Od Abstrakcji do Figury - Droga Richarda Diebenkorna

Kiedy Richard Diebenkorn zmarł w 1993 roku, pozostawił po sobie dorobek, który bronił znaczenia malarstwa. Mimo że obracał się w kręgach niektórych z najbardziej wpływowych artystów swojego pokolenia, pozostał zdecydowanie indywidualistyczny, tworząc dzieło, które do dziś jest unikalne i natychmiast rozpoznawalne. Po rozpoczęciu kariery jako malarz abstrakcyjny w latach 40., który zresztą uważał, że żaden wartościowy nowoczesny malarz nie powinien zajmować się pracą figuratywną, Diebenkorn nagle zmienił swoje zainteresowania na portret, martwą naturę i malarstwo krajobrazowe. Niespodziewany ruch miał dziwny efekt, nadając mu etykietę awangardowego, ponieważ sprzeciwiał się jego przekonaniom i przekonaniom prawie każdego innego znanego malarza. Ale dekadę później znów przeszedł w stronę abstrakcji. W obliczu tego, że mówiono mu, że jest rewolucyjny, powiedział: „Jestem naprawdę tradycyjnym malarzem, wcale nie awangardowym”, dodając, że tak naprawdę chciał tylko „podążać za tradycją i ją rozwijać.” Jego zdaniem pozornie różne kierunki, które obrał, były częścią jednej ścieżki: stopniowej ewolucji od ideologicznego zamieszania w kierunku zrozumienia starożytnych i wiecznych problemów związanych z po prostu tworzeniem dobrych obrazów.

Tradycyjny buntownik

Richard Diebenkorn jest dziś znany jako kwintesencjonalny kalifornijski malarz. Jego luźne, ale zrównoważone kompozycje oraz wyblakła paleta kolorów pomogły zdefiniować estetykę kultury wolności, lekkości i niesamowitego światła. Jednak Diebenkorn urodził się w Portland w Oregonie. W wieku dwóch lat przeprowadził się do Kalifornii. Zanim został profesjonalnym malarzem, przez dwa lata służył jako żołnierz Korpusu Piechoty Morskiej USA podczas II wojny światowej. Po wojnie skorzystał z przywilejów GI Bill, aby uczęszczać do szkoły artystycznej. Tak jak większość artystów jego pokolenia, Diebenkorn całkowicie oddał się abstrakcyjnemu ekspresjonizmowi, dominującemu nurtowi artystycznemu tamtych czasów. Tworzył gestualne kompozycje, które przekazywały niepokój i energię artysty, który ewidentnie poszukiwał. I miał dobre towarzystwo, studiując i ucząc obok innych wschodzących kalifornijskich malarzy, takich jak Mark Rothko i Clyfford Still.

Ale Diebenkorn wkrótce zaczął się przemieszczać, studiując i ucząc w Albuquerque w Nowym Meksyku oraz w Urbana w Illinois, zanim znów wrócił do Kalifornii. W swoich podróżach zdał sobie sprawę z większej rozmowy, która toczyła się między malarzami o różnych sposobach myślenia: takiej, która miała mniej wspólnego z tym, co zaczął dostrzegać jako fałszywe rozdzielenie między abstrakcją a figuracją, a bardziej z głębszym znaczeniem tego, co obraz może osiągnąć. Doszedł do wniosku, że „wszystkie obrazy zaczynają się od nastroju, od relacji z rzeczami lub ludźmi, od całkowitego wrażenia wizualnego. Nazwanie tego wyrażenia abstrakcyjnym wydaje mi się często mylić sprawę."

Richard Diebenkorn - Berkeley 3, 1953. Oil on canvas. 54 1/10 × 68 in. 137.5 × 172.7 cm. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

Świat kolorów i płaszczy

Zmieniająca się postawa Diebenkorna wobec abstrakcji postawiła go w dziwnej pozycji dla modernisty. Od końca lat 1900-nych większość artystów abstrakcyjnych początkowo szkoliła się jako realistyczni artyści figuratywni, a następnie przeszła do abstrakcji poprzez proces redukcji w kierunku prostszej wizualnej języka. Diebenkorn zaczął od abstrakcji, a następnie przeszedł do figuracji. Ale teraz, uwolniony od iluzji filozoficznych różnic między abstrakcją a figuracją, odkrył, że może malować to, co widzi — ludzkie postacie, twarze oraz miejskie i naturalne krajobrazy — jednocześnie eksplorując w tych obrazach cechy i elementy abstrakcji, które uważał za najbardziej interesujące.

Richard Diebenkorn - Still Life with Orange Peel, 1955. Oil on canvas. 29 3/10 × 24 1/2 in. 74.3 × 62.2 cm (left) / Richard Diebenkorn - Chabot Valley, 1955. Oil on canvas. 49,5 x 47,6 cm (right). © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

Zamiast naśladować prawdziwe życie hiperrealistycznymi obrazami, Diebenkorn przetłumaczył widzialny świat na układy pól kolorowych, linii i quasi-geometrycznych kształtów. Pracował w węglu i farbie olejnej, pozwalając, aby wiele warstw przebijało się do ostatecznej kompozycji. Cityscape I to jeden z jego najsłynniejszych wczesnych obrazów figuratywnych. W nim kształty geometryczne, płaszczyzny liniowe, abstrakcyjne pola kolorowe, warstwy pod spodem oraz torturowane znaki perfekcjonizmu kompozycyjnego łączą się w figuratywnej wizji, która jest jednocześnie ekspresjonistyczna i nieco abstrakcyjna. Porównując go obok wcześniejszej pracy abstrakcyjnej z jego serii Albuquerque, łatwo dostrzec, że ręka artysty jest ta sama.

Richard Diebenkorn - Cityscape I, 1963. Oil on canvas. 60 1/4 in. x 50 1/2 in. 153.04 cm x 128.27 cm. San Francisco Museum of Modern Art Collection (left) / Richard Diebenkorn - Albuquerque 4, 1951. Oil on canvas. 50 7/10 × 45 7/10 in. 128.9 × 116.2 cm (right). © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

Piękno farby

W około 1966 roku, po dekadzie malarstwa figuratywnego, Diebenkorn rozpoczął nową serię, która dla historyków sztuki zwiastowała powrót artysty do czystej abstrakcji. Nazwał tę serię Ocean Park, na cześć nadmorskiej dzielnicy Santa Monica, w której znajdowało się jego studio malarskie, na północ od Los Angeles. Rzeczywiście, obrazy Ocean Park wydają się nie mieć oczywistych odniesień do elementów figuratywnych. Wydają się geometryczne i abstrakcyjne. Jednak nazywanie tych obrazów po prostu abstrakcją geometryczną i klasyfikowanie ich jako kolejnego odejścia od jego wcześniejszej twórczości jest zbyt uproszczonym odczytaniem.

W wywiadzie, który Diebenkorn udzielił CBS Sunday Morning w 1988 roku, wspomina o wpływie, jaki jego otoczenie zawsze miało na jego pracę. Rozwija myśl, że poczucie miejsca bardziej niż cokolwiek innego informowało jego dojrzałe obrazy. Obrazy z serii Ocean Park nie są powrotem do czegoś, tak samo jak figuratywne obrazy z wcześniejszej dekady nie były odejściem od czegoś. W obu okresach Diebenkorn badał kwestie kompozycji, harmonii, koloru i równowagi. Seria Ocean Park robi to samo, wykorzystując światło, kształty i estetyczne układy przestrzeni, które Diebenkorn napotkał w rzeczywistym świecie, w tym przypadku w świecie plaży Santa Monica, aby przeprowadzić dalsze badania nad tymi samymi kwestiami.

Richard Diebenkorn - Ocean Park 43, 1971. Oil and charcoal on canvas. 93 × 81 in. 236.2 × 205.7 cm. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

Jak zacząć malować

Pod koniec swojej kariery, nie jest jasne kiedy, Diebenkorn spisał listę tego, co uważał za zgromadzone lekcje swojego doświadczenia jako malarza do tej pory. Lista zawierała dziesięć oryginalnych aforyzmów. Nazwał ją „Notatki do siebie na temat rozpoczynania malowania.” Pełna lista jest dostępna gdzie indziej w Internecie, ponieważ często ją udostępniał, więc nie ma potrzeby, aby ją tutaj zamieszczać. Jednak spojrzenie na kilka pozycji z listy ujawnia wiele o jego stylu oraz o dojrzałej postawie, jaką Diebenkorn wykształcił wobec abstrakcji, figuracji i eksperymentowania.

Pierwszy punkt na liście mówi: „Próbuj tego, co nie jest pewne. Pewność może przyjść później lub nie. Może to być wtedy cenną iluzją.” Inny punkt po prostu stwierdza: „Toleruj chaos.” Te notatki ujawniają artystę zaangażowanego w poszukiwania. Pokazują, że postrzegał obiektywność tzw. rzeczywistego świata jako jedynie punkt wyjścia w wewnętrznym procesie twórczym. Niezależnie od tego, czy malował portret, postać czy geometryczną kompozycję abstrakcyjną, pracował w kierunku oddalonym od pewności, w stronę uniwersalnego poczucia harmonii. Inny punkt na liście mówi: „Błędy nie mogą być wymazane, ale przesuwają cię z twojej obecnej pozycji.” To uczucie manifestuje się w bogatych warstwach i teksturach wszystkich jego obrazów, przez które jego często trudne, czasochłonne wysiłki afirmują swoją obecność.

Richard Diebenkorn - Ocean Park 135, 1985. Oil, crayon, and ink on canvas. 16 3/4 x 17 1/2 in. 42.5 x 44.5 cm. © The Richard Diebenkorn Foundation, Berkeley

Skromny olbrzym

Richard Diebenkorn osiągnął wiele szczytów w trakcie swojej kariery. Był jednym z założycieli Bay Area Figurative School w latach 50., która jest uznawana za ponowne wprowadzenie malarstwa figuratywnego do nowoczesnej sztuki amerykańskiej po ekspresjonizmie abstrakcyjnym. Do połowy lat 80. stał się jednym z najwyżej opłacanych żyjących artystów w Stanach Zjednoczonych. A w latach 90. otrzymał nawet Narodowy Medal Sztuki, jedno z najwyższych odznaczeń, jakie rząd USA przyznaje artyście.

Ale pomimo jego wpływu, a może w próbie obrony przed nim, pozostał skromnym i pracowitym artystą. Ostatecznie opuścił miasto, wracając na północ do Doliny Rzeki Rosyjskiej na zachód od Napa. Tam kontynuował malowanie, aż choroba go osłabiła. Tak długo, jak mógł pracować, malując abstrakcje, jak w jego późniejszej serii Cigar Box Lid, lub malując krajobrazy swojego dzikiego domu, pozostał wierny swoim życiowym pasjom: badaniu koloru, przestrzeni i harmonii oraz poświęceniu dla starożytnych wyzwań i tradycji malarstwa.

Richard Diebenkorn - Wieko pudełka cygarowego 8, 1979. Olej i grafit na drewnianym wieku pudełka cygarowego. 6 1/2 x 5 3/4 in. 16.5 x 14.6 cm. © Fundacja Richarda Diebenkorna, Berkeley

Obraz wyróżniony: Richard Diebenkorn - Ocean Park 89.5 (szczegół), 1975. Olej i węgiel na płótnie. © Fundacja Richarda Diebenkorna, Berkeley
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio