MoMA w Paryżu - Gospodarzem Fondation Louis Vuitton

W Paryżu w tym tygodniu otwarto bardzo chwaloną wystawę sztuki nowoczesnej, która wywołuje sporo entuzjazmu. Jednak być może powinna też budzić równie dużo niepokoju. Być nowoczesnym: MoMA w Paryżu prezentuje około 200 dzieł z kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Wystawa odbywa się w muzeum Fundacji Louisa Vuittona zaprojektowanym przez Franka Gehry’ego i jest to pierwszy raz, gdy tak obszerna selekcja dzieł z MoMA została pokazana we Francji. Łatwo wymienić wiele powodów, dla których ta wystawa jest uznawana za wspaniałe wydarzenie dla Francji, dla MoMA i dla sztuki nowoczesnej w ogóle. W końcu lista artystów i dzieł prezentowanych na wystawie obejmuje całą historię muzeum, od jego założenia w 1929 roku aż do dziś. Znajduje się na niej wielu największych twórców ostatnich 100 lat. Oczywiście każda okazja, by zobaczyć tak wiele wpływowych i znanych dzieł, powinna zostać wykorzystana przez każdego, kto tylko może dotrzeć na miejsce. Jednak na chwilę warto też poważnie zastanowić się, dlaczego wystawa wywołuje niepokój: mianowicie z powodu ogromnej ilości przesadnych pochwał dotyczących znaczenia tego wydarzenia. Oficjalne materiały prasowe, które były wielokrotnie cytowane i powielane przez media, nazywają wystawę „manifestem” i opisują MoMA jako jedno z „najważniejszych muzeów” na świecie. Wystawa jest określana jako „innowacyjna”, „wszechstronna” i „niezrównana”. Wielokrotnie pojawia się nawet słowo „mityczna”. I to właśnie ostatni przymiotnik, „mityczna”, wydaje się najbardziej niebezpieczny, ponieważ jest to jedyne odczucie wobec tej wystawy, którego nie można zbyć jako zwykłą przesadę. Mity są potężne. A jeśli chodzi o wystawę takiego kalibru, mity, które tworzy i podtrzymuje, mają moc kształtowania światowej narracji o sztuce na pokolenia.

Rozpakujmy te przymiotniki

Najbardziej oczywistym niedorzecznym przymiotnikiem używanym do opisania Być nowoczesnym: MoMA w Paryżu jest „wszechstronna”. Konkretnie, w zestawie prasowym stwierdza się, że „Być nowoczesnym: MoMA w Paryżu topierwsza wszechstronna wystawa we Francji kolekcjiMuzeum Sztuki Nowoczesnej.” Jednak prawda jest taka, że choć wystawa jest rzeczywiście obszerna — prezentuje około 200 obiektów — to obecna wielkość całej kolekcji MoMA wynosi około 200 000 obiektów. Zatem ta wystawa pokazuje około jednej tysięcznej tego, co posiada MoMA. To zaledwie maleńki wycinek pełnych archiwów. Dlaczego więc nazywać ją wszechstronną? Odpowiedź może być taka, że komisja selekcyjna, w skład której wchodzili przedstawiciele zarówno Fundacji Louisa Vuittona, jak i MoMA, uważa, że wybrana przez nich znikoma liczba dzieł w pełni reprezentuje charakter i istotę pozostałych 199 800 obiektów. Ale czy to choć trochę prawda?

