Carlo Carrà i jego futurystyczne abstrakcje

Kiedy zmarł w 1966 roku w wieku 85 lat, włoski artysta Carlo Carrà był znany jako mistrz malarstwa figuratywnego. Był szanowanym nauczycielem i płodnym pisarzem artystycznym, który wywarł wpływ na pokolenia realistycznych artystów. Jednak zanim zdobył tę reputację, Carrà poświęcał się swojej pierwszej miłości: abstrakcji. Razem ze swoim przyjacielem Giorgio de Chirico współzałożył Malarstwo Metafizyczne, estetycznego poprzednika surrealizmu. Był także współautorem i współsygnatariuszem manifestu włoskich futurystów. Pomimo że zajmował się abstrakcją tylko przez krótki czas, Carrà namalował niektóre z najważniejszych włoskich arcydzieł abstrakcyjnych i pomógł rozwinąć wiele idei, które zainspirowały przyszłych artystów abstrakcyjnych.

Młody Carlo Carrà

Można powiedzieć, że Carlo Carrà rozpoczął swoją karierę zawodowego artysty już jako dziecko. W wieku 12 lat był szkolony na dekoratora wnętrz, a mając 18 lat podróżował po Europie, malując freski. Jego praca wystawiła go na paryską scenę artystyczną na przełomie XX wieku, a także na idee polityczne krążące wówczas po Europie. Był zarówno robotnikiem, jak i artystą w czasach, gdy obie te grupy stały na krawędzi rewolucji. Pracując w Londynie, pod wpływem idei włoskich anarchistów na wygnaniu, zainspirował się do porzucenia pracy i powrotu do Włoch, by studiować sztukę piękną.

W szkole artystycznej zetknął się z dywizjonizmem, techniką polegającą na umieszczaniu kolorów obok siebie na płótnie zamiast ich wcześniejszego mieszania, co miało na celu oszukanie oka, by dopełniło obraz. Koncepcja dywizjonizmu była głębokim odejściem od realistycznych technik malarskich, które ją poprzedzały, i otworzyła umysł Carrà na możliwości abstrakcji. Po ukończeniu szkoły w 1908 roku Carrà poznał Umberto Boccioniego, Luigiego Russolo i Filippa Tommaso Marinetti, trzech włoskich artystów, którzy podobnie jak Carrà pragnęli wyrazić nowoczesną, przemysłową estetykę. Wspólnie ci czterej napisali Manifest Futurystyczny, który przedstawił światu ich miłość do szybkości, chaosu i przemocy ery maszyn.

Carlo Carrà - La stazione di Milano (Stacja w Mediolanie), 1910-11, 50,5 × 54,5 cm, © Carlo Carrà

Bycie i Substancja

Jednym z podstawowych celów malarstwa futurystycznego było oddanie ruchu i energii na płótnie; efekt ten nazywali dynamizmem. Zamiast zatrzymywać czas, by uchwycić temat w dokładny, figuratywny sposób, futuryści chcieli oddać poczucie upływu czasu. Zachwycali się tłumami ludzi żyjących w nowoczesnych miastach otoczonych maszynami, hałasem i chaosem. Chcieli przekazać tę substancję w swoich obrazach. Chcieli malować to, co czuli.

Jedną z pierwszych prób dynamizmu Carrà było Stazione A Milano, namalowane w 1910 roku. W tym dziele wyraża on zgiełk wokół dworca kolejowego, gdy nadjeżdża pociąg. Choć obraz jest częściowo przedstawiający, postacie ludzkie zostały zredukowane do niejasnych form. Dominującymi elementami na obrazie są światło, dym i nadjeżdżająca maszyna. Odczucie jest takie, jakby ludzkość przechodziła w cień, podczas gdy wspaniały przemysł pędzi naprzód w chmurze dzikiego ognia i dymu.

Carlo Carrà - Wstrząsy taksówki, 1911, olej na płótnie, 52,3 x 67,1 cm, © 2017 Carlo Carrà / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / SIAE, Rzym

Ruch i Uczucie

linie. Użycie ostrych linii stało się podstawą dynamizmu, jako sposób na oddanie szybkości, ruchu i siły. Carrà powiedział w 1913 roku: „Ostry kąt jest pełen pasji i dynamizmu, wyrażając wolę i przenikającą siłę.” Jego kąty w obrazie Pogrzeb anarchisty Galli są jeszcze bardziej surowe, kładąc największy nacisk nie na temat, lecz na oddanie chaosu i energii sceny.

Chociaż w Pogrzebie anarchisty Galli Carrà wciąż częściowo opierał się na figuracji, jego celem była całkowita wolność od realizmu. Słowem kluczowym w tym obrazie nie był pogrzeb, lecz anarchista. Chodziło nie o pokazanie pogrzebu czy oddanie obrazu konkretnego wydarzenia, lecz o przekazanie idei chaosu i energii. Poprzez ewolucję ku całkowitej abstrakcji Carrà uważał, że może osiągnąć czyste ukazanie dynamizmu.

Carlo Carrà - Kobieta na balkonie, 1912, kolekcja prywatna, © 2017 Carlo Carrà / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / SIAE, Rzym

Współdziałanie wszystkich zmysłów

Aby zwiększyć udział wszystkich zmysłów widza, Carrà zwrócił się ku użyciu koloru. Przed rewolucją modernistyczną kolor był używany wyłącznie jako element dekoracyjny, a nie jako sam temat. Carrà i jego współcześni chcieli uwolnić się od ciężaru takiego użycia koloru. Chcieli badać kolor jako element subiektywny, który sam w sobie mógł być nośnikiem przekazu obrazu.

Carlo Carrà - Il Ciclista, 1913, © 2017 Carlo Carrà / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / SIAE, Rzym

Carrà osiągnął swobodną ekspresję subiektywnych, dynamicznych cech koloru w Wstrząsach taksówki, namalowanych w 1911 roku. W tym dziele wyeliminował niemal całą figurację, pozostawiając jedynie słabe zarysy kół powtarzających się na dole płótna. Obraz eksploduje wybuchami barw, mieszanką abstrakcyjnych form i kakofonii ostrych, ukośnych linii. Efekt jest ucztą dla umysłu, kolorową, chaotyczną emanacją energii.

Carlo Carrà - Samotność, 1917, © 2017 Carlo Carrà / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / SIAE, Rzym

Statyczna energia

Podczas gdy futuryści skupiali się na dynamizmie, kubizm również próbował oddać rozszerzony realizm, obejmujący wiele perspektyw jednego tematu. Carrà uważał, że obrazy kubistyczne brakowało żywotności. Myślał, że kubizm zatrzymał świat i go namalował, podczas gdy on chciał, by świat nadal się poruszał, a on uchwyciłby uczucie tego ruchu na płótnie. Odnosząc się do wysiłków futurystów, Carrà powiedział: „Nalegamy, że nasza koncepcja perspektywy jest całkowitym przeciwieństwem wszelkiej statycznej perspektywy. Jest dynamiczna i chaotyczna w zastosowaniu, wywołując w umyśle obserwatora prawdziwą masę plastycznych emocji.”

Niemniej jednak Carrà zapożyczył formy kubistyczne w swoich obrazach, wykorzystując je do oddania dynamizmu. Jego obraz Kobieta na balkonie, namalowany w 1912 roku, wydaje się kubistyczny, ale nie pokazuje wielu perspektyw. Raczej używa kubistycznych kształtów, by pokazać ruch. Podobna idea jest widoczna w obrazie Carrà Rowerzysta z 1913 roku, który łączy abstrakcyjne formy kubistyczne z powtarzalnością, by oddać wrażenie rowerzysty w ruchu.

Carlo Carrà - Muza metafizyczna, 1917, olej na płótnie, 90 x 66 cm, © 2017 Carlo Carrà / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / SIAE, Rzym

Malarstwo metafizyczne

Po I wojnie światowej Carrà porzucił futuryzm i założył to, co nazwał Malarstwem Metafizycznym. Choć nie tak wyraźnie abstrakcyjne jak jego dzieła futurystyczne, Malarstwo Metafizyczne było koncepcyjnym poprzednikiem kilku abstrakcyjnych nurtów, które pojawiły się później. Poprzez ten nowatorski styl Carrà próbował malować to, co niewidzialne. Starał się dojść do idei czegoś, a nie malować samą rzecz.

Senna symbolika w obrazach metafizycznych Carrà bezpośrednio wpłynęła na estetykę surrealistów lat 20. XX wieku surrealistów. A być może jeszcze ważniejsze jest to, że te obrazy opierały się na symbolicznym języku form, by przekazać abstrakcję. W Muzy metafizycznej, namalowanej w 1917 roku, cel nie jest celem; jest to symbol abstrakcyjny, idea, którą Jasper Johns badał dekady później. Być może bardziej niż futuryzm, to było największe dziedzictwo Carrà; sugestia, że abstrakcję można osiągnąć za pomocą środków symbolicznych lub koncepcyjnych, umieszczając przedmioty w kontekstach, które kwestionują ich znaczenie, by stworzyć coś nowego.

Zdjęcie wyróżnione: Carlo Carrà - Pogrzeb anarchisty Galli, 1910-11, olej na płótnie, 198,7 x 259,1 cm, © 2017 Carlo Carrà / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / SIAE, Rzym
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio