"Lekkość i Przezroczystość Giny Werfel"

W wywiadzie z 2013 roku dla Huffington Post, Gina Werfel i jej mąż Hearne Pardee, oboje od zawsze malarze i wieloletni nauczyciele na UC Davis, zostali zapytani, gdzie ich praktyki się pokrywają, a gdzie się różnią. Odpowiedź Werfel była pouczająca. Sprowadzała się do idei, że ona interesuje się rzeczami organicznymi, podczas gdy Pardee skupia się na rzeczach architektonicznych. Jednak to, co było jeszcze bardziej odkrywcze niż to, co powiedziała, to sposób, w jaki to wyraziła. Wyjaśniła, że zarówno ona, jak i Pardee „szkolili sięw dziedzictwie nauczania Hofmanna o „popychaniu-ciągnięciu” płaszczyzn w przestrzeni,” ale Pardee był także pod wpływem „Sewella Sillmana, ucznia Albersa.” Choć dla niektórych może to brzmieć jak zwykłe wymienianie nazwisk dla zabawy, to co Werfel faktycznie zrobiła, to wyznanie wiary w koncepcję artystycznej tradycji. Umieszczając siebie i męża w tradycji Hansa Hofmanna, przekazała, że oboje są malarzami abstrakcyjnymi, którzy zaczynają od obserwacji rzeczywistości. Jednak umieszczając Pardee w linii Josefa Albersa, artysty znanego z geograficznej, powtarzalnej, procesowej, wysoce uporządkowanej abstrakcji o ostrych krawędziach, powiedziała, że istnieje wiele rozbieżnych, uzupełniających się dróg, które artysta może obrać w ramach hofmańskiego uniwersum malarstwa abstrakcyjnego. Tradycja Albersa, do której należy jej mąż, to konkretne formowanie. Tymczasem tradycja, do której należy ona, jest liryczna, otwarta, instynktowna, żywiołowa — albo jak to ujęła, „granice niemal całkowitego chaosu.” Definiując siebie jako artystkę wierzącą w tradycję i dziedzictwo, Werfel zajęła stanowisko. Odrzuciła cyniczny współczesny zapał do burzenia i wynajdowania na nowo, a zamiast tego przyjęła, że istnieje coś ponadczasowego i cennego w dawnych rodowodach, do których należą artyści. Ta perspektywa znajduje odzwierciedlenie w jej najnowszym cyklu prac, który wprowadza nowe (dla niej) media i metody oraz sięga korzeniami jej estetycznej tradycji ponad 400 lat wstecz.

Tworzenie przestrzeni

Nowe obrazy Giny Werfel zostały niedawno pokazane na Amerykańskim Uniwersytecie w Paryżu na wystawie zatytułowanej Recollections. Niektóre słowa, które szybko przychodzą na myśl, by opisać obecność tych najnowszych dzieł, to ogrom, wspaniałość i przestronność. W porównaniu z jej wcześniejszymi cyklami, te obrazy rozprzestrzeniają się we wszystkich możliwych kierunkach. Iluzoryczna przestrzeń w obrazach zdaje się rozciągać nieskończenie w głąb, a także wybiegać do przodu. Mnogość warstw i znaków wymienia wpływy, wciągając nas do środka i wokół obrazu, zmuszając do dłuższego patrzenia i głębszego wpatrywania się, ale nie w żadną konkretną formę, kolor czy obszar. Najlepiej opisać to zjawisko, mówiąc, że Werfel w jakiś sposób znalazła sposób na stworzenie większej przestrzeni. Odspłaszczyła swoje obrazy; otworzyła je; rozdmuchała. To tak, jakby nastąpił wielki wybuch, a teraz jej wizualne uniwersum rozciąga się na panoramiczną, wielobarwną nieskończoność.

Efekt, jak wyjaśnia, ma swoje korzenie nie w modernizmie, lecz w sztuce baroku. Werfel niedawno miała okazję pełnić funkcję artystki-rezydentki w Amerykańskiej Akademii w Rzymie. Był to jej trzeci stypendium lub rezydencja we Włoszech, ale podczas tej wizyty wydarzyło się coś wyjątkowego. Zwróciła nową uwagę na to, co nazywa „przestrzenną złożonością barokowych malowideł sufitowych.” Szybkie wyszukanie w Google tego wyrażenia, barokowe malowidła sufitowe, dokładnie pokazuje, co ma na myśli. Formy, kolory, linie i kształty w tych niezwykłych dziełach posiadają całą świetlistość i przepych fotografii supernowej wykonanej przez teleskop Hubble’a. Werfel uświadomiła sobie, że to, co czyni te obrazy tak potężnymi halucynacjami nieba, to nie ich temat, lecz ich formalne walory estetyczne. Sposób, w jaki kolory, tekstury i kształty zajmują powierzchnię i oddziałują ze sobą — to klucz do tworzenia przestrzeni.

Gina Werfel - Galaxy, 2017 (po lewej) oraz Dragon Dance, 2017 (po prawej)

Tworzenie światła

Oprócz przestrzennej złożoności, którą Werfel wprowadziła do swoich nowych obrazów, prace te posiadają także nowo podniesione poczucie lekkości i przejrzystości. Werfel uzyskała tę cechę, wprowadzając do swojego procesu dwa nowe media i metody: kolaż oraz szablony z farbą w sprayu. Kolaż pozwala jej zakrywać elementy w sposób dodający wymiar fizyczny, co zmienia sposób, w jaki światło oddziałuje z powierzchnią dzieła. Szablony malowane sprayem tworzą niezwykłą eteryczność: przekazują rozpoznawalne wzory i kształty, ale duchowe cechy powierzchni farby w sprayu pozwalają, by tło przenikało przez cząsteczki koloru. Te metody mylą oko na tyle, by wyeliminować poczucie dominacji którejkolwiek części obrazu. Jest głębia i perspektywa, czyli „popychanie-ciągnięcie”, jak mówił Hofmann, ale nie da się określić, co jest z przodu, a co z tyłu.

Ta naładowana światłem lekkość i przejrzystość, którą Werfel wprowadziła do swoich nowych obrazów, łączy się z powiększoną przestrzenią, nadając pracom symfoniczne poczucie otwartości. Obrazy rozbrzmiewają i odbijają się echem. Przekraczają własne granice. Są dziełami muzycznymi, co oznacza nie tylko, że przekazują pewien dramatyzm lub ruch, ale także że posiadają unikalny ton. Tworzą własną atmosferę, która ma pewną klarowność, pomimo tego, że jej znaczenie i potencjał pozostają otwarte. To dojrzała twórczość kogoś działającego w tradycji sięgającej artystek i artystów takich jak Helen Frankenthaler, Joan Miró i Wassily Kandinsky. Ale jak Werfel teraz również nam pokazała, jest to tradycja sięgająca znacznie dalej, przynajmniej do mistrzów baroku, a bez wątpienia jeszcze dalej, do najstarszych początków liryzmu i artystycznej intuicji.

Gina Werfel - Island, 2017 (po lewej) oraz Orange Explosion, 2017 (po prawej)

Zdjęcie główne: Gina Werfel - Borders, 2017, akryl na płótnie, 40 x 34 cale.

Wszystkie zdjęcia © Gina Werfel

Autor: Phillip Barcio