Przeglądając listę artystów uwzględnionych w MoMA w Paryżu, w żadnym wypadku nie wydaje się ona reprezentatywna dla całej kolekcji MoMA. Ponad 75 000 obiektów z tej kolekcji jest zarchiwizowanych online, więc szybko przeszukałem tę bazę pod kątem trzech artystek, które nie zostały uwzględnione na wystawie, a które uważam za jedne z najbardziej wpływowych artystek nowoczesnych w historii: Louise Bourgeois, Anni Albers oraz Helen Frankenthaler. Okazało się, że MoMA posiada setki dzieł tych trzech artystek. Jednak dziwnym trafem nie zostały one uwzględnione na tej wystawie. Zrobiłem kolejne wyszukiwanie, zauważając, że MoMA w Paryżu zawiera prace kilku męskich dadaistów. Sprawdziłem więc, czy archiwa MoMA mają dzieła wpływowych kobiet dadaistek. Okazało się, że mają ponad tuzin prac Hannah Höch i Sophie Taeuber Arp, ale na wystawie pokazani są tylko ich bardziej znani męscy odpowiednicy. Czy więc możemy powiedzieć, że ta wystawa jest wszechstronna? Raczej nie. Możemy natomiast stwierdzić, że kuratorzy wybrali dzieła znanych artystów. Ale to nazywa się przebojową wystawą, a nie wszechstronnym przedstawieniem historii czy kolekcji MoMA.

Bruce Nauman – Człowiek/Potrzeba/Pragnienie, 1983. Neonowe rurki i drut z zawieszeniem z rurek szklanych, 239,8 x 179 x 65,4 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. Dar Emily i Jerry’ego Spiegelów, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Trudność z innowacją

Kolejnym przymiotnikiem z zestawu prasowego MoMA w Paryżu, który musimy rozłożyć na czynniki pierwsze, jest „innowacyjna”. To słowo o dużym znaczeniu, które słusznie pojawia się w każdej rozmowie o sztuce nowoczesnej. Innowacja oznacza oryginalność, twórczość, eksperymentowanie, a czasem nawet geniusz. Czy więc jest to właściwe słowo do opisania tej wystawy? Jak już wiemy, artyści nie zostali wybrani dlatego, że byli lub są najbardziej twórczy, oryginalni, eksperymentalni czy największymi geniuszami. Z niewielkimi wyjątkami (takimi jak włączenie brazylijskiej konstruktwistki Lygii Clark do dobrze znanego klubu minimalistycznych białych mężczyzn, takich jak Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly i Frank Stella), artyści zostali wybrani głównie ze względu na rozpoznawalność nazwisk lub dlatego, że pasowali do istniejącej narracji historii sztuki nowoczesnej. Ale to nic nowego, oczywiście. To standardowa taktyka kuratorska przy dużych retrospektywach historycznych. I to jest w porządku. Ale to nie jest innowacyjne. Z drugiej strony, być może gdy słowo „innowacyjna” jest używane do opisania tej wystawy, odnosi się nie do samej wystawy, lecz do prezentowanych dzieł.

Jeśli tak jest, powinniśmy spodziewać się, że na wystawie znajdą się najbardziej innowacyjni przedstawiciele modernizmu. Aby to sprawdzić, spójrzmy na listę ekspresjonistów abstrakcyjnych prezentowanych na wystawie. Obecni są Jackson Pollock i Willem de Kooning. Ale gdzie są pozostali? Gdzie jest Louise Nevelson, bez wątpienia najbardziej innowacyjna rzeźbiarka tamtego pokolenia? Jej prace znajdują się w MoMA. Dlaczego nie zostały tu pokazane? Gdzie jest Perle Fine? Albo Jay DeFeo? A jeśli już włączono dzieła Jacksona Pollocka, to dlaczego nie uwzględniono Davida Alfaro Siqueirosa, słynnego meksykańskiego muralisty, który prowadził warsztaty w Nowym Jorku (na które uczęszczał Pollock), gdzie po raz pierwszy wprowadzono wiele metod, które Pollock wykorzystał w swoich ikonicznych obrazach z kroplami i rozpryskami? A jeśli już o tym mowa, dlaczego nie uwzględniono Janet Sobel, kobiety malującej rozpryskami, która również uczestniczyła w warsztatach Siqueirosa, a której pracownię Pollock odwiedził przed „innowacyjnym” opracowaniem własnej techniki rozprysków? Prace zarówno Siqueirosa, jak i Sobel znajdują się w kolekcji MoMA. Ich brak na wystawie pokazuje, że ta ekspozycja nie dotyczy innowacji. To tylko powtórzenie standardowych półprawd, które przez pokolenia były przedstawiane jako historia.

Rirkrit Tiravanija – Bez tytułu (dni tego społeczeństwa są policzone / 7 grudnia 2012), 2014. Syntetyczna farba polimerowa i gazeta na płótnie lnianym, 221 x 214,6 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. Fundusz Komitetu ds. Rysunków i Druków, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (po lewej) oraz Ellsworth Kelly – Kolory na dużą ścianę, 1951. Olej na płótnie, sześćdziesiąt cztery panele, 240 x 240 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. Dar artysty, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (po prawej)

Problem z mitami

Ogólnie rzecz biorąc, jedynym przymiotnikiem używanym do opisania MoMA w Paryżu, który nie pachnie przesadą, jest „niezrównana”. To naprawdę pierwszy raz, gdy tak wiele dzieł z MoMA jest pokazywanych jednocześnie we Francji. Zatem, zgodnie z definicją, jest to niezrównane. (Choć nie oznacza to, że nie jest też zwyczajne.) I jedynym frazesem z zestawu prasowego, który zbliża się do prawdy, jest stwierdzenie, że MoMA jest jednym z „najważniejszych muzeów” na świecie. To stwierdzenie jest udowodnione faktami. Niezaprzeczalna ważność MoMA może być wykazana na wiele sposobów. Możemy zmierzyć wpływ instytucji poprzez jej zakupy na inne główne kolekcje sztuki na świecie. W końcu ilu sprzedawców sztuki pokazuje prywatnym kolekcjonerom znaczenie artystów, których reprezentują, odwołując się do tego, w jakich muzeach znajdują się ich dzieła? (Odpowiedź: wszyscy.) Możemy też zmierzyć liczbę odwiedzających MoMA każdego roku (około dwóch do trzech milionów). Możemy spojrzeć na roczny budżet muzeum (około 150 milionów dolarów) oraz pensję jego dyrektora (2,1 miliona dolarów w 2013 roku). Wszystkie te wskaźniki pokazują, że MoMA jest rzeczywiście ogromnie, globalnie wpływowa, a więc ważna.

I to prowadzi nas do ostatniego przymiotnika używanego w związku z tą wystawą: „mityczna”. Ostateczną miarą siły jest zdolność wpływania na to, w co ludzie wierzą jako prawdę. MoMA jest potężna. Ma moc albo dalej tworzyć i rozpowszechniać mity, albo prostować fakty. Przy tej wystawie zarówno Fundacja Louisa Vuittona, jak i MoMA ogłosiły zamiar utrzymania status quo. Tak, prezentowane dzieła są pełne wspaniałości. Ale ile z tej wspaniałości wynika z autentycznej wartości, a ile z uporczywej kampanii marketingowej, która przez pokolenia promowała opowieści o sztuce i historii, które co najwyżej są przesadzone, a w najgorszym wypadku zwykłymi kłamstwami? Prawdziwie innowacyjnym, oryginalnym i nowoczesnym byłoby zorganizowanie wystawy takiego kalibru, która próbowałaby opowiedzieć prawdę o modernizmie. Pokażcie nam, kogo Picasso kopiował. Pokażcie, kogo Pollock naśladował. Pokażcie artystów rdzennych, kobiety artystki, artystów niebiałych i nieprofesjonalnych, na których nadepnęły gwiazdy, które wszyscy znamy i kochamy. To byłaby „innowacyjna”, „wszechstronna” i naprawdę „niezrównana” „wystawa-manifest”, którą mógłbym poprzeć.

Zdjęcie główne: Yayoi Kusama – Akumulacja nr 1, 1962. Uszyte wypchane tkaniny, farba i frędzle krzesła, 94 x 99,1 x 109,2 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. Dar Williama B. Jaffe i Evelyn A. J. Hall (w zamian), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Wszystkie zdjęcia dzięki uprzejmości MoMA i Fundacji Louisa Vuittona

Autor: Phillip Barcio