Alberto Burri i transformacja materiałów

Jeśli mówimy, że dzieło sztuki ma znaczenie, to oznacza, że wierzymy, że znaczenie istnieje. Ale jeśli znaczenie istnieje, czy życie samo w sobie nie powinno być najbardziej znaczącą rzeczą? W końcu tylko dlatego, że żyjemy, możemy cieszyć się rozmyślaniem o znaczeniu innych rzeczy. Alberto Burri stał się artystą w czasie paradoksu dotyczącego znaczenia. Zaczął malować jako więzień wojenny podczas II wojny światowej. Przed wojną był lekarzem i służył na pierwszej linii w włoskiej piechocie, a jako taki był świadkiem tego, do jakiego wniosku cywilizacja najwyraźniej doszła w odniesieniu do pozornej bezsensowności ludzkiego życia. Jednocześnie artyści w Europie i Ameryce rzucali się na główkę w tryby ekspresji, które były całkowicie o osobistym znaczeniu: nieświadomym znaczeniu, psychologicznym znaczeniu, ukrytym znaczeniu i uniwersalnym znaczeniu. W jakiś sposób społeczeństwo trzymało dwie przeciwstawne myśli: że żyjąca istota może mieć tak małe znaczenie, że można ją zmarnować w wojnie, i że przedmiot nieożywiony może posiadać tak wielkie znaczenie, że może stać się bezcenny. Prace Burri'ego, przynajmniej częściowo, odnoszą się do jego uczuć na temat tego, co powinno i co ma znaczenie. Rozważając je uważnie, możemy być może dojść do niektórych z tego, co ten wyjątkowy artysta odkrył; prawdy, które mogą zwiększyć nasze zrozumienie sztuki abstrakcyjnej i nas samych.

Korzenie Alberto Burri

W pewnym sensie, bez wojny może Alberto Burri nie stałby się artystą. Zamiast tego zostałby lekarzem wiejskim. Burri urodził się w małym miasteczku w Umbrii, we Włoszech, w 1915 roku, w rodzinie, której ojciec sprzedawał wino, a matka uczyła w szkole. Wiejski krajobraz jego rodzinnych stron jest idylliczny. Jego pejzaż ostatecznie posłużył jako temat wielu pierwszych obrazów Burri'ego, tych, które nauczył się malować jako amerykański więzień wojenny w Teksasie. W 1940 roku Burri ukończył uniwersytet z dyplomem lekarza. Dopiero co zaczął praktykować jako lekarz, gdy później w tym samym roku Włochy przystąpiły do II wojny światowej. Burri został powołany do piechoty. Przez prawie trzy lata walczył jako żołnierz na pierwszej linii frontu w Afryce Północnej, pełniąc również funkcję lekarza w terenie.

Kiedy jednostka Burri'ego została schwytana, został wysłany do obozu jenieckiego w Hereford w Teksasie. Tam Burri nie miał pozwolenia na praktykowanie medycyny. Więc, jak wielu innych jeńców wojennych, zajął się malowaniem, aby zabić czas. Brakując odpowiednich płócien, malował na workach jutowych. Malował idylliczne krajobrazy tego, co widział w Teksasie, oraz tego, co widział wcześniej w życiu, w Umbrii. Po wojnie, po repatriacji do Włoch, Burri na zawsze porzucił medycynę, całkowicie oddając się swojej sztuce. Ale skierował swoją estetykę w zupełnie innym kierunku. Zredukował swój język wizualny, tworząc obrazy, które były całkowicie abstrakcyjne. Nadal używał worków jutowych, które były w nadmiarze w powojennej Italii, a także włączał wszelkie inne materiały, medium i narzędzia, które były tanie i łatwo dostępne. Jego paleta i obrazy przypominały zniszczony krajobraz jego ojczyzny oraz teksturę i wygląd tego, co zostało zmarnowane.

Alberto Burri - Bianco, oil, fabric collage, sand, glue and burlap on canvas, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Pęd ku znaczeniu

Fakt, że nowo abstrakcyjny styl Burri'ego włączył kolory, teksturowe, materiały i formy przypominające zniszczenie i rzeź, wydaje się zaproszeniem dla widzów do założenia, że tworzył prace o swoich doświadczeniach jako lekarz i żołnierz. Jednak Burri przez całą swoją karierę twierdził, że w jego wyborach nie ma takiego znaczenia i że w jego obrazach nie ma żadnego znaczenia. W 1994 roku powiedział w odniesieniu do całego swojego dorobku: „Forma i przestrzeń! Koniec. Nie ma nic więcej.”

Być może w tym stwierdzeniu leży głębsza prawda, którą Burri odkrył na temat znaczenia i istnienia. Jedyną uniwersalnością, którą dzielą wszystkie rzeczy, w tym ludzie, obrazy, zwierzęta i bomby, jest to, że wszystko to tylko materia przyjmująca różne formy w przestrzeni. W filozofii realizm materialny stawia świat fizyczny ponad światem świadomym. Czasami ateiści używają tego terminu w odniesieniu do swojego zaprzeczenia istnieniu sfery duchowej. Czasami naukowcy używają go, aby oddzielić obiektywne obserwacje od swoich osobistych reakcji na te same obserwacje. Jeśli mamy wierzyć w to, co sam Alberto Burri mówi o swojej pracy (a dlaczego nie mielibyśmy?), jego dzieła sztuki są przykładem realizmu materialnego. Bada rzeczywistość formalnych, fizycznych właściwości jego materiałów i nic więcej.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylic paint and jute sack on canvas, 1954 (Left) / Sacco 5 P, fabric on canvas, burlap and hand stitching, 1953 (Right). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Materialne rzeczywistości Burri'ego

Jeśli chodzi o formalne cechy jego dzieł, Burri był niezwykle kreatywnym innowatorem. Pioniersko wprowadził szereg technik do tworzenia swoich prac i włączył równie różnorodne materiały, aby podkreślić wpływ tych technik. Pożyczając koncepcję kolażu, jego obrazy zyskały warstwowy wygląd, który zacierał granice między malarstwem, reliefem a rzeźbą. Jego najwcześniejsze prace były mieszanką farby i warstwowego materiału, które zszywał i szył razem. Później dodał wymiarowości, przecinając, nacinając i przebijając otwory w swoich powierzchniach. Używał ognia do spalania drewnianych elementów swoich prac, wykorzystując proces przypalania do tworzenia swoich form. Używał ciepła do topnienia plastiku, dodając dziwnie organiczny wymiar i teksturę do swoich kompozycji.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Aby podkreślić formalistyczny charakter swojej sztuki, zamiast nadawać swoim dziełom poetyckie nazwy, po prostu tytułował je zgodnie z ich fizyczną naturą, używając włoskich słów na określenie ich koloru, materiału lub techniki, którą zastosował do ich wykonania. Jego prace wykonane z smoły nazwał Catrami, jego dzieła z roztopionego plastiku to Plastichi, a prace w drewnie nazywał Legni. Prace z juty nazwał Sacchi, co po włosku oznacza torby. Dzieła, które stworzył przy użyciu ognia, nosiły nazwę Cumbustiono, a jego ikoniczne wypukłe prace, które tworzył, wstawiając obce wypukłości za powierzchnię; nazwał Gobbi, co po włosku oznacza garbaci.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Wielka Pęknięcie

Jednym z najbardziej ikonicznych osiągnięć kariery Burri'ego była estetyka, którą zapoczątkował i którą nazwał Cretto, toskańskim slangowym słowem oznaczającym pęknięcie. Aby osiągnąć Cretto, wyolbrzymił procesy, które prowadziły do naturalnego wyglądu drobnych, włosowatych pęknięć w różnych technikach malarskich w miarę ich starzenia się, efekt znany jako craquelure. Efekt ten zazwyczaj uważany jest za szkodliwy dla obrazu. Na przykład, przełomowy obraz Kazimira Malevicha Czarny kwadrat, który kiedyś był solidną czarną formą, teraz starzeje się tak źle, że wygląda podobnie do jednego z obrazów Burri'ego Cretto.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl on cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Poprzez przywłaszczenie procesu zwykle przypisywanego rozkładowi, przekształcając go w proces tworzenia, Burri ponownie wyraża istotną dychotomię dotyczącą znaczenia rzeczy. Tworzy poprzez akt destrukcji. Znajduje piękno w rozkładzie. Ostateczna manifestacja tego wyrazu miała miejsce w 1985 roku, kiedy Burri wykorzystał to do stworzenia swojego najbardziej monumentalnego dzieła, Il Grande Cretto. Jedno z największych znanych dzieł sztuki ziemi, Il Grande Cretto zostało zbudowane nad byłym miejscem zniszczonego miasta, miasta Gibellina na Sycylii, które zostało zniszczone w trzęsieniu ziemi w 1968 roku. Il Grande Cretto znajduje się nad jego ruinami, masywną assemblage form kamiennych i szczelin mierzącą około 120 000 metrów kwadratowych.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moscow

Dziedzictwo innowacji

Burri nie był jedynym artystą, który po II wojnie światowej zainspirował się tego rodzaju estetyką. W latach 60. tak wielu artystów zaczęło używać odrzuconych, pozornie bezwartościowych materiałów w swojej pracy, że ukuto termin Arte Povera, czyli sztuka uboga, aby określić ich styl. Termin Art Informel został wprowadzony, aby odnosić się do dzikich, ekspresyjnych płócien, które malarze tworzyli poprzez intuicję i emocjonalne działanie. Chociaż estetyka Burri'ego sprawiła, że został on skojarzony zarówno z Arte Povera, jak i Art Informel, miał on znacznie inny powód, aby przyjąć tę estetykę niż inni, którzy przyszli po nim.

Arte Povera była reakcją na coś innego, co działo się w sztuce; był to powrót do estetyki proletariackiej. Arte Informel był przyjęciem osobistego wyrazu i mocy tworzenia dzieł, które były wyrazem czegoś głębokiego i ukrytego w pracy. To, co zrobił Burri, nie było reakcją przeciwko czemuś innemu. I żadne znaczenie nie było ukryte w jego pracy. Powiedział: „Słowa nic dla mnie nie znaczą; krążą wokół obrazu. To, co muszę wyrazić, pojawia się na obrazie.” To unikalne, pewne podejście do całkowicie formalnego badania materiałów, formy i przestrzeni pozostawiło przykład, który stwierdzał coś pełnego nadziei: Obrazy to tylko obrazy. To artysta określa ich znaczenie, a zatem artysta – żywa, oddychająca, twórcza jednostka – powinna być ceniona.

Obraz wyróżniający: Alberto Burri - Ferro, 1954, zdjęcia dzięki uprzejmości Muzeum Guggenheima
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio