Historia pioniera - Lygia Pape

23 marca 1959 roku w niedzielnym dodatku do Gazety Brazylii ukazał się esej podpisany przez siedmiu brazylijskich artystów, wśród nich Lygia Pape. Szczegółowo przedstawiał, o czym myśleli artyści. Nie że dokładnie wyjaśniał ich sztukę. Raczej wyjaśniał ich powody tworzenia sztuki oraz nadzieję na to, co ich sztuka mogłaby osiągnąć w społeczeństwie. Znany jako Manifesto Neoconcreto (Manifest Neokonkretny), esej ogłosił punkt zwrotny w historii sztuki brazylijskiej. A z perspektywy czasu możemy teraz z całą pewnością powiedzieć, że oznaczał również punkt zwrotny w historii sztuki XX wieku w ogóle. Zwięźle wyrażał wiele problemów z formami sztuki nieobiektowej, które pojawiły się w pierwszej połowie XX wieku, i proponował szereg pomysłów na to, jak je przezwyciężyć, aby stworzyć bardziej konstruktywne, otwarte i uniwersalne podejście do sztuki abstrakcyjnej. Spośród wszystkich artystów, którzy podpisali Manifesto Neoconcreto, Lygia Pape stała się najbardziej wpływowa. Jej prosta, elegancka, precyzyjna metoda pracy zaowocowała twórczością, która wciąż wydaje się świeża i inspirująca dzisiaj.

Wyrażenie problemu

Dla każdego, kto nie rozumie, dlaczego sztuka abstrakcyjna istnieje, ani dlaczego pojawiła się w takim, a nie innym czasie i w taki, a nie inny sposób, Brazylia jest doskonałym punktem odniesienia. Wzrost sztuki abstrakcyjnej w Brazylii miał dość łatwe do zrozumienia powody. Historia Brazylii przed 1945 rokiem jest w wielu aspektach opowieścią o eksploatacji, zmaganiach o władzę i autorytarnym kontrolowaniu. Prawie wszystkie dzieła sztuki, które brazylijscy artyści tworzyli przed 1945 rokiem, były figuratywne, a wiele z nich powstało bezpośrednio w służbie politycznych agend. Łatwo sobie wyobrazić, że kiedy w 1945 roku kraj doświadczył fali liberalnych reform, które towarzyszyły powrotowi do rządów demokratycznych, optymizm i nadzieja były wysokie w umysłach artystów, którzy naturalnie wierzyli, że w końcu będą mieli wolność, aby rozwijać prawdziwą brazylijską awangardę. I tak jak u ich europejskich i amerykańskich odpowiedników, ta nowa wolność objawiła się całkowicie naturalnie w pragnieniu tworzenia sztuki, która nie miała żadnej narracji politycznej ani społecznej, ani żadnego sentymentalnego kontekstu.

To ma sens. Po całym życiu zmuszania do malowania murali generałów, naturalnie możesz chcieć zbadać coś innego, prawda? Przez pokolenia Brazylijczycy postrzegali sztukę tylko jako sposób manipulacji ludźmi. Jednak nowo uwolnieni artyści późnych lat 40. w Brazylii mogli poszukiwać nowych rodzajów sztuki, które mogły być postrzegane jako całkowicie neutralne. Nowo powstająca brazylijska awangarda czerpała wiele inspiracji z fali europejskiej sztuki abstrakcyjnej, która zaczęła pojawiać się w ich muzeach. Szczególnym zainteresowaniem cieszyła się Sztuka Konkretna. Nazwana w 1930 roku przez Theo van Doesburga, istotą Sztuki Konkretnej było tworzenie dzieł sztuki, które odnoszą się tylko do siebie samych. Sztuka konkretna unika sentymentalizmu, liryzmu i obrazów natury, a zamiast tego skłania się ku obiektywnym formom geometrycznym. W opinii wielu brazylijskich artystów pod koniec lat 40. filozofia Sztuki Konkretnej doskonale wyrażała problem: że ich sztuka zawsze była relegowana do wyrażania zewnętrznych agend. Dzięki Sztuce Konkretnej wierzyli, że w końcu mogą uzasadnić swoją pracę jako mającą znaczenie i istotność wyłącznie w swoim własnym prawie.

Lygia Pape - Sem título, 1959/1960, Xilogravura s/ papel japonês, 12 2/5 × 18 9/10 in, 31.5 × 48 cm, photo credits Arte 57, Sao Paulo

Mylenie istnienia z nauką

Wchodzi Lygia Pape. Urodzona w 1927 roku w Rio de Janeiro, Pape była młodą, entuzjastyczną artystką, która dołączyła do wschodzącego ruchu brazylijskiej sztuki konkretnej w jego najwcześniejszych dniach, gdy miała zaledwie 20 lat. Jednak po zaledwie kilku latach Pape i wielu jej współczesnych zaczęli dostrzegać pewne problemy z czysto racjonalną, mechaniczną naturą europejskiej sztuki konkretnej. Czuli, że w pewnym sensie służyła ona również jakiejś agendzie. Nie służyła konkretnej partii politycznej ani szczególnemu punktowi widzenia społecznego. Raczej służyła agendzie całkowitego disengagementu od życia publicznego. Nie była nienarracyjna. Raczej miała autorytarną narrację neutralności.

W 1952 roku Pape i kilku innych artystów, z których wielu było uczniami artysty i pedagoga Ivana Serpy, utworzyli swoją własną podkategorię sztuki konkretnej, nazwaną Grupo Frente (Grupa Frontowa). Nazwa odnosiła się do ich opinii o sobie jako prawdziwej awangardzie brazylijskiej. Przyjęli filozoficzne stanowisko, że ślepe podążanie za istniejącymi teoriami sztuki konkretnej było błędem. Wierzyli, że istnienie jest sensoryczne i osobiste, a osobiste doświadczenie powinno mieć taką samą wartość jak analizy naukowe w ich pracy. Przyjęli również wartość eksperymentowania. Choć nadal tworzyli abstrakcyjne prace, które były głównie geometryczne, wierzyli, że ich prace powinny być ekspresyjne i subiektywne, a zatem otwarte na interpretację ze strony widzów.

Lygia Pape - Grupo Frente Painting, 1954, Tempera on plywood, 15 7/10 × 15 7/10 × 1 2/5 in, 40 × 40 × 3.5 cm, photo credits Galeria Luisa Strina, São Paulo (Left) and Pintura (Grupo Frente), 1954-1956, Gouache sobre madeira, 15 7/10 × 15 7/10 in, 40 × 40 cm, photo credits Graça Brandão, Lisboa (Right)

Przerwa

Po drugiej stronie tej pozycji filozoficznej znajdowała się inna grupa brazylijskich artystów konkretnych, którzy nazywali siebie Ruptura, czyli Przerwanie. Artyści ci przyjęli całkowicie bezsentymentalny, obiektywny, pozbawiony emocji rodzaj sztuki, bardziej związany z europejskimi korzeniami sztuki konkretnej. Przez lata toczyły się spory między członkami tych dwóch grup, czasami osobiście na wystawach, innym razem w prasie. Ale w końcu stało się oczywiste, że Ruptura miała filozoficzną przewagę, jeśli chodzi o sztukę konkretną, ponieważ jej korzenie były rzeczywiście bezsentymentalne i całkowicie obiektywne.

To właśnie z tego powodu w 1959 roku Lygia Pape i jej współpracownicy założyli Ruch Neokonstruktywny i opublikowali Manifest Neokonstruktywny. Istotą filozofii neokonstruktywnej było to, że obiekty sztuki są niezależnymi bytami, które są nowe w istnieniu, które nie tylko zajmują przestrzeń, ale także aktywnie w niej uczestniczą. Ponadto znaczenie i istotność sztuki nie są w pełni znane nawet tym, którzy ją tworzą. Dlatego kluczowe jest, aby widzowie mogli uczestniczyć w dziełach sztuki, aby poprzez indywidualne interpretacje widzów dzieło mogło zrealizować pełen zakres swojego potencjalnego znaczenia.

Lygia Pape - Livro da Criação (Book of Creation), 1959-60, Gouache and tempera on paperboard, 16-page popup book, 30.5 x 30.5 cm each, courtesy of the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Relacje w przestrzeni

Pod sztandarem Ruchu Neokreacyjnego, Lygia Pape stworzyła dzieła sztuki, które pozwoliły członkom społeczeństwa doświadczyć sztuki w sposób, w jaki nigdy wcześniej tego nie robili. Jedną z pierwszych rzeczy, które stworzyła, była 16-stronicowa książka pop-up zatytułowana Księga Stworzenia. Nie była to tak naprawdę książka, ile 16 oddzielnych geometrycznych obiektów abstrakcyjnych pomalowanych w podstawowych kolorach. Obiekty miały być dotykane i manipulowane przez widzów. Ich kinetyczna, uczestnicząca natura była rewolucyjna. Filozofia Neokreacyjna objawiała się w zdolności widzów do interpretacji geometrycznych kształtów w dowolny sposób, jaki wybiorą. Pape nadała każdej "stronie" książki własną nazwę, która odnosiła się do jakiegoś momentu w historii życia, takiego jak ujarzmienie ognia, rolnictwo czy odkrycie nawigacji. Jednak kształty i kolory były całkowicie otwarte na interpretację. Pape powiedziała, że ma nadzieję, iż każdy widz, poprzez swoje własne doświadczenia, podejdzie do książki z punktu widzenia "przez który każda struktura może generować swoje własne znaczenie."

Osiem lat później, w jeszcze jaśniejszym wyjaśnieniu filozofii Neokreacji, Paper stworzyła jedno ze swoich najbardziej fantazyjnych dzieł: Divisor. Ogromna, biała bawełniana tkanina, w której wycięto mnóstwo otworów, zapraszała widzów do „noszenia” jej, wkładając głowy przez otwory. Zanim została „nosa”, dzieło było bezsensowną, białą, geometryczną formą. Ale gdy była „noszona” przez widzów, stawała się żywą rzeczą. Łączyła publiczność ze sztuką w dosłowny sposób, a także łączyła ich nawzajem. Doświadczenie to było potężne, humorystyczne i estetycznie fascynujące, a filozoficzne implikacje były wyrażane w zabawny sposób.

Lygia Pape - Livro Noite e Dia, 1963-1976 Têmpera sobre madeira, 6 3/10 × 6 3/10 × 3/5 in, 16 × 16 × 1.5 cm, photo credits Graça Brandão, Lisboa

Pionierskie dziedzictwo

Sześć lat po opublikowaniu Manifestu Neokonkretnym, Brazylia ponownie zstąpiła w dyktaturę wojskową. Lygia Pape kontynuowała dążenie do swojej awangardowej, neokonkretniej wizji, ale jej prace wielokrotnie stawiały ją w opozycji do rządu. Została nawet uwięziona i torturowana za to. To, czego jej wrogowie nie zdawali sobie sprawy, to fakt, że reagując w taki sposób na jej prace, jedynie potwierdzali ich wewnętrzną wartość oraz ich społeczną i kulturową moc.

Dziś wielu z nas uważa, że sztuka abstrakcyjna ma potencjał do wyrażania różnych dualności, z jakimi się zmagamy, takich jak między naszym intelektem a naszą zwierzęcą naturą, tym, co widzimy, a tym, co czujemy, oraz naszą fizyczną egzystencją a możliwością ducha. Lygia Pape była jedną z nielicznych artystek XX wieku, które wcześnie dostrzegły ten potencjał. Miała artystyczną wrażliwość, aby uchwycić inherentną otwartość form geometrycznych, oraz ludzką potrzebę, aby pozostać otwartym. Ta kombinacja pozwoliła jej stworzyć dziedzictwo, które nadal inspiruje artystów i widzów dzisiaj.

Obraz wyróżniający: Lygia Pape - Divisor, 1968, Tkanina bawełniana, otwory, 20m x 20m, © Projeto Lygia Pape

Wszystkie obrazy © Projeto Lygia Pape, wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio