Paul Nash i historia w obrębie abstrakcji

Brytyjski malarz Paul Nash zazwyczaj nie jest wymieniany w rozmowach o abstrakcji. Jednak jego modernistyczne, czasem surrealistyczne obrazy ukazują przebłyski głębokich abstrakcyjnych pojęć często ukrytych na widoku w świecie przyrody. Jego dorobek, obejmujący okres od tuż przed I wojną światową aż do tuż po II wojnie światowej, zawiera to, co można nazwać konserwatywnym językiem abstrakcji. Zamiast opierać się na czystej abstrakcji lub badać formalne elementy abstrakcyjne, takie jak kolor, linia czy światło, osadził swoją twórczość w klasycznym, figuratywnym pejzażu, mając nadzieję na ustanowienie szerszej definicji tego, czym może być abstrakcja. Jego obrazy miały wywoływać refleksje; nie o krajobrazie, lecz o pradawnych, wiecznych związkach między siłami czasu, natury, człowieczeństwa, kultury, życia i śmierci.

Wczesne kryzysy

W 1910 roku Paul Nash zapisał się na studia w Slade School of Art, gdzie szybko związał się z grupą młodych artystów, określanych przez akademię jako Drugi Kryzys Genialności. Mieli oni rzadkie połączenie wyjątkowego talentu, otwartości na europejski modernizm oraz chęci eksperymentowania, co stawiało ich w opozycji do programu nauczania i umiejętności kadry szkoły. Nash i pozostali stanowili entuzjastyczną awangardę modernistyczną w kulturze, która nie chciała mieć nic wspólnego z tworzeniem nowości.

Jak pokazuje obecna retrospektywa Paula Nasha w Tate, prace, które tworzył wówczas, dziś nie wydają się tak groźne. Malował angielskie krajobrazy, próbując uchwycić to, co nazywał genius loci, czyli ducha miejsca. Fascynowały go prymitywne megality rozsiane po angielskiej wsi, które uważał za przejawy pradawnej więzi między ludźmi a naturą. Być może to, co było groźne, to fakt, że nie interesowało go jedynie kopiowanie natury, lecz także wyrażanie większych abstrakcyjnych przesłań w niej zawartych.

Paul Nash - Wire, 1919. © Imperial War Museum, Londyn

Straszliwy nowy świat

Cztery lata po rozpoczęciu studiów Nash, wraz z całym swoim pokoleniem, miał swoją przyszłość przerwaną przez wybuch I wojny światowej. Nash dobrowolnie zgłosił się do Artists Rifles, krajowego pułku utworzonego w 1859 roku, składającego się głównie z artystów przysięgających bronić kraju. Jednak w miarę przedłużania się wojny został wysłany na front zachodni, główny teatr działań wojennych na kontynencie europejskim. To tam, jako podporucznik, Nash był świadkiem okropności wojny.

Przypadkowo, trzy miesiące po przybyciu na front, Nash upadł w okopie i złamał żebro. Podczas rekonwalescencji w Londynie jego pułk został zaatakowany i niemal całkowicie zniszczony. Głęboko poruszony tym, co widział, postanowił zrobić wszystko, co w jego mocy, by zakończyć wojnę. Wciąż dochodząc do siebie, zorganizował wystawę obrazów przedstawiających rzeźnię na froncie. Były one szokujące dla wielu osób, które nie miały pojęcia o brutalności i zniszczeniach wojny. Prace wywarły tak duże wrażenie, że po wyzdrowieniu Nash został wysłany z powrotem na front jako oficjalny artysta wojenny. Spędził resztę wojny, malując szczegółowe obrazy zniszczeń, mając nadzieję przekonać społeczeństwo do zakończenia walk.

Paul Nash - We Are Making a New World, 1918. © Imperial War Museum, Londyn

Przeformułowanie abstrakcji

Obrazy wojenne Nasha są surowo realistyczne. A jednak poza ich figuratywną treścią posiadają niezaprzeczalne warstwy pojęciowe. Na przykład na powierzchni obraz Wiosna w okopach, Ridge Wood, 1917 przedstawia czysto realistyczny obraz kilku żołnierzy w okopach na zniszczonym krajobrazie naturalnym. Jednak pastelowa paleta kolorów, ptaki lecące bezmyślnie nad głowami oraz puszyste białe chmury niewinnie przemierzające niebo sugerują głęboką myśl, że choć ludzie mogą tymczasowo niszczyć naturę, Natura z wielką literą N przetrwa naszą złość i będzie trwać po naszym odejściu.

W późniejszych obrazach wojennych Nash zaczął eksperymentować z redukcją elementów wizualnych świata przyrody, upraszczając je do prostszych kształtów i form. Choć nigdy nie przeszedł do czystej abstrakcji, dostrzegł, że poprzez ograniczenie niektórych części swojego języka wizualnego może nawiązać kontakt z czymś uniwersalnym, wykraczającym poza figuratywność. O tej ewolucji powiedział: „Dostrzegam w zjawiskach naturalnych tysiące form, które mogłyby z korzyścią zostać rozpuszczone w tyglu abstrakcyjnej przemiany.” A jednak dodał, „wciąż potrzebuję częściowo organicznych cech, by stworzyć moją stałą koncepcyjną wizję.”

Paul Nash - Wiosna w okopach, Ridge Wood, 1917-1918. © Imperial War Museum, Londyn

Grupa Unit One

Do czasu zakończenia wojny Nash stał się w Wielkiej Brytanii sławny dzięki swoim obrazom wojennym. To nie abstrakcyjne elementy przyciągały uwagę większości ludzi, lecz fakt, że pokazywał faktyczne zniszczenia, jakby był dziennikarzem. Cierpiąc z powodu psychicznych i fizycznych skutków wojny, wycofał się na wieś, gdzie próbował się uzdrowić zarówno fizycznie, jak i duchowo. Powrócił do figuratywnego malarstwa pejzażowego, zanurzając się w jego kojącej mocy. Jednak w miarę powrotu do zdrowia zaczął interesować się problemem, który dostrzegał w brytyjskiej kulturze: niechęcią do przyjęcia i zrozumienia głębszego znaczenia nowoczesnych nurtów w sztuce.

W wysiłku, by bezpośrednio zaangażować brytyjską publiczność, Nash założył awangardowy kolektyw artystyczny o nazwie Unit One. Dołączyło do niego dwunastu innych architektów, malarzy i rzeźbiarzy, w tym Ben Nicholson, Henry Moore oraz Barbara Hepworth. Grupa zorganizowała jedną wystawę. Prace, które Nash na niej pokazał, należą do jego najbardziej abstrakcyjnych. Ukazują modernistyczne formy przenikające się z naturalnym środowiskiem w tajemniczych, niemal surrealistycznych kompozycjach. Choć był to krótki eksperyment, Unit One zwrócił uwagę publiczności, a jego wpływ na brytyjski modernizm był odczuwalny od razu.

Paul Nash - The Menin Road. 1919. © Imperial War Museum, Londyn

Abstrakcyjna historia figuratywna

W szczytowym okresie swojej sławy Paul Nash ponownie został powołany na artystę wojennego, tym razem podczas II wojny światowej. Obrazy, które stworzył w tym czasie, należą do jego najsłynniejszych dzieł. Ukazują dojrzałe połączenie wielu wpływów, które ukształtowały jego karierę. Przedstawiają pejzaże figuratywne, uproszczone kształty oraz niezwykłe zlepki quasi-surrealistycznych obiektów i istot. Stawiają pytania o relacje między maszynami, ludźmi i naturą. Ukazują rzeź i zniszczenia wojny, jednocześnie sugerując, że natura zawsze przetrwa.

Patrząc na jego dorobek, widzimy, że Paul Nash nigdy nie malował jedynie realistycznych pejzaży konkretnych miejsc i czasów. Malował także pejzaż swojego umysłu, ucieleśniony przez spokój natury i straszliwą piękność śmierci. Często uchwycał genius loci, ducha miejsca, nawet gdy duch ten był wyraźnie zły. Jak sam powiedział: „aby znaleźć, trzeba umieć dostrzec. Są miejsca, tak jak są ludzie i przedmioty, których wzajemne relacje tworzą tajemnicę.” Gdzieś w jego obrazach życia i śmierci, nowoczesnych reliktów obok pozostałości dawnych cywilizacji, powstaje tajemnicze połączenie; przypominające nam, że historia istniała przed nami i przetrwa nas, a choć jesteśmy częścią natury, nie możemy jej pokonać; przeciwnie, ona zawsze czeka, by nas pokonać.

Zdjęcie wyróżnione: Paul Nash - The Ypres Salient at Night, 1918. © Imperial War Museum, Londyn
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio