 2013 roku w Huffington Post, Gina Werfel i jej mąż Hearne Pardee, oboje całe życie malarze i długoletni nauczyciele na UC Davis, zostali zapytani, gdzie ich praktyki się krzyżują, a gdzie divergują. Odpowiedź, którą Werfel dała, była pouczająca. Zredukowała się do idei, że interesują ją rzeczy organiczne, podczas gdy Pardee interesuje się rzeczami architektonicznymi. Ale to, co było jeszcze bardziej odkrywcze niż to, co powiedziała, to sposób, w jaki to powiedziała. Wyjaśniła, że zarówno ona, jak i Pardee „szkolili sięw dziedzictwie nauczania Hofmanna o „pchanie-ciągnięcie” płaszczyzn w przestrzeni”, ale że Pardee był również pod wpływem „Sewella Sillmana, ucznia Albersa.” Choć dla niektórych ludzi może to brzmieć jak ktoś, kto po prostu rzuca nazwiskami dla zabawy, to, co Werfel tam zrobiła, to ogłoszenie, że wierzy w koncepcję tradycji artystycznej. Umieszczając zarówno siebie, jak i swojego męża w tradycji Hansa Hofmanna, zakomunikowała, że oboje są malarzami abstrakcyjnymi, którzy zaczynają od obserwacji rzeczywistości. Ale następnie, umieszczając Pardee w linii Josefa Albersa, artysty znanego z geograficznej, powtarzalnej, procesowej, wysoko zorganizowanej, twardej abstrakcji, powiedziała, że istnieje wiele rozbieżnych, komplementarnych ścieżek, które artysta może obrać w uniwersum malarstwa abstrakcyjnego Hofmanna. Tradycja Albersa, do której należy jej mąż, to tradycja konkretnego formalizmu. Tymczasem tradycja, do której należy ona, jest liryczna, otwarta, instynktowna, visceralna — lub jak to ujęła, „na granicy całkowitego chaosu.” Definiując siebie jako artystkę, która wierzy w tradycję i linię, Werfel zajęła stanowisko. Odrzuciła cyniczny współczesny zapał do zakłócania i reinventowania, a zamiast tego przyjęła, że istnieje coś ponadczasowego i wartościowego w starożytnych liniach, do których należą artyści. Ta perspektywa odbija się w jej najnowszym zbiorze prac, który włącza nowe (dla niej) media i metody oraz sięga korzeniami jej tradycji estetycznej ponad 400 lat wstecz.

Tworzenie przestrzeni

Nowe obrazy Giny Werfel zostały niedawno zaprezentowane na Uniwersytecie Amerykańskim w Paryżu na wystawie zatytułowanej Recollections. Niektóre z słów, które szybko przychodzą na myśl, aby opisać obecność tych najnowszych prac, to ogrom, wspaniałość i przestronność. W porównaniu do jej wcześniejszych zbiorów prac, te obrazy rozszerzają się w każdą możliwą stronę. Iluzoryczna przestrzeń wewnątrz obrazów zdaje się rozprzestrzeniać nieskończono wstecz, a także zdaje się projektować do przodu. Mnogość warstw i znaków wymienia wpływy, przyciągając nas do wnętrza i wokół obrazu, zmuszając nas do dłuższego patrzenia i głębszego wpatrywania się, ale nie w żadną jedną formę, kolor czy obszar. Najlepszym sposobem na opisanie tego zjawiska jest powiedzenie, że w jakiś sposób Werfel znalazła sposób na stworzenie większej przestrzeni. Odkleiła swoje obrazy; otworzyła je; wypchnęła je na zewnątrz. To tak, jakby nastąpił wielki wybuch i teraz jej wizualny wszechświat rozciąga się na zewnątrz w panoramiczną, wielokolorową nieskończoność.

"Efekt, jak wyjaśnia, ma swoje korzenie nie w modernizmie, lecz w sztuce barokowej. Werfel miała ostatnio okazję pełnić rolę Artysty Rezydenta w Amerykańskiej Akademii w Rzymie. To była jej trzecia stypendium lub rezydencja we Włoszech, ale podczas tej wizyty wydarzyło się coś wyjątkowego. Zwróciła nową uwagę na to, co nazywa "przestrzenną złożonością barokowych malowideł sufitowych." Szybkie wyszukiwanie w Google tego wyrażenia, barokowe malowidła sufitowe, ujawnia dokładnie, co ma na myśli. Formy, kolory, linie i kształty w tych niezwykłych dziełach posiadają całą luminescencję i splendor fotografii supernowej z teleskopu Hubble'a. Werfel zdała sobie sprawę, że to, co sprawia, że te obrazy są tak potężnymi halucynacjami nieba, nie jest ich tematyka, lecz raczej ich formalne cechy estetyczne. Sposób, w jaki kolory, teksturowe i kształty zamieszkują powierzchnię i oddziałują ze sobą - to klucz do tworzenia przestrzeni."

Gina Werfel - Galaxy, 2017 (Left) and Dragon Dance, 2017 (Right)

Tworzenie światła

Oprócz przestrzennej złożoności, którą Werfel wprowadziła do swoich nowych obrazów, praca ta posiada również nowo podniesione poczucie lekkości i przezroczystości. Werfel stworzyła tę jakość, wprowadzając dwa nowe medium i metody do swojego procesu: kolaż i szablony z farby w sprayu. Kolaż pozwala jej zakrywać elementy w sposób, który dodaje fizycznej wymiarowości, co zmienia sposób, w jaki światło oddziałuje z powierzchnią dzieła. Szablony malowane sprayem tworzą niesamowitą eteryczność: przekazują rozpoznawalne wzory i kształty, ale upiorne cechy powierzchni farby w sprayu pozwalają tłu obrazu przenikać przez cząsteczki koloru. Te metody wystarczająco mylą oko, aby wyeliminować jakiekolwiek poczucie, że jedna część obrazu jest dominująca. Istnieje głębia i perspektywa, czy „popychaj ciągnij”, jak powiedziałby Hofmann, ale niemożliwe jest określenie, co jest z przodu, a co z tyłu.

Ta superłagodna lekkość i przezroczystość, którą Werfel wprowadziła do swoich nowych obrazów, łączy się z jej zwiększoną przestrzenią, nadając dziełu symfoniczne poczucie otwartości. Obrazy dudnią i echo. Odbijają się poza własnymi granicami. Są dziełami muzycznymi, co oznacza nie tylko, że przekazują pewne poczucie dramatu lub ruchu, ale także, że posiadają unikalny ton. Tworzą swoją własną atmosferę, która ma pewną klarowność, oprócz faktu, że jej znaczenie i potencjał pozostają otwarte. To dojrzała praca kogoś, kto działa w tradycji sięgającej artystów takich jak Helen Frankenthaler, Joan Miró i Wassily Kandinsky. Ale jak Werfel nas teraz również nauczył, to tradycja, która sięga znacznie dalej, przynajmniej do mistrzów baroku, a niewątpliwie jeszcze dalej, do najstarszych źródeł liryzmu i intuicji artystycznej.

Gina Werfel - Island,2017 (Left) and Orange Explosion, 2017 (Right)

Obraz wyróżniony: Gina Werfel - Granice, 2017, akryl na płótnie, 40 x 34 cali.

Wszystkie obrazy © Gina Werfel

Autor: Phillip Barcio