Znaczenie tekstury w sztuce abstrakcyjnej

Ogólnie rzecz biorąc, istnieją dwie kategorie tekstury w sztuce, tak jak w życiu: szorstka i gładka. Obie mogą być twarde lub miękkie, mokre lub suche, organiczne lub syntetyczne itd. I możliwe są nieskończone stopnie szorstkości i gładkości. Jednak jedna kluczowa różnica oddziela funkcję, jaką tekstura pełni w życiu, od funkcji tekstury w sztuce. W życiu tekstura może być kwestią przetrwania. Nasze postrzeganie, czy coś jest śliskie, śluzowate, łuskowate czy puszyste, może oznaczać różnicę między życiem a śmiercią. Tekstura w sztuce jest mniej dramatyczna. Większość dzieł sztuki nie jest nawet przeznaczona do dotykania. A nawet gdy dzieło sztuki można dotknąć, jego tekstura odnosi się bardziej do naszego estetycznego doświadczenia niż do naszego dalszego istnienia. Niemniej jednak tekstura jest ważną częścią naszej interakcji ze sztuką. Jest jednym z siedmiu formalnych elementów artystycznych, obok linii, koloru, kształtu, formy, wartości i przestrzeni. Może wpływać na nastrój, wywoływać skojarzenia psychologiczne, przyciągać uwagę do medium lub odwracać naszą uwagę w stronę materiałów użytych w dziele. Używana umiejętnie, tekstura może nawet kwestionować nasze postrzeganie tego, co jest rzeczywiste.

Dramat i światło

Jednym z najwcześniejszych sposobów, w jakie malarze abstrakcyjni eksperymentowali z teksturą, jest proces zwany impasto. Kiedy mówimy, że obraz jest impasto, mamy na myśli, że malarz nałożył farbę na powierzchnię w grubych warstwach. Praca impasto uważana jest za malarską, ponieważ podkreśla fizyczne ślady pozostawione przez malarza. Malarze postimpresjonistyczni, tacy jak Van Gogh, używali impasto, aby stworzyć dramat i wpłynąć na sposób, w jaki światło oddziaływało z powierzchnią ich obrazów, ponieważ warstwy impasto tworzą cienie i refleksy. Malarze abstrakcyjnego ekspresjonizmu, tacy jak Jackson Pollock, używają grubo nałożonej farby, aby zwrócić uwagę na akt malowania i ujawnić osobowość oraz indywidualną technikę artysty.

Przeciwieństwem tekstury impasto jest płaskość. Artyści tacy jak Helen Frankenthaler i Kenneth Noland barwili swoje płótna, wylewając rozcieńczoną farbę bezpośrednio na nieprzygotowane płótna, aby połączyć powierzchnię z farbą. Ich płaskie tekstury odwracały uwagę od fizycznych gestów artysty, zachęcając do kontemplacji innych elementów, takich jak kolor, powierzchnia i przestrzeń. Wczesni artyści abstrakcyjni, tacy jak Kazimir Malevich, również malowali płaskie, nieartystyczne obrazy. Co ciekawe, wiele ikonicznych płaskich obrazów namalowanych przez Malevicha, takich jak Czarny kwadrat, z wiekiem nabrało tekstur znacznie różniących się od zamierzonych przez artystę. Fascynujące jest zastanawiać się, czy znaczenie, jakie widzowie dostrzegają w takich dziełach, zostało zmienione przez zmianę tekstury.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Oil on linen. 79.5 x 79.5 cm. Tretyakov Gallery, Moscow

Tekstura fizyczna a tekstura wizualna

Tekstura w sztuce może być postrzegana co najmniej na dwa sposoby: poprzez dotyk (tekstura fizyczna) i poprzez wzrok (tekstura wizualna). Tekstura fizyczna nadaje dziełu sztuki poczucie obiektowości. Kończy się to związkami z konkretnym światem fizycznym. Włoski artysta Alberto Burri używał znalezionych materiałów, aby stworzyć tekstury fizyczne w swoich pracach, które mogły wywołać pierwotne emocjonalne reakcje u widzów. Koreańscy artyści Dansaekhwa oraz artyści związani z japońskim awangardowym Gutai Group również kładli nacisk na materialność, wierząc, jak stwierdzono w Manifeście Gutai, „że łącząc ludzkie cechy i właściwości materiałów, możemy konkretnie zrozumieć abstrakcyjną przestrzeń.”

Inni artyści są bardziej zainteresowani potencjałem wizualnej tekstury. Obrazy brytyjskiej malarki Op Art Bridget Riley są całkowicie płaskie, ale oszukują oko, sprawiając, że postrzega teksturowane fale i wymiarowe warstwy. Abstrakcyjni fotografowie również bawią się wizualną teksturą. Urodzona w Kanadzie abstrakcyjna fotografka Jessica Eaton buduje obiekty trójwymiarowe, a następnie fotografuje je z użyciem wielu filtrów. Jej płaskie odbitki wydają się być pozbawione tekstury, ale przy bliższym przyjrzeniu się fizyczne tekstury obiektów, które zbudowała, stają się widoczne, myląc oko co do tego, czy postrzega tekstury, które są rzeczywiste, czy wyimaginowane.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigment print. © Jessica Eaton (Left) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion on board. © Bridget Riley (Right)

Tekstura w rzeźbie abstrakcyjnej

Abstrakcyjni artyści pracujący w przestrzeni trójwymiarowej mają dodatkowe możliwości zajmowania się elementem tekstury, ponieważ ich prace są częściej przeznaczone do dotykania. Jesús Rafael Soto tworzy dużej skali rzeźby trójwymiarowe zwane Penetrables, przez które widzowie przechodzą, pozwalając gładkiej, syntetycznej teksturze wici otulić ich jako część ich estetycznego doświadczenia. A artyści tacy jak Henry Moore, który stworzył liczne publiczne rzeźby na świeżym powietrzu, mają szansę pokazać, jak czas, ludzkie ręce i żywioły przekształcają istotny charakter dzieła sztuki w czasie.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetic sculpture. © Jesús Rafael Soto

Tekstura ma kluczowe znaczenie dla naszego zrozumienia sztuki abstrakcyjnej. Co by oznaczały Obiekty Specyficzne stworzone przez Donalda Judda, gdyby nie ich gładka, wysoka połysk, przemysłowa tekstura, która była integralną częścią ich statusu jako minimalnych, nowoczesnych dzieł? A jak infamous Obiekt, pokryty futrem zestaw kawowy autorstwa urodzonej w Niemczech szwajcarskiej artystki Meret Oppenheim, stałby się ikoną surrealizmu bez swojej niepokojącej tekstury? Niezależnie od tego, czy ma być widziany, dotykany, czy oba, kontemplując teksturę sztuki abstrakcyjnej, możemy odnosić się do niej na nowych poziomach, co może wpłynąć na nasze zrozumienie, pogłębić naszą apreciację i przekształcić znaczenie, które postrzegamy w dziele.

Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Stainless steel and red Plexiglas, in ten parts. © Donald Judd

Obraz wyróżniony: Alberto Burri - Cretto (szczegół), 1975. Akrowinyl na celoteksie. © 2019 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork / SIAE, Rzym
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio