Wola powściągliwości: Tendencje sztuki redukcyjnej

Kiedy myślimy o sztuce, rzadko udaje się dotrzeć do terminologii, która przekracza ograniczające pojęcia stylu, okresu czy ruchu. Ale kiedy to się udaje, może być to wyzwalające, a nawet jednoczące, odkryć język, który może odnosić się do wszystkich dzieł sztuki, niezależnie od tego, kiedy zostały stworzone i przez kogo. Sztuka redukcyjna to taki termin. Nie odnosi się do ruchu, stylu ani okresu w sztuce. Reprezentuje ideę. Sztuka redukcyjna to sztuka stworzona w procesie mającym na celu uproszczenie, skonsolidowanie, skondensowanie. W pewnym sensie można by powiedzieć, że Dawid Michała Anioła, rzeźba wyrzeźbiona z marmuru, jest redukcyjny. W końcu został stworzony w procesie edytowania oryginalnej formy. Tyle że Dawid jest również ogromnym skomplikowaniem oryginalnej formy. Gdyby Michał Anioł po prostu zaokrąglił rogi oryginalnego bloku marmuru i wyeksponował go jako pionowy prostokąt, sugerując człowieczeństwo, a nie przedstawiając go w sposób dosłowny, to pokazałby powściągliwość. Byłoby to subtelne. Byłoby to redukcyjne.

Zapytaj Agnieszkę

„Kiedy po raz pierwszy stworzyłam siatkę, myślałam o niewinności drzew, a potem w mojej głowie pojawiła się siatka i pomyślałam, że reprezentuje niewinność… więc ją namalowałam i wtedy byłam usatysfakcjonowana.” - Agnes Martin

Amerykańska malarka abstrakcyjnego ekspresjonizmu Agnes Martin jest często określana jako malarka, której prace ucieleśniały istotę sztuki redukcyjnej. Jej malowidła z liniami przekazują podświadome emocje w najbardziej bezpośredni, uproszczony sposób, jaki mogła znaleźć. Prace Martin charakteryzowały się klarownością. Zawierały wąską paletę. Czerpały z drastycznie ograniczonego języka form. Rozszerzały swoje insynuacje poprzez ograniczenie swoich twierdzeń. Dodatkowo, prace Agnes Martin wykazywały precyzyjne rzemiosło, co stanowiło kolejny wymóg sztuki redukcyjnej; że dzieło dąży do eliminacji rozpraszających elementów, które mogłyby zakłócić doświadczenie widza z dziełem sztuki. Skromnie oprawione i precyzyjnie wykonane, obrazy Martin wydają się jednocześnie pewne siebie i skromne.

Joanne Freeman - Covers 20 Red A, 2015. Gwasz na ręcznie robionym papierze Khadi. 50,8 x 50,8 cm. 

Współczesne trendy w redukcji

Prace współczesnej amerykańskiej malarki abstrakcyjnej Joanne Freeman często opisuje się jako redukcyjne. Używając żywej, uproszczonej palety kolorów, Freeman maluje ostro zarysowane formy geometryczne oraz uproszczone, intuicyjne gesty na surowych białych tłach. Freeman czerpie inspirację z tematów takich jak oznakowanie miejskie, architektura, trendy w projektowaniu graficznym z połowy wieku oraz ostre cienie, które często pojawiają się na budynkach wystawionych na działanie słońca. Jej obrazy nawiązują do współczesnego języka wizualnego, ale w stonowany, refleksyjny sposób.

Szwajcarski malarz Daniel Göttin dąży również do klarowności i uproszczenia w swojej pracy. Pracuje z ograniczonym językiem rozpoznawalnych geometrycznych kształtów, linii i wzorów. Wprowadza ograniczoną paletę kolorów, aby przedstawić odważne, bezpośrednie estetyczne stwierdzenia. Göttin powiedział, że zamierza skierować uwagę widza „na przestrzeń wewnątrz obiektu.” To zenowskie zaproszenie do medytacyjnego spotkania z dziełem sprawia, że doświadczenie widza jest w pewnym sensie podobne do powtarzania mantry.

Daniel Göttin - Slopes B4, 2016. Akryl na MDF. 30 x 24 cm. 

Redukcja fenomenologiczna

My, ludzie, specjalizujemy się w przeżywaniu doświadczeń. Postrzegamy nasze doświadczenia przez naszą świadomość. Aby umiejscowić nasze doświadczenia w kontekście, tworzymy struktury w naszych umysłach. Poprzez nasze działania dzielimy się tymi strukturami z innymi, a struktury te z kolei manifestują się w świecie fizycznym na niezliczone sposoby: filozoficznie, materialnie, emocjonalnie, społecznie itd. Badanie tych struktur ludzkiego doświadczenia i świadomości nazywa się Fenomenologią. Fenomenologia leży u podstaw sztuki redukcyjnej. Studiując struktury ludzkich doświadczeń i redukując język wizualny, który wywodzi się z tych doświadczeń, artysta może dojść do symbolicznego języka zdolnego do dostępu do głębszych znaczeń kryjących się za skomplikowanym światem naszych świadomości.

Amerykański artysta abstrakcyjny Tom McGlynn koncentruje się na fenomenologicznym podejściu w swojej praktyce. Destylując wizualny język miasta, McGlynn opracował wizualny słownik ograniczony do ostrych kwadratów, prostokątów i linii. Jego obrazy są rygorystycznie kontrolowane i precyzyjnie wykonane. Prezentują one migawki uproszczonej miejskiej rozmowy, prowadzonej symbolicznie i w dwóch wymiarach. Prace McGlynna są nieświadomym, redukcyjnym tłumaczeniem zbudowanego krajobrazu, w którym się znajdują.

Tom Mcglynn - Survey 4, 2013. Akryl na papierze Fabriano. 55,8 x 83,8 cm

Cel sztuki redukcyjnej

„Ludzie, którzy patrzą na mój obraz, mówią, że sprawia im radość, jak uczucie, gdy budzisz się rano. A szczęście jest celem, prawda?” - Agnes Martin

"Ten cytat doskonale podsumowuje cel i rezultat udanej sztuki redukcyjnej. Oczywiście, oczywiste jest, że nie każdy budzi się rano, a nie każdy, kto się budzi, czuje się z tego powodu szczęśliwy. To nie jest istota sprawy. Istotą jest uproszczenie. Agnes Martin czuła się szczęśliwa rano i w jakiś sposób wyekstrapolowała to dokładne uczucie i wyraziła je w swojej pracy, a niektórzy widzowie, którzy zetknęli się z tą pracą, również to poczuli. To jest klarowność. O to chodzi w sztuce redukcyjnej."

Obraz wyróżniony: Tom Mcglynn - Test Pattern 11 (Kelly), 2005. Akryl na papierze Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.
Autor: Phillip Barcio