MoMA w Paryżu - Gospodarzem Fondation Louis Vuitton

W tym tygodniu w Paryżu otwarto głośną wystawę sztuki nowoczesnej, która inspiruje do sporej celebracji. Ale być może powinna również wzbudzać równą ilość zaniepokojenia. Bycie nowoczesnym: MoMA w Paryżu prezentuje około 200 prac z kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Wystawa odbywa się w muzeum Fundacji Louis Vuitton zaprojektowanym przez Franka Gehry'ego i jest to pierwsza okazja, aby znaczna selekcja prac z MoMA została zaprezentowana we Francji. Łatwo jest wymienić wiele powodów, dla których ta wystawa jest uważana za wspaniałą rzecz dla Francji, dla MoMA i dla sztuki nowoczesnej w ogóle. W końcu lista artystów i dzieł zawartych w wystawie obejmuje całą historię muzeum, od jego założenia w 1929 roku aż do dziś. Zawiera wiele największych nazwisk w sztuce z ostatnich 100 lat. Oczywiście każda okazja, aby zobaczyć tak wiele wpływowych i znanych dzieł, powinna być wykorzystana przez każdego, kto może dotrzeć do miejsca wystawy. Ale na chwilę powinniśmy również poważnie przyjrzeć się temu, dlaczego wystawa wywołuje również niepokój: mianowicie, oszałamiająca ilość przesadnych zachwytów na temat znaczenia tego wydarzenia. Oficjalne materiały prasowe, które były wielokrotnie powielane i cytowane przez prasę, nieustannie nazywają wystawę "wystawą manifestu" i opisują MoMA jako jedno z "najważniejszych muzeów" na świecie. Wystawa jest określana jako "innowacyjna", "kompleksowa" i "nieporównywalna". Wciąż na nowo pojawia się nawet słowo "mitologiczna". A to ostatnie przymiotnik, "mitologiczna", wydaje się najbardziej niebezpieczne, ponieważ jest to jedyne odczucie dotyczące tej wystawy, którego nie można zlekceważyć jako zwykłej przesady. Mity są potężne. A gdy mowa o wystawie tej wielkości, mity, które zarówno tworzy, jak i utrzymuje, mają zdolność kształtowania globalnej narracji o sztuce na pokolenia.

Rozpakuj te przymiotniki

Najbardziej oczywiście absurdalnym przymiotnikiem używanym do opisania Being Modern: MoMA w Paryżu jest „kompleksowy”. Konkretnie, w zestawie prasowym stwierdzono, że „Being Modern: MoMA w Paryżu topierwsza kompleksowa wystawa w Francji kolekcjiMuzeum Sztuki Nowoczesnej.” Ale w rzeczywistości, chociaż wystawa jest rzeczywiście znaczna – zawiera około 200 obiektów – obecny rozmiar całej kolekcji MoMA wynosi około 200 000 obiektów. Tak więc ta wystawa prezentuje około jednej tysięcznej tego, co posiada MoMA. To tylko mały wgląd w pełne archiwa. Dlaczego nazywać to kompleksowym? Odpowiedzią może być to, że komisja selekcyjna, w skład której weszli przedstawiciele zarówno Fondation Louis Vuitton, jak i MoMA, uważa, że mikroskopijna liczba wybranych przez nich przedmiotów w pełni reprezentuje charakter i substancję pozostałych 199 800 obiektów, które zostały pominięte. Ale czy to jest chociaż w najmniejszym stopniu prawda?

Przeglądając listę artystów uwzględnionych w MoMA w Paryżu, w żaden sposób nie wydaje się ona reprezentatywna dla całej kolekcji MoMA. Ponad 75 000 obiektów z tej kolekcji jest archiwizowanych online, więc szybko przeszukałem tę bazę danych, aby znaleźć trzech artystów, którzy nie są uwzględnieni w tej wystawie, ale których uważam za jednych z najbardziej wpływowych nowoczesnych artystów w historii: Louise Bourgeois, Anni Albers i Helen Frankenthaler. Okazuje się, że MoMA posiada setki prac tych trzech artystów. Ale dziwnie, że nie są oni uwzględnieni w tej wystawie. Zrobiłem kolejne wyszukiwanie, zauważając, że MoMA w Paryżu zawiera prace kilku męskich dadaistów. Sprawdziłem więc, czy archiwa MoMA mają jakiekolwiek prace wpływowych kobiet dadaistek. Okazuje się, że mają ponad tuzin prac Hanny Höch i Sophie Taeuber Arp, ale tylko ich lepiej znani męscy odpowiednicy są uwzględnieni w tej wystawie. Czy więc możemy powiedzieć, że ta wystawa jest kompleksowa? Z pewnością nie. Możemy powiedzieć, że kuratorzy wybrali prace znanych artystów. Ale to nazywa się blockbusterem, a nie kompleksową reprezentacją historii czy kolekcji MoMA.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neon tubing and wire with glass tubing suspension frames, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Emily and Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

Trudność z innowacją

Następnym przymiotnikiem z MoMA w Paryżu w materiałach prasowych, który musimy rozpakować, jest „innowacyjny”. To znaczące słowo, które słusznie należy do każdej rozmowy o sztuce nowoczesnej. Innowacja implikuje oryginalność, kreatywność, eksperymentowanie, a czasami nawet geniusz. Czy więc to odpowiednie słowo do opisania tej wystawy? Jak już wiemy, artyści nie zostali wybrani, ponieważ byli, lub są, najbardziej kreatywni, najbardziej oryginalni, najbardziej eksperymentalni, czy największymi geniuszami. Z niewielką liczbą wyjątków (takich jak włączenie brazylijskiej konstruktywistki Lygii Clark do znanego klubu minimalistycznych białych chłopców, jak Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly i Frank Stella), artyści zostali wybrani głównie ze względu na rozpoznawalność nazwisk lub dlatego, że pasowali do istniejącej narracji historii sztuki nowoczesnej. Ale to nic nowego, oczywiście. To standardowa taktyka kuratorska dla szerokich retrospektyw historycznych. I to w porządku. Ale to nie jest innowacyjne. Z drugiej strony, być może gdy słowo innowacyjny jest używane do opisania tej wystawy, odnosi się nie do samej wystawy, ale do pracy.

Jeśli tak jest, powinniśmy spodziewać się, że w wystawie znajdą się najbardziej innowacyjni przedstawiciele modernizmu. Aby przeanalizować, czy tak jest, spójrz na listę ekspresjonistów abstrakcyjnych, którzy są prezentowani. Jackson Pollock jest uwzględniony, podobnie jak Willem de Kooning. Ale gdzie są inni? Gdzie jest Louise Nevelson, z pewnością najbardziej innowacyjna rzeźbiarka tamtej generacji? Jej prace znajdują się w MoMA. Dlaczego nie uwzględnić ich tutaj? Gdzie jest Perle Fine? Albo Jay DeFeo? Albo szczerze mówiąc, jeśli zamierzasz uwzględnić prace Jacksona Pollocka, dlaczego nie uwzględnić Davida Alfaro Siqueirosa, słynnego meksykańskiego muralisty, który prowadził warsztaty w Nowym Jorku (w których uczestniczył Pollock), które po raz pierwszy wprowadziły wiele metod, które Pollock wykorzystał w swoich ikonicznych obrazach z kroplami i plamami. A jeśli już mówimy o tym, dlaczego nie uwzględnić Janet Sobel, kobiety malującej plamami, która również uczestniczyła w warsztatach Siqueirosa, a której studio odwiedził Pollock przed "innowowaniem" swojej własnej techniki plamienia. Prace zarówno Siqueirosa, jak i Sobel znajdują się w kolekcji MoMA. Ich brak tutaj pokazuje, że ta wystawa nie dotyczy innowacji. To tylko powtórzenie standardowych półprawd, które przez pokolenia uchodziły za historię.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Synthetic polymer paint and newspaper on linen, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Left) and Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Oil on canvas, sixty-four panels, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Right)

Problem z mitami

Ogólnie rzecz biorąc, jedynym przymiotnikiem używanym do opisania MoMA w Paryżu, który nie pachnie przesadą, jest „nieporównywalny”. To naprawdę pierwszy raz, kiedy tak wiele dzieł z MoMA jest wystawionych jednocześnie we Francji. Więc dobrze, z definicji jest to nieporównywalne. (Choć to nie oznacza, że nie jest również ogólne.) A jedynym frazowym przechwałką w zestawie prasowym, która zbliża się do prawdy, jest to, że MoMA jest jednym z „najważniejszych muzeów” na świecie. Ten komentarz jest wyraźnie faktograficzny. To, że MoMA jest niezaprzeczalnie ważne, można udowodnić na wiele sposobów. Możemy zmierzyć wpływ, jaki instytucja wywiera swoimi zakupami na inne główne kolekcje sztuki na świecie. W końcu, ile sprzedawców sztuki demonstruje prywatnym kolekcjonerom znaczenie artystów, których reprezentują, odnosząc się do tego, w jakich kolekcjach muzealnych znajduje się dany artysta? (Odpowiedź brzmi: wszyscy.) Możemy również zmierzyć liczbę odwiedzających, jaką MoMA otrzymuje każdego roku (około dwóch do trzech milionów). Możemy również spojrzeć na roczny budżet muzeum (około 150 milionów dolarów) oraz pensję jego dyrektora (2,1 miliona dolarów w 2013 roku). Wszystkie te wskaźniki wskazują, że MoMA jest rzeczywiście ogromnie, globalnie wpływowe, a zatem ważne.

A to prowadzi nas do ostatniego przymiotnika używanego w związku z tą wystawą: „mitologiczny”. Ostatecznym miernikiem władzy jest zdolność do wpływania na to, co ludzie uważają za prawdę. MoMA jest potężna. Ma moc albo dalej tworzyć i rozpowszechniać mity, albo prostować fakty. Tą wystawą zarówno Fondation Louis Vuitton, jak i MoMA ogłosiły swoją intencję utrzymania status quo. Tak, dzieła na wystawie są pełne wspaniałości. Ale ile z tej wspaniałości ma związek z autentyczną wartością, a ile ma związek z uporczywym wysiłkiem marketingowym, który przez pokolenia promował historie o sztuce i historii, które są w najlepszym razie przesadzone, a w najgorszym po prostu kłamstwami? Co byłoby naprawdę innowacyjne, oryginalne i nowoczesne, to zorganizowanie wystawy tej wielkości, która próbowałaby opowiedzieć prawdę o modernizmie. Pokażcie nam, kogo Picasso skopiował. Pokażcie nam, kogo Pollock okradł. Pokażcie nam rdzennych artystów, artystki, artystów niebiałych i artystów bez wykształcenia, których szyje były deptane przez supergwiazdy, które wszyscy znamy i kochamy. To byłaby „innowacyjna”, „kompleksowa” i naprawdę „nieporównywalna” „wystawa manifest” za którą mógłbym się opowiedzieć.

Obraz wyróżniający: Yayoi Kusama – Akumulacja nr 1, 1962. Szyte wypełnione tkaniny, farba i frędzle krzesła 37 x 39 x 43″ (94 x 99,1 x 109,2 cm). Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork Dar Williama B. Jaffe'a i Evelyn A. J. Hall (w zamian), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Wszystkie obrazy dzięki uprzejmości MoMA i Fondation Louis Vuitton

Autor: Phillip Barcio