Ci artyści nadal redefiniują sztukę wydrukowaną w 3D

Usłyszałem kiedyś żart na otwarciu wystawy sztuki z udziałem sztuki wydrukowanej w 3D. Brzmiał mniej więcej tak: „Jak wiesz, że patrzysz na dzieło sztuki wydrukowanej w 3D?” Odpowiedź: „Bo wszyscy ci o tym mówią.” Rozśmieszyło mnie to przede wszystkim dlatego, że to prawda, ludzie mają tendencję do takiego podekscytowania tym medium, że po prostu nie mogą się powstrzymać od gadania o tym. A po drugie, śmiałem się, ponieważ w prawie każdym przypadku sztuki wydrukowanej w 3D, które widziałem, fakt, że zostało to zrobione przy użyciu drukarki 3D, wydawał mi się nieistotny. Nic w tych dziełach nie wydawało się wymagać tej technologii. Wszystko mogłoby być zrobione przy użyciu innych środków. Co rodzi pytanie: O co wszystkim chodzi? Drukarki 3D to tylko narzędzia, nie różnią się w swojej naturze od, powiedzmy, projektorów. Nigdy nie zdarzyło mi się, żeby ktoś podszedł do mnie w galerii, wskazał na rysunek i powiedział: „To zostało zrobione przy użyciu projektora.” Ale z drugiej strony, nigdy nie zdarzyło mi się, żeby ktoś podszedł do mnie i powiedział: „To zostało całkowicie zrobione przez asystentów, podczas gdy artysta był na wakacjach.” Chodzi o to, że to nie ma znaczenia. Gdy pomysł na dzieło sztuki jest już uformowany i podejmowane są kroki, aby go zrealizować, nie ma znaczenia, czy rzeczywiste dzieło jest wykonane przez tę maszynę czy tamtą maszynę, czy tę parę rąk czy tamtą parę rąk. Fakt, że do stworzenia sztuki użyto drukarki 3D, w żaden sposób nie potwierdza wartości dzieła – to tylko jeden aspekt doświadczenia, a zazwyczaj ten najmniej istotny. To przynajmniej moja opinia. Kiedy więc poproszono mnie o napisanie o artystach, którzy redefiniują sztukę wydrukowaną w 3D, przyjąłem perspektywę, że powinienem przedstawić artystów, którzy mają interesujące pomysły i tworzą dzieła, o których chciałbym rozmawiać, niezależnie od tego, jak te dzieła są tworzone. Tak więc, mając na uwadze to zastrzeżenie, oto siedmiu artystów korzystających z technologii druku 3D do tworzenia swoich prac, którzy, dzięki sile swoich pomysłów, redefiniują miejsce tego nowego narzędzia w współczesnej estetyce.

Rirkrit Tiravanija

Jeśli kiedykolwiek słyszałeś termin Estetyka Relacyjna lub Sztuka Relacyjna, prawdopodobnie słyszałeś o tajskim artyście Rirkrit Tiravanija. Jego prace były kluczowe dla wzrostu popularności tego typu doświadczeń artystycznych w latach 90. Jego najsłynniejsza wystawa sztuki relacyjnej nosiła tytuł pad thai. Na wystawie, która odbyła się w Paula Allen Gallery w Nowym Jorku w 1990 roku, zamiast tworzyć i pokazywać dzieła, artysta gotował pad thai w przestrzeni i serwował go odwiedzającym galerię. Wystawa pomogła zdefiniować estetykę relacyjną jako eksplorację idei, że artyści nie są tak bardzo twórcami, ale ułatwiaczami doświadczeń. Ludzkie relacje, które wyłaniają się z tych doświadczeń, są tym, co jest najważniejsze.

Ostatnio Tiravanija zyskuje uwagę dzięki swojej immersyjnej instalacji na Art Basel Hong Kong 2017, która kwestionowała rolę sztuki i historii sztuki w ludzkim doświadczeniu. Dzieło to było w zasadzie gigantycznym labiryntem zbudowanym z tradycyjnie związanych bambusów. Odwiedzający wchodzili do labiryntu, a podczas poszukiwania drogi w jego wnętrzu stopniowo napotykali pięć 3D wydrukowanych drzewek bonsai, z których każde umieszczone było na drewnianym piedestale inspirowanym rzeźbiarskimi podstawami stworzonymi niegdyś przez artystę Constantina Brâncușiego. Fakt, że drzewka bonsai są wydrukowane w 3D, nie jest najważniejszy. Ważne jest to, że są sztuczne. Istotą drzewka bonsai jest to, że jest to naturalna rzecz, w którą ingerują ludzkie ręce w taki sposób, że ta ingerencja jest nierozpoznawalna. W tym przypadku sztuczność drzew połączona z sugestywnymi pojęciami inspirowanymi labiryntem, wszystko wymieszane z odniesieniami do historii sztuki, współdziała, aby dać widzom abstrakcyjne, otwarte doświadczenie, które wymaga interakcji społecznej, aby zrozumieć jego potencjalne poziomy znaczenia.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Wieki Somers

Słowo vanitas pochodzi z łaciny i oznacza pustkę. Było używane w Niderlandach w XVI i XVII wieku jako nazwa dla rodzaju martwej natury. Obrazy vanitas to w zasadzie martwe natury przedstawiające zbiory banalnych, materialnych przedmiotów, zazwyczaj wraz z ludzkimi czaszkami, ilustrujące bezsensowność dążenia do ziemskich rzeczy. Holenderska artystka i projektantka Wieki Somers wykorzystała wizualny język charakterystyczny dla obrazów vanitas w serii wydrukowanych w 3D dzieł sztuki, które stworzyła w 2010 roku, w odpowiedzi na konkurs projektowy, który poprosił projektantów o „przemyślenie pojęcia postępu”. Tytułowana Consume or Conserve, seria, którą stworzyła, zawierała trzy rzeźbiarskie tableau martwej natury. Każde tableau składało się z banalnych, codziennych produktów, takich jak waga, odkurzacz i toster, całkowicie wydrukowanych w 3D z popiołów ludzkich szczątków.

W swoim wyjaśnieniu pracy, Somers zauważyła, że technologia ludzka rozwinęła się do tego stopnia, że wkrótce możemy stanąć przed perspektywą wiecznego życia. „Ale,” zapytała, „do czego jest dobre wieczne życie, jeśli używamy go tylko do tego, aby nadal być jedynie konsumentami, którzy dążą do coraz większej liczby produktów, niezależnie od konsekwencji? Kontynuując tę drogę niekrytykowanej innowacji, pewnego dnia możemy odkryć, że zostaliśmy przemienieni w same produkty, które składamy.” Podążyła za tym konceptem do jego logicznego zakończenia, dosłownie tworząc produkty z resztek niegdyś cennych ludzkich żyć.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Artystka z Nowego Jorku, Stephanie Lempert, tworzy prace dotyczące komunikacji. Ma nadzieję zwrócić naszą uwagę na język i sposoby, w jakie go używamy, aby przekazać nasze historie, nasze historie i nasze wspomnienia, aby nadać sens naszemu życiu. Jako artystka wielowymiarowa, Lempert korzysta z różnych mediów. Jednym z jej najbardziej zwięzłych zbiorów prac jest seria zatytułowana Rekonstrukcja Relikwiarzy, dla której stworzyła rzeźbiarskie relikwie, które są dosłownie zbudowane z języka. Te obiekty mówią same za siebie na wielu poziomach. Lempert stworzyła je przy użyciu oprogramowania do druku 3D. Woli jednak używać standardowej terminologii branżowej, ale mniej chwytliwej, rzeźba prototypowa w szybkim wytwarzaniu.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Holenderski artysta Theo Jansen zyskał popularność w latach 90., kiedy zaczął tworzyć swoje Strandbeesty, gigantyczne, kinetyczne stworzenia, które wydają się chodzić same. Są, jak je nazywa, „samopropelującymi się zwierzętami plażowymi.” Możliwe, że widziałeś nagrania, na których poetycko pełzają po plażach na całym świecie. Częściowo projektant, częściowo inżynier i częściowo artysta, Jansen kiedyś powiedział: „Ściany między sztuką a inżynierią istnieją tylko w naszych umysłach.” Zazwyczaj jego duże dzieła są wykonane z rur PVC. Ale ostatnio zaczął udostępniać swoje dzieła prawie każdemu, oferując miniaturowe, wydrukowane w 3D Strandbeesty na sprzedaż za jedyne 160,00 €. Co najwspanialsze, każdy, kto może zdobyć plany, może je wydrukować. Jak stwierdza jego strona internetowa: „Strandbeesty Theo Jansena znalazły sposób na rozmnażanie się, wstrzykując swoje cyfrowe DNA bezpośrednio do systemów druku 3D.”

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Prace belgijskiego artysty Nicka Ervincka krzyczą żywymi kolorami i ekscytującymi formami, ucieleśniając pojęcie, że w jakiś sposób obiekt zajmujący przestrzeń może również tworzyć przestrzeń. Jego rzeźby występują w różnych rozmiarach, od miniatur po monumentalne dzieła publiczne. Projektując własne narzędzia i techniki druku 3D, przesuwa granice tego narzędzia, wykorzystując je nie tylko jako cel sam w sobie, ale jako idiosynkratyczną metodę realizacji swoich osobistych wizjonerskich kreacji.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Nadzieja

Artysta z Brooklynu, Shane Hope, wykorzystuje 3D drukowane struktury komórkowe jako jeden z elementów swoich abstrakcyjnych obrazów. Z daleka wydają się być malarskimi dziełami nałożonymi grubymi pociągnięciami pędzla, ale po bliższym zbadaniu ujawniają się stosy złożonych nano-struktur. To, że ten element został wydrukowany w technologii 3D, nie jest oczywiste ani konieczne do docenienia tych dzieł, ale rozważenie implikacji tej technologii dodaje warstw do ich potencjalnego znaczenia.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Prace czeskiej artystki Moniki Horcicovej są przejmujące i piękne. Powraca do tematów ludzkich kości i struktur szkieletowych, tworząc kompozycje, które kwestionują nasze wyobrażenia o własnym celu i potencjale. Choć nie pracuje wyłącznie w tej technice, często korzysta z technologii druku 3D, aby tworzyć swoje rzeźby z kompozytu gipsowego.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

Obraz wyróżniony: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (cienisty indeksowy nr 1), 2013-2017. Podstawa ze stali nierdzewnej (3 x panele), plastik wydrukowany w technologii 3D (drzewko bonsai), sześcian ze stali nierdzewnej (postument). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 cali, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija i Pilar Corrias Gallery, Londyn
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio