Wola powściągliwości: Tendencje sztuki redukcyjnej

Myśląc o sztuce, rzadko trafiamy na terminologię, która wykracza poza ograniczające pojęcia stylu, epoki czy nurtu. Jednak gdy się to zdarzy, może to być wyzwalające, a nawet jednoczące, odkryć język, który może odnosić się do całej sztuki, niezależnie od tego, kiedy i przez kogo została stworzona. Sztuka redukcyjna jest takim terminem. Nie odnosi się do nurtu, stylu ani epoki w sztuce. Reprezentuje ideę. Sztuka redukcyjna to sztuka powstała w procesie mającym na celu uproszczenie, zjednoczenie, skondensowanie. W pewnym sensie można powiedzieć, że Dawid Michała Anioła, rzeźba wyrzeźbiona z marmuru, jest redukcyjna. W końcu powstała poprzez proces edycji pierwotnej formy. Z wyjątkiem tego, że Dawid jest też ogromnym skomplikowaniem pierwotnej formy. Gdyby Michał Anioł po prostu zaokrąglił rogi pierwotnego bloku marmuru i pokazał go jako pionowy prostokąt, sugerując człowieczeństwo, zamiast je wyraźnie przedstawiać, byłoby to powściągliwe. Byłoby subtelne. Byłoby redukcyjne.

Zapytaj Agnes

„Kiedy po raz pierwszy stworzyłam siatkę, myślałam o niewinności drzew, a potem w mojej głowie pojawiła się siatka i pomyślałam, że reprezentuje niewinność… więc ją namalowałam i wtedy byłam zadowolona.” - Agnes Martin

Amerykańska malarka abstrakcyjna Agnes Martin jest często określana jako artystka, której prace ucieleśniają istotę sztuki redukcyjnej. Jej obrazy z liniami przekazują podświadome emocje w najbardziej bezpośredni, uproszczony sposób, jaki potrafiła znaleźć. Prace Martin cechowała jasność. Zawierały wąską paletę barw. Opierały się na drastycznie ograniczonym języku form. Poszerzały swoje sugestie przez ograniczanie swoich stwierdzeń. Dodatkowo prace Agnes Martin wykazywały precyzyjne rzemiosło, co jest kolejnym wymogiem sztuki redukcyjnej; dzieło dąży do wyeliminowania elementów rozpraszających, które mogłyby zakłócić odbiór sztuki przez widza. Skromnie oprawione i precyzyjnie wykonane, obrazy Martin wydają się jednocześnie pewne siebie i pokorne.

Joanne Freeman - Okładki 20 Czerwony A, 2015. Gwasz na ręcznie czerpanym papierze Khadi. 50,8 x 50,8 cm.

Współczesne trendy w redukcji

Prace współczesnej amerykańskiej malarki abstrakcyjnej Joanne Freeman często określane są jako redukcyjne. Używając żywej, ograniczonej palety barw, Freeman maluje ostro zarysowane formy geometryczne oraz uproszczone, intuicyjne gesty na tle surowej bieli. Freeman inspiruje się tematami takimi jak miejskie oznakowanie, architektura, trendy graficzne z połowy XX wieku oraz ostre cienie, które często pojawiają się na budynkach wystawionych na działanie słońca. Jej obrazy nawiązują do tego współczesnego języka wizualnego, ale w powściągliwy, refleksyjny sposób.

Szwajcarski malarz Daniel Göttin również dąży do jasności i uproszczenia w swoich pracach. Posługuje się ograniczonym językiem rozpoznawalnych geometrycznych kształtów, linii i wzorów. Wprowadza ograniczoną gamę barw, aby przedstawić odważne, bezpośrednie estetyczne wypowiedzi. Göttin mówił, że zamierza skierować uwagę widza „na przestrzeń wewnątrz obiektu”. To zenowskie zaproszenie do medytacyjnego spotkania z dziełem sprawia, że odbiór jest nieco podobny do powtarzania mantry.

Daniel Göttin - Stoki B4, 2016. Akryl na MDF. 30 x 24 cm.

Fenomenologiczna redukcja

My, ludzie, specjalizujemy się w doświadczaniu. Postrzegamy nasze doświadczenia przez świadomość. Aby je osadzić w kontekście, tworzymy w naszych umysłach struktury. Poprzez nasze działania dzielimy się tymi strukturami z innymi, a struktury te z kolei manifestują się w świecie fizycznym na niezliczone sposoby: filozoficznie, materialnie, emocjonalnie, społecznie itd. Badanie tych struktur ludzkiego doświadczenia i świadomości nazywa się fenomenologią. Fenomenologia jest sercem sztuki redukcyjnej. Poprzez badanie struktur ludzkich doświadczeń i redukcję języka wizualnego wynikającego z tych doświadczeń, artysta może dojść do symbolicznego języka zdolnego dotrzeć do głębszych znaczeń skomplikowanego świata naszej świadomości.

Amerykański artysta abstrakcyjny Tom McGlynn skupia się na fenomenologicznym podejściu w swojej twórczości. Poprzez destylację języka wizualnego miasta, McGlynn opracował słownik wizualny ograniczony do ostro zarysowanych kwadratów, prostokątów i linii. Jego obrazy są rygorystycznie kontrolowane i precyzyjnie wykonane. Przedstawiają migawki uproszczonej miejskiej rozmowy, prowadzonej symbolicznie i w dwóch wymiarach. Prace McGlynna są podświadomym, redukcyjnym tłumaczeniem zbudowanego krajobrazu, w którym się znajdują.

Tom McGlynn - Badanie 4, 2013. Akryl na papierze Fabriano. 55,8 x 83,8 cm

Cel sztuki redukcyjnej

„Ludzie, którzy patrzą na mój obraz, mówią, że sprawia im radość, jak uczucie, gdy budzisz się rano. A radość to przecież cel, prawda?” - Agnes Martin

Ten cytat doskonale podsumowuje cel i efekt udanej sztuki redukcyjnej. Oczywiście nie każdy budzi się rano, a nie każdy, kto się budzi, czuje się z tego powodu szczęśliwy. To nie jest istota sprawy. Istotą jest uproszczenie. Agnes Martin czuła się szczęśliwa rano i w jakiś sposób wyodrębniła to precyzyjne uczucie i wyraziła je w swojej pracy, a niektórzy widzowie, którzy zetknęli się z jej dziełem, również je poczuli. To jest jasność. O to chodzi w sztuce redukcyjnej.

Zdjęcie wyróżnione: Tom McGlynn - Wzór testowy 11 (Kelly), 2005. Akryl na papierze Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.
Autor: Phillip Barcio