Historia za Kompozycją VII Wassily'ego Kandinsky'ego

„Kompozycja VII” (1913) autorstwa Wassily’ego Kandinsky’ego jest uważana przez wielu miłośników sztuki abstrakcyjnej za najważniejszy obraz XX wieku — a być może nawet za najważniejszy obraz abstrakcyjny w historii. Jednak często, gdy ktoś widzi go po raz pierwszy, reaguje negatywnie, wyrażając złość, frustrację, a nawet odrazę. Bez wątpienia jest to trudny obraz, zwłaszcza dla osób nowych w sztuce abstrakcyjnej. Po pierwsze, jest ogromny, mierzy 200 x 300 centymetrów. Po drugie, powierzchnia jest całkowicie pokryta niezliczonymi nakładającymi się amorficznymi formami, pozornie przypadkowymi liniami i polem minowym kolorów, niektóre żywe, inne rozmyte. Nic nie odnosi się do znanego świata przyrody. Dostrzegalna jest jedynie iluzja głębi, ale przestrzeń, w którą się cofa, nie przypomina rzeczywistości. Obraz może łatwo wydawać się bezsensem dla każdego, kto nie jest gotów podjąć wysiłku, by odkryć jego tajemnice. Jednak dla tych, którzy chcą go studiować z otwartym umysłem, „Kompozycja VII” może przynieść intelektualne, wizualne, a nawet duchowe korzyści na całe życie. I nie jest to przesada. Ten obraz naprawdę jest tak ważny dla niektórych osób — nie tylko ze względu na jego walory wizualne, fizyczne czy formalne, ale dlatego, że dla Kandinsky’ego i tych, którzy go cenią, „Kompozycja VII” stała się konkretnym ucieleśnieniem duchowej czystości w sztuce.

Schody do Siódemki

W latach 1910–1939 Kandinsky namalował 10 płócien, którym nadał tytuł „Kompozycja”. Dziś zachowało się tylko siedem z tych obrazów, ponieważ pierwsze trzy zostały zniszczone podczas I wojny światowej. Jednak istnieją fotografie pierwszych trzech Kompozycji. Choć nie zawierają informacji o kolorze, możemy z nich wywnioskować pewne wskazówki dotyczące istoty wizualnej podróży, na którą wyruszył Kandinsky, tworząc każdy z nich. Ta podróż początkowo polegała na przekształcaniu tradycyjnych pejzaży i postaci w uproszczone, biomorficzne masy, a następnie na formowaniu tych mas w kształty i formy coraz bardziej abstrakcyjne. W „Kompozycji III”, na przykład, formy ludzi i zwierząt są nadal rozpoznawalne, kręcą się wokół, być może bawią się lub walczą, albo jedno i drugie, w pewnego rodzaju pastoralnym otoczeniu. Jednak w „Kompozycji IV” (1911) formy są niemal nierozpoznawalne. Kandinsky mówi nam, że na tym obrazie znajdują się postacie leżące w prawym dolnym rogu oraz dwie wieże stojące na wzgórzu w prawym górnym rogu — scena, którą opisuje jako jednoczesną wojnę i pokój. Jednak bez jego wyjaśnienia trudno byłoby mi dojść do takiego wniosku.

Wassily Kandinski - Kompozycja VI, 1913. Olej na płótnie. 195 x 300 cm. Państwowe Muzeum Ermitażu

„Kompozycja V” (1911) jest jeszcze bardziej abstrakcyjna, a jednak emocje, które wyraża, wydają się bardziej intensywne niż w wcześniejszych Kompozycjach. W tym obrazie formy nadal w pewnym stopniu odnoszą się do świata przyrody, ponieważ lekko humanoidalne postacie i quasi-naturalne cechy, choć uproszczone, są rozproszone po całym obrazie. „Kompozycja VI”, namalowana dwa lata po „Kompozycji V”, jest niemal całkowicie abstrakcyjna. Jej najbardziej charakterystycznym elementem są linie, takie jak sześć równoległych linii na środku obrazu, przypominających gryf gitary. Według Kandinsky’ego obraz ten przedstawia „Potop”, czyli biblijną historię Noego. Starał się wyrazić emocjonalne, psychologiczne i duchowe esencje tej opowieści — zniszczenie i stworzenie; strach i nadzieję — w wizualnej eksploracji równowagi i harmonii. O „Kompozycji VI” napisał, że „oryginalny motyw obrazu (Potop) został rozpuszczony i przeniesiony do wewnętrznego, czysto obrazowego, niezależnego i obiektywnego istnienia”. Niemniej jednak obraz nadal wyraźnie zawiera pewne elementy figuratywne, które łączą jego język wizualny ze światem zewnętrznym.

Wyraz wewnętrznego uczucia

„Kompozycja VII” jest uważana za tak ważną, ponieważ to pierwszy raz, gdy Kandinsky poczuł, że osiągnął ideał, dla którego nazwał swoją serię Kompozycjami. W ostatnich akapitach ostatniego rozdziału swojej przełomowej książki „O duchowości w sztuce”, którą opublikował w 1910 roku, opisuje trzy różne typy artystycznej inspiracji. Pierwszy, który nazywa „imprezją”, opisuje jako bezpośrednie, artystyczne wrażenie natury zewnętrznej. Drugi, który nazywa „improwizacją”, opisuje jako „nieświadome, spontaniczne wyrażenie”, podobne do późniejszej surrealistycznej praktyki automatycznego rysunku. Trzeci, który nazywa „kompozycją”, opisuje jako „wyraz powoli kształtującego się wewnętrznego uczucia, które ujawnia się dopiero po długim dojrzewaniu”. W przypadku „Kompozycji VII” kluczowe jest wyrażenie „długiego dojrzewania”. Gdy malował „Kompozycję VII”, Kandinsky mieszkał w Monachium. Na podstawie zachowanych wówczas zapisków wiemy, że planował „Kompozycję VII” przez wiele miesięcy, tworząc ponad 30 wstępnych szkiców w różnych technikach. Każdy szkic wstępny prowadził do obrazu całkowicie pozbawionego zarówno „imprezji”, jak i „improwizacji”.

Wassily Kandinski - Kompozycja VII, 1913. Olej na płótnie. 79 x 119 cali (200,6 x 302,2 cm). Galeria Tretiakowska

Niedługo po ukończeniu tego kamienia milowego Kandinsky został zmuszony przez wybuch I wojny światowej do powrotu do Rosji. Przygnębiony wojną przez wiele lat prawie wcale nie malował. Dopiero po 10 latach wznowił serię Kompozycji. „Kompozycja VIII” (1923) przekłada abstrakcyjne obrazy poprzednika na czysto geometryczny język wizualny. „Kompozycja IX”, ukończona dopiero w 1936 roku, nie jest całkowicie abstrakcyjna, lecz ponownie wprowadza ideę „imprezji”, dodając formy kwiatowe i inne naturalne motywy. „Kompozycja X” (1939), ukończona pięć lat przed śmiercią Kandinsky’ego, jest wysoce symboliczna i nawet dziś wygląda szokująco nowocześnie. Jednak choć każda z tych późniejszych Kompozycji, jak i każda z sześciu wcześniejszych, może być uznana za wizjonerską, to co wyróżnia „Kompozycję VII”, to fakt, że dzięki przemyślanej, metodycznej, dojrzałej i całkowitej abstrakcji spełnia ona ostateczny ideał, do którego Kandinsky dążył nie tylko w tej serii, ale we wszystkich swoich dziełach XX wieku. To pierwszy raz, gdy Kandinsky osiągnął w malarstwie to, co według niego muzycy osiągają w muzyce: czyste przełożenie uczuć na formalne abstrakcyjne elementy zdolne wyrazić ducha ludzkiego.

Zdjęcie wyróżniające: Wassily Kandinski - Kompozycja V, 1911. Olej na płótnie. 74,8 x 108,2 cala (190 x 275 cm). Kolekcja prywatna.
Wszystkie zdjęcia za pośrednictwem Wikimedia Commons.
Autor: Phillip Barcio