Ci artyści nadal redefiniują sztukę wydrukowaną w 3D

Usłyszałem kiedyś dowcip na wernisażu sztuki z udziałem 3D drukowanej sztuki. Brzmiał mniej więcej tak: „Jak rozpoznać, że patrzysz na dzieło 3D drukowanej sztuki?” Odpowiedź: „Bo wszyscy ci o tym mówią.” To rozbawiło mnie przede wszystkim dlatego, że to prawda, ludzie są tak podekscytowani tym medium, że nie mogą się powstrzymać od rozgłosu na jego temat. Po drugie śmiałem się, ponieważ w prawie każdym przypadku 3D drukowanej sztuki, jaki widziałem, fakt, że została wykonana za pomocą drukarki 3D, wydawał mi się nieistotny. Nic w tych dziełach nie wymagało tej technologii. Wszystko mogło zostać wykonane innymi metodami. Co rodzi pytanie: o czym wszyscy tak mówią? Drukarki 3D to tylko narzędzia, nie różniące się z natury od, powiedzmy, projektorów. Nigdy nie zdarzyło mi się, by ktoś podszedł do mnie w galerii, wskazał rysunek i powiedział: „To zostało wykonane za pomocą projektora.” Ale z drugiej strony, nigdy też nikt nie powiedział mi: „To zostało całkowicie wykonane przez asystentów, gdy artysta był na wakacjach.” Chodzi o to, że to nie ma znaczenia. Gdy pomysł na dzieło powstanie i podejmowane są kroki, by je zrealizować, nie ma różnicy, czy faktyczna praca jest wykonywana przez tę maszynę czy tamtą, czy przez te ręce czy inne. Fakt, że do stworzenia dzieła użyto drukarki 3D, w żaden sposób nie potwierdza wartości pracy — to tylko jeden aspekt doświadczenia, i zazwyczaj najmniej istotny. To przynajmniej moje zdanie. Dlatego gdy poproszono mnie o napisanie o artystach redefiniujących 3D drukowaną sztukę, przyjąłem perspektywę, że powinienem przedstawić artystów, którzy mają interesujące pomysły i tworzą prace, o których chciałbym mówić, niezależnie od tego, jak są one wykonywane. Z tym zastrzeżeniem, oto siedmiu artystów wykorzystujących technologię druku 3D do tworzenia swoich dzieł, którzy dzięki sile swoich pomysłów redefiniują miejsce tego nowego narzędzia we współczesnej estetyce.

Rirkrit Tiravanija

Jeśli kiedykolwiek słyszałeś termin Estetyka Relacyjna lub Sztuka Relacyjna, prawdopodobnie znasz tajskiego artystę Rirkrita Tiravaniję. Jego prace były kluczowe dla wzrostu popularności tego typu doświadczeń artystycznych w latach 90. Jego najsłynniejsza wystawa sztuki relacyjnej nosiła tytuł pad thai. Na wystawie, która odbyła się w galerii Paula Allen w Nowym Jorku w 1990 roku, zamiast tworzyć i pokazywać dzieła, artysta gotował pad thai w przestrzeni galerii i serwował go odwiedzającym. Wystawa pomogła zdefiniować estetykę relacyjną jako eksplorację idei, że artyści nie są tyle twórcami, co raczej organizatorami doświadczeń. Najważniejsze są relacje międzyludzkie, które z tych doświadczeń wynikają.

Niedawno Tiravanija zwrócił na siebie uwagę dzięki immersyjnej instalacji na Art Basel Hong Kong 2017, która kwestionowała rolę sztuki i historii sztuki w ludzkim doświadczeniu. Praca była zasadniczo ogromnym labiryntem zbudowanym z tradycyjnie wiązanego bambusa. Odwiedzający wchodzili do labiryntu i podczas poszukiwania drogi napotykali stopniowo pięć 3D drukowanych drzewek bonsai, każde umieszczone na drewnianym postumencie inspirowanym rzeźbiarskimi podstawami tworzonymi niegdyś przez artystę Constantina Brâncușiego. Fakt, że drzewka bonsai są drukowane w 3D, nie jest najważniejszy. Liczy się to, że są sztuczne. Istotą bonsai jest to, że jest to rzecz naturalna, zmieniona przez ludzkie ręce w taki sposób, że ingerencja człowieka jest nie do rozpoznania. W tym przypadku sztuczność drzewek, połączona z sugestywnymi skojarzeniami wywołanymi przez labirynt, a także odniesieniami do historii sztuki, tworzy razem abstrakcyjne, otwarte doświadczenie, które wymaga interakcji społecznej, by zrozumieć jego potencjalne poziomy znaczenia.

Rirkrit Tiravanija - Bez tytułu 2017 (bez wody bez ognia), 2017. 3D drukowane drzewko bonsai na drewnianej podstawie. © Rirkrit Tiravanija, dzięki uprzejmości galerii Neugerriemschneider, Berlin

Wieki Somers

Słowo vanitas pochodzi z łaciny i oznacza pustkę. Używano go w Niderlandach w XVI i XVII wieku jako nazwy rodzaju martwej natury. Obrazy vanitas to zasadniczo martwe natury przedstawiające zbiory banalnych, materialnych przedmiotów, zwykle wraz z ludzkimi czaszkami, ukazujące bezsensowność dążenia do ziemskich dóbr. Holenderska artystka i projektantka Wieki Somers wykorzystała język wizualny charakterystyczny dla obrazów vanitas w serii 3D drukowanych dzieł, które stworzyła w 2010 roku, w odpowiedzi na konkurs projektowy, który prosił projektantów, by „zastanowili się nad pojęciem postępu.” Seria zatytułowana Consume or Conserve (Konsumuj lub oszczędzaj) zawierała trzy rzeźbiarskie martwe natury. Każda z nich składała się z banalnych, codziennych przedmiotów, takich jak waga, odkurzacz i toster, całkowicie wydrukowanych w 3D z popiołów ludzkich szczątków.

W wyjaśnieniu pracy Somers zwróciła uwagę, że technologia ludzka rozwinęła się do tego stopnia, że wkrótce możemy stanąć w obliczu perspektywy życia wiecznego. „Ale,” zapytała, „czemu służy życie wieczne, jeśli używamy go tylko po to, by nadal być zwykłymi konsumentami, którzy dążą do coraz większej ilości produktów, bez względu na konsekwencje? Kontynuując tę drogę niekrytycznej innowacji, pewnego dnia możemy obudzić się przemienieni w te same produkty, które składamy.” Posunęła tę koncepcję do logicznego końca, dosłownie tworząc produkty z pozostałości niegdyś cennych ludzkich żyć.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D drukowane ludzkie szczątki. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Nowojorska artystka Stephanie Lempert tworzy prace o komunikacji. Ma nadzieję zwrócić naszą uwagę na język i sposoby, w jakie używamy go do przekazywania naszych opowieści, historii i wspomnień, by tworzyć sens w naszym życiu. Jako artystka wielowymiarowa, Lempert korzysta z różnych mediów. Jednym z jej najbardziej zwięzłych cykli jest seria zatytułowana Reconstructed Reliquaries (Odtworzone relikwiarze), dla której stworzyła rzeźbiarskie relikwie dosłownie zbudowane z języka. Te obiekty przemawiają same za siebie na wielu poziomach. Lempert stworzyła je za pomocą oprogramowania do druku 3D. Woli jednak używać standardowego w branży, choć mniej efektownego terminu, szybka prototypowa rzeźba.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, W poszukiwaniu utraconego czasu, 2011. Szybka prototypowa rzeźba. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Holenderski artysta Theo Jansen zyskał sławę w latach 90., gdy zaczął tworzyć swoje Strandbeests, gigantyczne, kinetyczne stworzenia, które zdają się same poruszać. Nazywa je „samopędzącymi się zwierzętami plażowymi.” Możliwe, że widziałeś nagrania, na których poetycko pełzają po plażach na całym świecie. Częściowo projektant, częściowo inżynier, a częściowo artysta, Jansen powiedział kiedyś: „Ściany między sztuką a inżynierią istnieją tylko w naszych umysłach.” Zazwyczaj jego duże konstrukcje wykonane są z rur PCV. Ale ostatnio zaczął udostępniać swoje dzieła niemal każdemu, oferując miniaturowe, 3D drukowane Strandbeests na sprzedaż za jedyne 160 euro. Co najwspanialsze, każdy, kto zdobędzie plany, może mieć je wydrukowane. Jak mówi jego strona internetowa: „Strandbeests Theo Jansena znalazły sposób na rozmnażanie, wstrzykując swoje cyfrowe DNA bezpośrednio do systemów druku 3D.”

Theo Jansen - Miniaturowy 3D drukowany Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Prace belgijskiego artysty Nicka Ervincka krzyczą żywymi kolorami i ekscytującymi formami, ucieleśniając ideę, że przedmiot zajmujący przestrzeń może także tworzyć przestrzeń. Jego rzeźby występują w różnych rozmiarach, od miniatur po monumentalne dzieła publiczne. Projektując własne narzędzia i techniki druku 3D, przesuwa granice tego narzędzia, wykorzystując je nie tylko jako cel sam w sobie, ale jako osobliwą metodę realizacji swoich osobistych wizjonerskich kreacji.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Poliuretan i poliester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Artysta z Brooklynu, Shane Hope, wykorzystuje 3D drukowane struktury komórkowe jako jeden z elementów swoich abstrakcyjnych obrazów. Z daleka wyglądają jak malarskie dzieła pokryte grubą warstwą farby, ale przy bliższym spojrzeniu ukazują się stosy złożonych nano-struktur. Fakt, że ten element został wydrukowany w 3D, nie jest oczywisty ani konieczny do docenienia prac, ale rozważenie implikacji tej technologii dodaje warstw potencjalnego znaczenia.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D drukowane modele molekularne PLA na podłożu akrylowym. © Shane Hope, dzięki uprzejmości galerii Winkleman, Nowy Jork

Monika Horcicova

Prace czeskiej artystki Moniki Horcicovej są poruszające i piękne. Powraca do tematów ludzkich kości i struktur szkieletowych, tworząc kompozycje, które kwestionują nasze wyobrażenia o własnym celu i potencjale. Choć nie pracuje wyłącznie w tym medium, często korzysta z technologii druku 3D do tworzenia swoich rzeźb z gipsowego kompozytu.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D drukowany gipsowy kompozyt. © Monika Horcicova

Zdjęcie główne: Rirkrit Tiravanija - Bez tytułu 2013 (indeksacyjny cień nr 1), 2013-2017. Podstawa ze stali nierdzewnej (3 panele), plastik drukowany w 3D (drzewko bonsai), stal nierdzewna (postument). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 cali, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija i galeria Pilar Corrias, Londyn
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio