Umberto Boccioni i Unikalne Formy Ciągłości w Przestrzeni

Wczesnomodernistyczni artyści byli zafascynowani ruchem. Kubisci ukazywali ruch, malując obiekty z wielu jednoczesnych perspektyw. Orfiści skupiali się na wibrujących właściwościach koloru. Dynamicy przedstawiali ruch przez powtarzanie. Futuryści wyrażali ruch, estetyzując prędkość. Umberto Boccioni był ojcem rzeźby futurystycznej. „Unikalne formy ciągłości w przestrzeni” Boccioniego, rzeźba przedstawiająca abstrakcyjną, quasi-ludzką formę w ruchu, była uważana w czasie powstania za szczyt osiągnięć w ukazywaniu ruchu w sztukach plastycznych. Jako czołowy teoretyk sztuki futuryzmu, Boccioni uważał dzieła innych modernistycznych artystów za ugrzęźnięte w tym, co nazywał „analityczną nieciągłością”, co oznaczało, że ich próby ukazania życia same sobie przeczyły przez brak żywotności. W swojej własnej twórczości Umberto Boccioni dążył do osiągnięcia ulotnego estetycznego celu „syntetycznej ciągłości”. Zamiast próbować naśladować lub imitować ruch, intuicyjnie starał się przekazać prawdę o ruchu za pomocą środków abstrakcyjnych.

Umberto Boccioni malarz

Zanim zainteresował się pracą trójwymiarową, Boccioni był już wybitnym malarzem. Nie wykazywał większego zainteresowania sztuką aż do późnych lat nastoletnich, ale gdy sztuka go znalazła, pokazał surowy talent i szybko opanował podstawowe klasyczne umiejętności. Gdy dołączył do Futurystów pod koniec dwudziestki, był jednym z najbardziej utalentowanych malarzy w ruchu. Nawet oceniając tylko jego autoportrety, widzimy, że Umberto Boccioni wykazywał dojrzałe opanowanie umiejętności rysunku przedstawieniowego, operowania farbą, kompozycji oraz mistrzostwo w różnych stylach od dywizjonizmu przez impresjonizm po postimpresjonizm.

Do 1909 roku Boccioni poświęcił się dekonstrukcji swojego stylu, skupiając się na elementach, które ostatecznie miały zdefiniować estetykę futuryzmu. Rozwinął emocjonalną siłę świetlistych, żywych kolorów, zdolność linii do przekazywania światła, manipulację formą w celu ukazania ruchu oraz wykorzystanie narzędzi, działań i architektury epoki przemysłowej jako odpowiednich nowoczesnych tematów. Wszystkie te elementy są widoczne w jego obrazie Poranek z 1909 roku. A niecały rok po namalowaniu tego obrazu Boccioni przeniósł te elementy w sferę abstrakcji, tworząc to, co wielu uważa za pierwszy prawdziwie futurystyczny obraz, Miasto wschodzi.

Umberto Boccioni – trzy autoportrety, z 1905 (po lewej), 1905 (w środku) i 1908 (po prawej)

Rzeźba futurystyczna i Unikalne formy ciągłości w przestrzeni Boccioniego

Zapał Boccioniego do eksperymentowania jest widoczny w jego szybkim rozwoju jako malarza. Nic więc dziwnego, że gdy odkrył dynamiczne możliwości rzeźby, przyciągnęła go szansa ożywienia tego, co nazywał „tą zmumifikowaną sztuką”. W 1912 roku napisał fundamentalny dokument definiujący zagadnienia rzeźby futurystycznej, zatytułowany Manifest techniczny rzeźby futurystycznej. Pomimo tytułu nie ograniczał się w nim do kwestii technicznych, lecz ukazał pełną głębię pasji i emocji, z których Boccioni był znany w swojej twórczości. Na przykład manifest zaczyna się od określenia istniejącego w Europie zbioru rzeźb jako „tak żałosnego widowiska barbarzyństwa i niezdarności, że moje futurystyczne oko odwraca się od niego z przerażeniem i obrzydzeniem”.

W ciągu roku po powstaniu tego dokumentu Boccioni stworzył tuzin rzeźb. Odlewał je wyłącznie w gipsie, co wyraźnie ukazuje klasyczne podejście futurystów, którzy bardziej troszczyli się o ideały niż o trwałość dzieła na wieki. Jego rzeźby skupiały się przede wszystkim na idei przekazywania tego, co nazywał „następstwem”, czyli serią zdarzeń. Nazywał „głupimi” artystów, którzy wierzyli, że następstwo można osiągnąć za pomocą sztuczek wizualnych, takich jak powtarzanie (jak w dynamizmie) lub malowanie z wielu perspektyw (jak w kubizmie). Uważał, że następstwo powinno być przekazywane przez jedną abstrakcyjną kompozycję, poprzez „intuicyjne poszukiwanie unikalnej formy, która daje ciągłość w przestrzeni”. Umberto Boccioni użył tego zwrotu jako tytułu jednej z tych pierwszych dwunastu rzeźb, którą uważał za ucieleśnienie istoty tej idei. Wielokrotne odlewy z brązu tego dzieła, Unikalne formy ciągłości w przestrzeni, które dziś znajdują się w muzeach na całym świecie, powstały już po śmierci Boccioniego. Oryginalna gipsowa rzeźba znajduje się w São Paulo w Brazylii, w Museu de Arte Contemporânea.

Umberto Boccioni – Poranek (po lewej), namalowany w 1909 roku, oraz Miasto wschodzi (po prawej), namalowany w 1910 roku

Rozwój butelki w przestrzeni

Jedną z najbardziej intrygujących futurystycznych rzeźb Boccioniego jest Rozwój butelki w przestrzeni. Bez znajomości tytułu widz mógłby łatwo odczytać dzieło jako abstrakcyjne zestawienie geometrycznych form ułożonych w coś na kształt góry. Można by je też uznać za wizję futurystycznego, wysokiego miasta. Nawet po poznaniu tytułu dzieło mogłoby być uznane za kubistyczne, ponieważ zdaje się przedstawiać butelkę z wielu jednoczesnych płaszczyzn przestrzennych. Jednak według Boccioniego nie jest to żadna z tych rzeczy. Przedstawia ruch wyrobu przemysłowego w procesie samodzielnego składania się w przestrzeni fizycznej.

W przeciwieństwie do quasi-ludzkich Unikalnych form ciągłości w przestrzeni, nie ma oczywistego teoretycznego uzasadnienia dla ruchu butelki. To, że Boccioni wybrał nieożywiony przedmiot do ukazania animacji, jest wymowne. Dzieło to daje złowieszczą wskazówkę co do uwielbienia futurystów dla zmechanizowanego świata, na który reagowali. To wizja samowystarczalnej, uprzemysłowionej przyszłości, która w wielu aspektach się spełniła, w której produkty same się składają, a zmechanizowany ruch odbywa się samodzielnie, bez udziału człowieka.

Umberto Boccioni – Unikalne formy ciągłości w przestrzeni, 1913, widok z przodu i z boku

Współczesne poszukiwanie następstwa

Co często umyka uwadze w odniesieniu do Boccioniego i pozostałych futurystów, to fakt, że ich idee zawierały wewnętrzną sprzeczność. Rzekomo buntowali się przeciw ciężarowi historii i przyjmowali wiek maszyny. A jednak czynili to za pomocą sztuk plastycznych. Pierwsza kamera filmowa została wynaleziona ponad dekadę przed opublikowaniem Manifestu Futurystycznego. Dlaczego więc próbowali uchwycić ruch na obrazie, skoro można go było dosłownie zarejestrować na filmie?

To urocze, że ci artyści, odrzucając twórców przeszłości, nie odrzucili całkowicie samej sztuki. Mogli całkowicie zastąpić swoje starożytne praktyki szybkim, pięknym, napędzanym maszynami światem fotografii i kina. Zamiast tego wybrali konfrontację z nowoczesnością za pomocą dawnych technik. Wiedząc, że doskonałe odwzorowanie jest dostępne dzięki fotografii i kinu, świadomie wybrali abstrakcję, być może z tych samych powodów, co wielu innych, jak Wassily Kandinsky czy Kazimir Malewicz. To sposób nie tylko na pokazanie tego, co widoczne dla oka, ale także na dotarcie do czegoś, co leży poza okiem, w umyśle, sercu lub duchu. Tak samo ważne jak prędkość, maszyny i epoka przemysłowa były dla futurystów, fakt, że malowali i rzeźbili, świadczy o tym, że gdzieś w głębi serca wierzyli, że coś starożytnego, jak ludzkość, jest jeszcze ważniejsze.

Zdjęcie wyróżniające: Umberto Boccioni – Rozwój butelki w przestrzeni, wykonany w 1913 roku, odlew z 1950 roku
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio