Moc kompozycji Pieta Mondriana z czerwonym, niebieskim i żółtym

Piet Mondrian namalował „Kompozycję z czerwonym, niebieskim i żółtym” w 1930 roku. To oznacza subtelny punkt zwrotny w ewolucji jego charakterystycznego, unikalnego stylu malarskiego, który nazywał Neo-Plastycyzmem. Jego wizualny głos powstał dzięki skrupulatnemu, codziennemu dążeniu do całkowitej abstrakcji, którą uważał za sposób wyrażenia uniwersalnej czystości poprzez sztuki plastyczne. W 1920 roku, w tym samym roku, w którym opublikował swoją książkę Le Néo-Plasticisme, Mondrian namalował swoje pierwsze obrazy w siatce, z czarnymi poziomymi i pionowymi liniami oraz prostokątnymi polami czystego koloru, za które jest teraz najbardziej znany. Na początku swojej eksploracji tej unikalnej pozycji Mondrian eksperymentował z wieloma kolorami i tonami oraz badał różnorodne konfiguracje zarówno dla swoich płócien, jak i dla kształtów w swoich kompozycjach. Do czasu swojej śmierci w 1944 roku osiągnął fantastycznie złożoną i dojrzałą wizję, uosobioną w jego arcydziele „Broadway Boogie Woogie.” To w trakcie tej ewolucji namalował „Kompozycję z czerwonym, niebieskim i żółtym.” Może nie być oczywiste, dlaczego to dzieło jest niezwykłe, ani dlaczego oznacza ważny punkt zwrotny. Ale są pewne aspekty, które wyraźnie odróżniają je od tak wielu innych obrazów stworzonych przez Mondriana i które sygnalizują moment w jego rozwoju, kiedy sam Mondrian zaczynał się przekształcać.

Czytanie wierszy

Niektórzy mówią, że aby zrozumieć prawdziwe przesłanie tego, co mówi dana osoba, trzeba czytać między wierszami. W przypadku „Kompozycji z czerwonym, niebieskim i żółtym” to same linie niosą ukryte przesłanie. Powszechnie wiadomo, że Mondrian dążył do równowagi w swojej pracy. Obszernie pisał o harmonii kompozycyjnej jako reakcji na chaos. Osiągnął to poczucie harmonii, nieustannie poszukując równowagi między elementami plastycznymi swoich obrazów. Ułożenie kolorów, rozmiar kształtów i cechy powierzchni oddziaływały na siebie w sposób, który albo sprawiał, że czuł się niezrównoważony, albo w równowadze. Poszukiwanie zawsze polegało na odkryciu idealnego punktu, w którym kompozycja osiągała rodzaj spokoju.

Jednak z biegiem czasu, Mondrian zaczął nienawidzić samego poczucia spokoju, którego kiedyś pragnął. Jego późniejsze obrazy, które stworzył w Nowym Jorku, inspirowane ruchem miasta i energią muzyki jazzowej, zdają się niemal wibrować i brzęczeć. "Kompozycja z czerwonym, niebieskim i żółtym" oznacza punkt wyjścia w jego zdolności do nadawania swoim obrazom tej energii. Sekret kryje się w liniach. Może być niemal niedostrzegalny przy pierwszym spojrzeniu, ale jeśli przyjrzysz się czarnym liniom w tym obrazie, zobaczysz, że linia w lewym górnym rogu kompozycji jest podwójnej grubości w porównaniu do innych linii. Mondrian wierzył, że ten wybór, aby uczynić jedną z linii podwójnie szeroką, nadał żywotność jego kompozycji. Przemieniał swoje myśli z przekonania o spokoju jako uniwersalnej konieczności w kierunku idei, że nawet całkowicie abstrakcyjna i harmonijna kompozycja potrzebuje energii, aby czuć się żywa.

W zawieszeniu

Mimo dążenia do energii i ruchu, które Mondrian wyraził swoją podwójną szeroką linią, „Kompozycja z czerwonym, niebieskim i żółtym” jest jednak najwyższą manifestacją harmonii malarskiej. W dziwny sposób, w rzeczywistości, energia wprowadzona do obrazu przez szerokie linie równoważy inne elementy malarskie, które w przeciwnym razie mogłyby wydawać się zbyt konkretne. Mówię tu o masywnym czerwonym kwadracie, który dominuje w tym obrazie. Wizualna waga tego kwadratu odzwierciedla idealnie kwadratowy kształt płótna. Prawie wywołuje porównania do obrazu Malewicza sprzed dziesięcioleci. Kusi, aby postrzegać czerwony kwadrat jako temat dzieła, co wyprowadziłoby ten obraz poza sferę czystej abstrakcji. Mondrian wyraźnie starał się użyć jak najmniej innych elementów malarskich w kompozycji. Poszedł w przeciwnym kierunku z małym żółtym prostokątem na dole płótna, a osiągnął punkt środkowy z niebieskim prostokątem. Ale to dziwnie podwójna szeroka linia sugeruje, że w tej kompozycji dzieje się rzeczywiście więcej niż tylko proste kolorowe kształty.

Innym interesującym aspektem tego obrazu, przynajmniej dla mnie, jest to, że Mondrian pozostawił pola koloru nieobramowane na krawędziach płótna. Zdecydowanie nie zawsze tak robił. Często jego prostokąty są całkowicie ogrodzone czarnymi liniami. Pozostawiając kształty otwarte w tym przypadku, zostajemy z myślą, że może linie nigdy nie były zamierzone jako ramy. Może miały być traktowane jako pola koloru równe innym kolorowym kształtom. A może miały działać jako coś konkretnego, a kolor miał być postrzegany bardziej jak światło—coś eterycznego wypełniającego pustą przestrzeń. W tym obrazie, ponieważ nie są one obramowane czarnymi liniami, kolorowe przestrzenie mogą się rozszerzać w nieskończoność w przestrzeni poza krawędzią płótna. Jeśli tak jest, to prawie jakby Mondrian przyciął obraz, który widział w swoim umyśle. Mogę sobie wyobrazić, że zamiast być wszechwiedzącym narratorem fikcyjnego świata wizualnego, był bardziej dokumentalistą, widzącym to, co było przed nim i edytującym to w taki sposób, abyśmy wszyscy mogli to zrozumieć tak, jak on. Być może ta myśl zirytowałaby Mondriana, ponieważ był nieugięty w swoim dążeniu do czystej abstrakcji. Ale to częściowo sprawia, że „Kompozycja z czerwonym, niebieskim i żółtym” jest tak transformującym obrazem. Nie tylko przekształcił jego własny rozwój jako malarza—przekształca również naszą zdolność do interakcji z dziedzictwem jego pracy w sposób, który przekracza nawet oczekiwania, jakie miał dla siebie.

Obraz wyróżniony: Piet Mondrian - Kompozycja w czerwieni, błękicie i żółci. 1930. Olej i papier na płótnie. 46 x 46 cm. Kunsthaus Zürich
Autor: Phillip Barcio