Umberto Boccioni i Unikalne Formy Ciągłości w Przestrzeni

Wczesno nowocześni artyści byli zafascynowani ruchem. Kubizm ukazywał ruch, malując obiekty z wielu jednoczesnych perspektyw. Orfizm koncentrował się na wibracyjnych właściwościach koloru. Dynamizm przedstawiał ruch poprzez powtórzenie. Futuryści wyrażali ruch, estetyzując prędkość. Umberto Boccioni był ojcem rzeźby futurystycznej. Rzeźba Unikalne formy ciągłości w przestrzeni Boccioniego, przedstawiająca abstrakcyjną, quasi-ludzką formę w ruchu, była w czasie swojego powstania uważana za szczyt osiągnięć w przedstawianiu ruchu w sztukach plastycznych. Jako wiodący teoretyk sztuki futurystycznej, Boccioni uważał prace innych artystów nowoczesnych za ugrzęźnięte w tym, co nazywał „analizą nieciągłości”, co oznaczało, że ich próby ukazania życia obalały same siebie przez brak witalności. W swojej własnej pracy Umberto Boccioni dążył do osiągnięcia nieuchwytnego estetycznego celu „syntetycznej ciągłości”. Zamiast próbować naśladować lub imitować ruch, intuicyjnie starał się przekazać prawdę ruchu za pomocą abstrakcyjnych środków.

Umberto Boccioni malarz

Zanim zainteresował się pracą trójwymiarową, Boccioni był już wysoko utalentowanym malarzem. Do późnych lat nastoletnich wykazywał niewielkie zainteresowanie sztuką, ale gdy sztuka go odnalazła, pokazał surowy talent i szybko nauczył się podstawowych umiejętności klasycznych. W chwili, gdy dołączył do Futurystów w swoich późnych dwudziestych latach, Boccioni był jednym z najbardziej utalentowanych malarzy w tym ruchu. Nawet oceniając tylko jego autoportrety, możemy zobaczyć, że Umberto Boccioni wykazał dojrzałe opanowanie umiejętności rysunku reprezentacyjnego, obróbki farby, kompozycji oraz mistrzostwo w zakresie różnych stylów, od dywizjonizmu po impresjonizm i postimpresjonizm.

Do 1909 roku Boccioni zobowiązał się do dekonstruowania swojego stylu, koncentrując się na elementach, które ostatecznie zdefiniują estetykę futurystyczną. Rozwinął temat emocjonalnej mocy jasnych, żywych kolorów, zdolności linii do przekazywania światła, manipulacji formą w celu oddania ruchu oraz wykorzystania narzędzi, działań i architektury epoki przemysłowej jako odpowiednich nowoczesnych tematów. Wszystkie te elementy są widoczne w jego obrazie Poranek z 1909 roku. A mniej niż rok po namalowaniu tego obrazu, Boccioni przeniósł te elementy w sferę abstrakcji, malując to, co wielu uważa za pierwszy prawdziwie futurystyczny obraz, Miasto wstaje.

Umberto Boccioni - trzy autoportrety, z 1905 roku (lewy), 1905 roku (środkowy) i 1908 roku (prawy)

Rzeźba futurystyczna i Unikalne formy ciągłości w przestrzeni Boccioniego

Zapał Boccioniego do eksperymentowania jest widoczny w jego szybkim rozwoju jako malarza. Nic więc dziwnego, że gdy uświadomił sobie dynamiczne możliwości rzeźby, przyciągnęła go okazja do ożywienia tego, co nazywał „tą zmumifikowaną sztuką.” W 1912 roku napisał fundamentalny dokument definiujący futurystyczne zmartwienia rzeźbiarskie, zatytułowany Manifest Techniczny Rzeźby Futurystycznej. W nim, mimo tytułu, nie ograniczył dyskursu do technikaliów, lecz raczej ukazał pełnię pasji i emocji, z których Boccioni był znany w swojej pracy. Na przykład, manifest zaczyna się od stwierdzenia, że istniejący zbiór rzeźb wystawianych w Europie jest „tak żałosnym spektaklem barbarzyństwa i ociężałości, że moje futurystyczne oko odwraca się od niego w przerażeniu i odrazie.”

W ciągu roku po stworzeniu tego dokumentu Boccioni stworzył tuzin rzeźb. Odlał je tylko w gipsie, co wyraźnie demonstruje klasyczną mentalność futurystyczną, skupiając się bardziej na ideałach niż na tworzeniu czegoś, co przetrwa wieki. Jego rzeźby koncentrowały się głównie na idei przekazywania tego, co nazywał "sukcesją", czyli serią wydarzeń. Nazywał artystów "głupimi", którzy wierzyli, że sukcesję można osiągnąć za pomocą wizualnych sztuczek, takich jak powtórzenie (jak w Dynamizmie) czy malowanie z wielu perspektyw (jak w Kubizmie). Wierzył, że sukcesja powinna być przekazywana przez jedną abstrakcyjną kompozycję, poprzez "intuicyjne poszukiwanie unikalnej formy, która daje ciągłość w przestrzeni." Umberto Boccioni użył tego zdania jako tytułu jednej z tych pierwszych tuzin rzeźb, którą uważał za ucieleśnienie istoty tej idei. Liczne odlewy brązowe tego dzieła, Unikalne formy ciągłości w przestrzeni, które istnieją w muzeach na całym świecie dzisiaj, zostały wykonane po śmierci Boccioniego. Oryginalny gipsowy egzemplarz można znaleźć w São Paulo w Brazylii, w Museu de Arte Contemporânea.

Umberto Boccioni - Poranek (po lewej), namalowany w 1909 roku, oraz Miasto wstaje (po prawej), namalowane w 1910 roku

Rozwój butelki w kosmosie

Jedną z najbardziej intrygujących rzeźb futurystycznych Boccioniego jest Rozwój butelki w przestrzeni. Bez znajomości tytułu, widz mógłby łatwo odczytać dzieło jako abstrakcyjny zbiór geometrycznych form zgrupowanych w rodzaj góry. Można je również postrzegać jako wizję futurystycznego, wysokiego krajobrazu miejskiego. Nawet po przeczytaniu tytułu, dzieło można by uznać za kubistyczne, ponieważ wydaje się przedstawiać butelkę z wielu jednoczesnych płaszczyzn przestrzennych. Ale według Boccioniego, to nie jest żadne z tych rzeczy. Przedstawia ruch wytworzonego produktu przemysłowego w procesie samodzielnego montażu w przestrzeni fizycznej.

W przeciwieństwie do quasi-ludzkiej Unikalnej Formy Ciągłości w Przestrzeni, nie ma oczywistego uzasadnienia teoretycznego dla ruchu butelki. To, że Boccioni wybrał przedmiot nieożywiony do zademonstrowania animacji, jest wymowne. Dzieło to oferuje złowrogą wskazówkę na temat uwielbienia futurystów dla zmechanizowanego świata, na który reagowali. To wizja samowystarczającej, zindustrializowanej przyszłości, która w wielu aspektach się zrealizowała, w której produkty składają się same, a zmechanizowany ruch zachodzi samodzielnie, wolny od interakcji ludzkiej.

Umberto Boccioni - Unikalne formy ciągłości w przestrzeni, 1913, Widok z przodu i z boku 

Współczesne poszukiwanie sukcesji

Coś, co często umyka uwadze w przypadku Boccioniego i reszty futurystów, to wewnętrzna sprzeczność w ich ideach. Rzekomo buntowali się przeciwko ciężarowi historii i przyjmowali wiek maszyny. A jednak robili to poprzez sztuki plastyczne. Pierwsza kamera filmowa została wynaleziona ponad dekadę przed opublikowaniem Manifestu Futurystycznego. Dlaczego próbować uchwycić ruch na obrazie, skoro można go dosłownie uchwycić na filmie?

To urocze, że ci artyści, odrzucając artystów przeszłości, nie odrzucili całkowicie samej sztuki. Mogli całkowicie zastąpić swoje starożytne praktyki szybkimi, pięknymi, napędzanymi maszynami światami fotografii i kina. Zamiast tego postanowili skonfrontować nowoczesny wiek ze starożytnymi technikami. Wiedząc, że doskonała reprezentacja była dla nich dostępna dzięki fotografii i kinu, świadomie wybrali abstrakcję, być może z tych samych powodów, co wielu innych, jak Wassily Kandinsky i Kazimir Malevich. To sposób nie tylko na pokazanie nam tego, co widoczne dla oka, ale także na dotarcie do czegoś, co znajduje się poza okiem, w umyśle, w sercu lub w duchu. Tak samo istotne, jak prędkość, maszyny i wiek przemysłowy były dla futurystów, fakt, że malowali i rzeźbili, ujawnia, że wierzyli gdzieś w swoich sercach, że coś starożytnego, jak ludzkość, było jeszcze ważniejsze.

Obraz wyróżniony: Umberto Boccioni - Rozwój butelki w przestrzeni, wykonany w 1913 roku, odlew w 1950 roku
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio