Czego nauczyliśmy się od Constantina Brancusiego?

Kiedy wyobrażasz sobie abstrakcyjnego rzeźbiarza, co przychodzi ci na myśl? Ktoś w wytrzymałym roboczym ubraniu, pokryty plamami gipsu? Ktoś poważny, dociekliwy i zafascynowany perfekcją? Ktoś wizjonerski, pełen zarówno pewności siebie, jak i pokory? Wszystko to może brzmieć zbyt poetycko, jak karykatura. Ale doskonale opisuje Constantina Brancusiego, ojca modernistycznej abstrakcyjnej rzeźby. Akt nadania objętości w przestrzeni w sposób niefiguratywny nie jest łatwy. Ale kiedy Brancusi zrobił to po raz pierwszy, było to niemal niespotykane. Brancusi był pionierem technicznych i estetycznych zagadnień, które ukształtowały sposób, w jaki dziś rozumiemy abstrakcyjną rzeźbę. Był także kluczowy w tworzeniu filozoficznych podstaw tej dziedziny. Aby zrozumieć trajektorię, jaką abstrakcyjna rzeźba obrała w ciągu ostatniego stulecia i miejsce, jakie zajmuje dziś w świecie sztuki, cofnijmy się i odkryjmy źródło.

Legenda Constantina Brancusiego

Większość fotografii dojrzałego Constantina Brancusiego przedstawia swego rodzaju dzikusa z głęboko pomarszczoną twarzą, nieuczesanymi włosami, długą brodą i garderobą przypominającą włóczęgę. Może się wydawać, że to persona przyjęta, by pasować do publicznego wyobrażenia artysty, ale w przypadku Brancusiego ten wygląd nie był udawany. Niewielu innych sławnych artystów ma jego autentyczne, proste pochodzenie. Constantin Brancusi urodził się w chłopskiej rodzinie na rumuńskiej wsi, około 80 km od współczesnej granicy serbskiej. Poza faktem, że pasł owce w wieku 7 lat, dokładne okoliczności jego młodości są niejasne, ale wystarczy powiedzieć, że niewiele szczęśliwych dzieci ucieka z domu. Brancusi uciekał wielokrotnie, ostatecznie uciekając na stałe około jedenastego roku życia.

Przemierzył 188 km do miasta Craiova. To stosunkowo kosmopolityczne miejsce, zamieszkiwane wówczas przez około 40 000 osób, miało gospodarkę opartą na przemyśle i wytwórstwie. Brancusi zarabiał na życie, wykonując różne prace dorywcze, w tym wróżenie i obsługę gości w kawiarni. W końcu zaczął uczęszczać na zajęcia z obróbki drewna i znalazł zatrudnienie przy produkcji mebli. Legenda głosi, że w wieku 18 lat własnoręcznie wykonał skrzypce ze złomu drewna. Skrzypce zrobiły wrażenie na bogatym mecenasie, który następnie sfinansował edukację Brancusiego w Narodowej Szkole Sztuk Pięknych w stolicy Rumunii, Bukareszcie. Po ukończeniu szkoły z wyróżnieniem, Brancusi – były pasterz, zbieg z domu, uliczny łobuz i rzeźbiarz skrzypiec – ponownie opuścił dom, według niektórych relacji, słynąc z tego, że przeszedł niemal całe 2300 km z Bukaresztu przez Austrię i Niemcy aż do Paryża.

Istota rzeczy

Po przybyciu do Paryża w 1904 roku Brancusi znalazł się w centrum wiru myśli modernistycznej. Z entuzjazmem kontynuował naukę rzeźby i w ciągu kilku lat pracował jako asystent w pracowni jednego z czołowych rzeźbiarzy epoki, Auguste’a Rodina. Jednak po zaledwie miesiącu pracy u Rodina Brancusi odszedł, by skupić się na własnej twórczości. Jedną z pierwszych rzeźb, które wykonał samodzielnie w 1907 roku, nazwał Pocałunek, co wydaje się być komentarzem do słynnej rzeźby Rodina o tym samym tytule z 1889 roku. Porównanie obu dzieł obok siebie ukazuje ogromną różnicę między wizją Brancusiego a jego krótkotrwałego mistrza.

Poza oczywistym podziałem estetycznym, inne głębokie różnice dzieliły prace Brancusiego i Rodina. Najważniejszą była metoda wyrażania prawdziwego charakteru tematu. Rodin miał tendencję do przesadnego podkreślania muskulatury swoich postaci, by przekazać siłę i ducha ich wewnętrznego charakteru. Brancusi poszedł inną drogą w poszukiwaniu ducha swoich tematów, odrzucając realistyczną formę na rzecz abstrakcyjnej, która mogła przekazać to, co nazywał „wewnętrzną ukrytą rzeczywistością”.

Kolejną zasadniczą różnicą między pracami Rodina i Brancusiego była ich metoda tworzenia. Rodin był pionierem metody produkcji na skalę przemysłową, by tworzyć swoje monumentalne dzieła z metalu. Zaczynał pracę od modelowania w glinie, a następnie zatrudniał zespół asystentów, którzy odlewali ostateczną formę z metalu lub rzeźbili ją w marmurze. W całkowitej opozycji do tej praktyki Brancusi zdecydował się wykonywać swoje rzeźby ręcznie, samodzielnie rzeźbiąc je w drewnie lub kamieniu albo odlewając je z metalu. Fizyczność tej metody, połączona z abstrakcyjnym wyglądem rzeźb Brancusiego, pomogła ustanowić wczesny modernistyczny nacisk na znaczenie ręki artysty i wyrażenia osobistej wizji artystycznej.

Rodin - Pocałunek, około 1882. Marmur. 181,5 cm × 112,5 cm × 117 cm (71,5 cala × 44,3 cala × 46 cala), © Musee Rodin (po lewej) oraz Brancusi - Pocałunek, 1907, © Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paryż

Powierzchnia i połysk

Oprócz poświęcenia się ręcznemu rzeźbieniu swoich dzieł, Brancusi przykładał ogromną wagę do pielęgnacji ich powierzchni, wygładzając i polerując je ręcznie, aż do uzyskania idealnej gładkości i wysokiego połysku. Jego rzeźba Portret Panny Pogany była wyśmiewana przez krytyków z powodu gładkiej, błyszczącej powierzchni, którą porównywano do skorupki jajka. Księżniczka X, jedno z najbardziej kontrowersyjnych dzieł Brancusiego, jest doskonałym przykładem jego oddania jakości powierzchni swoich prac. Wykonana około 1915 roku, ta futurystycznie wyglądająca rzeźba z brązu wywołała prawdziwe poruszenie na Salon des Indépendants w Paryżu.

Kontrowersje wokół Księżniczki X polegały na tym, że sędziowie i widzowie uważali, iż miała ona przedstawiać fallusa. Brancusi nalegał, że takie odczytanie jest błędne. Twierdził, że wysoko wypolerowana, lustrzana rzeźba jest abstrakcyjną wersją kobiecej formy, sugerującą głowę, szyję i biust kobiety, której głowa pochyla się, by spojrzeć na siebie w lustrze. Pomijając kontrowersje, dzieło to pomogło zdefiniować ikoniczną, wysoko wypolerowaną estetykę Brancusiego oraz jego abstrakcyjne poszukiwanie „istoty rzeczy.”

Constantin Brancusi - Księżniczka X, 1915, polerowany brąz; blok wapienia, 57,5 × 41 × 23 cm, Muzeum Sztuki w Filadelfii, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paryż

Zwierzęca natura

Skupienie Brancusiego na abstrakcyjnych tematach i formalnych cechach materiału znalazło wyraz w kilku rzeźbach zwierząt, które wykonał w latach 20. XX wieku. Najsłynniejszą z jego form zwierzęcych była Ptak w przestrzeni. Forma, do której powracał wielokrotnie przez wiele lat, nie miała przedstawiać rzeczywistego ptaka, lecz była wyrazem skrzydła ptaka i miała sugerować istotę lotu.

Inna rzeźba zwierzęca Brancusiego, nazwana Ryba, na pierwszy rzut oka wydaje się figuratywna, ponieważ górny element przypomina kształt ryby. Jednak forma została zredukowana do cienkiego płatka. A cienka metalowa forma jest tylko jednym elementem całej kompozycji. Brancusi wykonał tę rzeźbę tak, aby sama służyła jako podstawa. Zamiast stać na platformie, Ryba podtrzymuje się sama. W kontekście całej formy Ryba staje się bardziej symboliczną. Metalowy element w kształcie ryby spoczywa na lustrzanej płycie, która z kolei opiera się na rzeźbionej drewnianej formie przypominającej kielich. W sercu kielicha znajduje się otwór przypominający jajko. Całość – cienka forma na płycie na kielichu – przywodzi na myśl obrzęd komunii, niemal jawne odniesienie do mitologii chrześcijańskiej.

Constantin Brancusi - Ptak w przestrzeni, marmur, 144 × 16,5 cm (po lewej) oraz Ryba, brąz, metal i drewno, 93,4 × 50,2 × 50,2 cm (po prawej), © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paryż

Elementy podstawy

Oprócz pionierskiego modernistycznego podejścia do odniesień mitologicznych, Ryba Brancusiego i wiele innych rzeźb wykonanych w podobnym duchu zapoczątkowały koncepcję, że rzeźba i jej sposób podparcia mogą tworzyć jedną, spójną całość. Idea samowystarczalnej rzeźby otworzyła nowe możliwości ekspozycyjne, pozwalając dziełom rzeźbiarskim zajmować przestrzeń w zupełnie nowy sposób – nie jako obiekt wystawiony w przestrzeni, lecz jako obiekt uczestniczący w przestrzeni, kontekstualizujący ją, a nawet definiujący dla widzów. Rzeźba Brancusiego Czarownica, stworzona w 1920 roku, nie tylko jest samonośna, ale podstawa wydaje się przedstawiać dodatkowy element narracyjny, przywodząc na myśl ołtarz podtrzymujący postać czarownicy.

Constantin Brancusi - Czarownica, 1920, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paryż

Współczesny wpływ Brancusiego

Podążając za własnymi pomysłami aż do ich końca, Brancusi stworzył estetykę powierzchni i materialności, która wpłynęła na ruchy tak odległe jak minimalizm. Jego naturalistyczne rzeźby były jednymi z pierwszych przykładów stylu biomorficznego, który przyjęli artyści tacy jak Barbara Hepworth. Jego mieszanka modernizmu, mitu i prymitywizmu była poprzednikiem neoprzymitywnych nurtów, takich jak liryczna abstrakcja i abstrakcyjny ekspresjonizm.

Ale oprócz bycia estetycznym pionierem w dziedzinie abstrakcji, Brancusi był liderem w sposobie myślenia. Wierzył we własne idee. Weźmy pod uwagę najsłynniejszego ucznia Brancusiego, Isamu Noguchiego. Przed spotkaniem z Brancusim Noguchi był wyśmiewany przez swojego byłego nauczyciela, figuratywnego rzeźbiarza Gutzona Borgluma, znanego jako twórca Mount Rushmore. Borglum mówił, że Noguchi nie ma talentu. Lata później, podróżując po Paryżu, Noguchi podjął pracę jako asystent Brancusiego. Tam otrzymał wsparcie, które zainspirowało jego własną drogę jako mistrza modernizmu. To był najważniejszy wpływ Brancusiego na historię modernistycznej rzeźby: jego gorliwe oddanie sile i potencjałowi indywidualnej wizji artysty.

Zdjęcie główne: Constantin Brancusi - Portret Panny Pogany, 1912, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paryż
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio