Czego nauczyliśmy się od Constantina Brancusiego?

Kiedy wizualizujesz abstrakcyjnego rzeźbiarza, co przychodzi ci na myśl? Ktoś w surowych ubraniach roboczych, pokryty plamami gipsu? Ktoś poważny, dociekliwy i obsesyjny na punkcie doskonałości? Ktoś wizjonerski, przepełniony zarówno pewnością siebie, jak i pokorą? To wszystko może brzmieć zbyt poetycko, jak karykatura. Ale doskonale opisuje Constantina Brancusi, ojca nowoczesnej rzeźby abstrakcyjnej. Akt manifestowania objętości w przestrzeni w sposób niefiguratywny nie jest łatwy. Ale kiedy Brancusi zrobił to po raz pierwszy, było to niemal niesłyszalne. Brancusi był pionierem technicznych i estetycznych zagadnień, które ukształtowały sposób, w jaki dzisiaj rozumiemy rzeźbę abstrakcyjną. Był również integralną częścią kładzenia filozoficznych podstaw tej dziedziny. Aby zrozumieć trajektorię, jaką rzeźba abstrakcyjna przeszła w ciągu ostatniego stulecia, oraz miejsce, które zajmuje w dzisiejszym świecie sztuki, wróćmy i odkryjmy źródło.

Legenda Konstantyna Brâncușiego

Większość fotografii dojrzałego Constantina Brancusi przedstawia rodzaj dzikiego człowieka z głęboko pomarszczoną twarzą, niechlujnymi włosami, długą brodą i garderobą przypominającą wędrowca. Może się wydawać, że to persona przyjęta, aby pasować do publicznego wizerunku artysty, ale w przypadku Brancusi ten wygląd nie był sztuczką. Niewielu innych znanych artystów ma jego proste, wiejskie pochodzenie. Constantin Brancusi urodził się w rodzinie chłopskiej na rumuńskiej wsi, około 50 mil od współczesnej granicy serbskiej. Poza tym, że w wieku 7 lat pasł owce, dokładne okoliczności jego młodości są niejasne, ale wystarczy powiedzieć, że niewielu szczęśliwych dzieci ucieka z domu. Brancusi uciekał wielokrotnie, w końcu uciekając na dobre w wieku zaledwie jedenastu lat.

Przemierzył 188 km do miasta Craiova. Stosunkowo kosmopolityczne miejsce, w którym w tamtym czasie mieszkało około 40 000 ludzi, Craiova miała gospodarkę opartą na produkcji i przemyśle. Brancusi zarabiał na życie, wykonując dorywcze prace, w tym wróżenie i obsługę gości w kawiarni. Ostatecznie zaczął uczęszczać na zajęcia z obróbki drewna i znalazł zatrudnienie przy produkcji mebli. Legenda głosi, że w wieku 18 lat własnoręcznie wykonał skrzypce z odpadków drewna. Skrzypce zaimponowały bogatemu mecenasowi, który następnie sfinansował edukację Brancusiego w Narodowej Szkole Sztuk Pięknych w stolicy Rumunii, Bukareszcie. Po ukończeniu szkoły z wyróżnieniem, Brancusi, były pasterz owiec, uciekający chłopiec, uliczny włóczęga i rzeźbiarz skrzypiec, ponownie opuścił dom, według niektórych relacji notorycznie idąc prawie całe 2300 km z Bukaresztu przez Austrię i Niemcy, aż do Paryża.

Esencja Rzeczy

Po przybyciu do Paryża w 1904 roku, Brancusi znalazł się w centrum wiru myśli modernistycznej. Z entuzjazmem kontynuował swoje studia w rzeźbie i w ciągu kilku lat znalazł się w roli asystenta w pracowni jednego z czołowych rzeźbiarzy tamtej epoki, Auguste'a Rodina. Jednak po zaledwie miesiącu pracy dla Rodina, Brancusi odszedł, aby skupić się na własnej praktyce. Jedną z pierwszych rzeźb, które Brancusi stworzył samodzielnie w 1907 roku, nazwał Całun, co jest oczywistym komentarzem do słynnej rzeźby Rodina o tej samej nazwie z 1889 roku. Porównanie obu dzieł obok siebie ukazuje ogromną różnicę między wizją Brancusiego a wizją jego krótkiego mentora.

Oprócz oczywistego podziału estetycznego, inne głębokie różnice dzieliły prace Brancusiego i Rodina. Najważniejsze było to, w jaki sposób każdy z artystów starał się wyrazić prawdziwy charakter tematu. Rodin miał tendencję do nadmiernego akcentowania muskularności swoich postaci, aby przekazać moc i ducha ich wewnętrznego charakteru. Brancusi podjął poszukiwanie ducha swoich tematów w innym kierunku, odrzucając realistyczną formę całkowicie w poszukiwaniu zabstractowanej formy, która mogłaby komunikować to, co nazywał „ukrytą rzeczywistością wewnętrzną.”

Inna fundamentalna różnica między pracą Rodina a Brancusiego tkwiła w ich metodzie tworzenia. Rodin wprowadził metodę produkcji na skalę przemysłową, aby stworzyć swoje monumentalne dzieła w metalu. Rozpoczynał pracę, rzeźbiąc ją w glinie, a następnie zatrudniał zespół asystentów, aby pomogli mu odlać ostateczną formę z metalu lub wyrzeźbić ją w marmurze. W bezpośredniej opozycji do tej praktyki, Brancusi zdecydował się na ręczne wykonywanie swoich rzeźb, samodzielnie rzeźbiąc je w drewnie lub kamieniu, lub odlewając je sam w metalu. Fizyczność tej metody, w połączeniu z abstrakcyjnym wyglądem rzeźb Brancusiego, pomogła ustanowić wczesny modernistyczny nacisk na znaczenie ręki artysty i wyrażenie osobistej wizji artystycznej.

Rodin - The Kiss, circa 1882. Marble. 181.5 cm × 112.5 cm × 117 cm (71.5 in × 44.3 in × 46 in), © Musee Rodin (Left) and Brancusi - The Kiss, 1907, © Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Powierzchnia i połysk

Wraz z jego poświęceniem dla ręcznego rzeźbienia swoich rzeźb, Brancusi również bardzo dbał o ich powierzchnie, wygładzając i polerując je ręcznie, aż były idealnie gładkie i miały wysoki poziom połysku. Jego rzeźba Portret Mademoiselle Pogany była wyśmiewana przez krytyków z powodu swojego gładkiego, błyszczącego wykończenia, które porównywano do jajka. Księżniczka X, jedno z najbardziej kontrowersyjnych dzieł Brancusiego, jest doskonałym przykładem jego poświęcenia dla jakości powierzchni jego pracy. Wykonana około 1915 roku, ta futurystycznie wyglądająca rzeźba z brązu wywołała absolutne poruszenie na Salonie des Indépendants w Paryżu.

Kontrowersje wokół Księżniczki X polegały na tym, że sędziowie i widzowie uważali, że miała ona na celu reprezentowanie fallusa. Brancusi upierał się, że takie odczytanie jest błędne. Twierdził raczej, że wysoko wypolerowana, lustrzana rzeźba jest abstrakcyjną wersją kobiecej formy, sugerującą głowę, szyję i biust kobiety, której głowa pochyla się w dół, aby odbić się w lustrze. Pomijając kontrowersje, dzieło to pomogło zdefiniować ikoniczną, wysoko wypolerowaną estetykę Brancusiego oraz jego abstrakcyjne poszukiwanie „istoty rzeczy.”

Constantin Brancusi - Princess X, 1915,Polished bronze; limestone block, 22 5/8 × 16 1/42 × 9 in, Philadelphia Museum of Art, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Zwierzęca natura

Skupienie Brancusiego na abstrakcyjnych tematach i formalistycznych cechach materiałowych znalazło wyraz w kilku rzeźbach zwierząt, które stworzył w latach 20. Najsłynniejszą z jego form zwierzęcych była Ptak w przestrzeni. Forma, do której powracał przez wiele lat, nie miała na celu przedstawienia rzeczywistego ptaka, lecz była raczej sugestywna dla skrzydła ptaka i miała na celu zasugerowanie istoty lotu.

Inna z rzeźb zwierzęcych Brancusiego, zatytułowana Ryba, na pierwszy rzut oka wydaje się być figuratywna, ponieważ górny element przypomina kształt ryby. Jednak forma została zredukowana do cienkiego kawałka. A cienka metalowa forma to tylko jeden element całego dzieła. Brancusi stworzył tę rzeźbę tak, aby sama w sobie pełniła rolę podstawy. Zamiast spoczywać na platformie, Ryba podtrzymuje się sama. W kontekście całej formy, Ryba staje się bardziej symboliczna. Metalowy element w kształcie ryby spoczywa na lustrzanej płycie, która opiera się na rzeźbionej drewnianej formie przypominającej kielich. W sercu kielicha znajduje się otwór przypominający jajko. Całość, cienka forma na płycie na kielichu, przywołuje na myśl liturgię komunijną, niemal oczywiste odniesienie do mitologii chrześcijańskiej.

Constantin Brancusi - Bird in Space, Marble, 56 3/4 x 6 1/2 in (Left) and Fish, Bronze, metal and wood, 934 x 502 x 502 mm (Right), © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Elementy bazowe

Oprócz swojego pionierskiego modernistycznego podejścia do mitologicznych odniesień, Ryba Brancusiego oraz wiele innych rzeźb, które stworzył w tym samym duchu, wprowadziły koncepcję, że rzeźba i jej sposób podparcia mogą stanowić jedną całość. Idea samodzielnej rzeźbiarskiej całości otworzyła świat potencjału wystawienniczego, który pozwolił dziełom rzeźbiarskim zamieszkiwać przestrzenie w zupełnie nowy sposób, nie jako obiekt na widoku w przestrzeni, ale jako obiekt, który uczestniczy w przestrzeni, kontekstualizując ją, a nawet definiując dla widzów. Rzeźba Brancusiego Czarownica, stworzona w 1920 roku, nie tylko jest samonośna, ale podstawa wydaje się przedstawiać dodatkowy element narracyjny, przywołując ołtarz wspierający widoczną postać czarownicy.

Constantin Brancusi - The Sorceress, 1920,© Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Współczesny wpływ Brancusiego

Podążając za swoimi pomysłami do ich konkluzji, Brancusi stworzył estetykę powierzchni i materialności, która wpłynęła na ruchy tak odległe jak Minimalizm. Jego naturalistyczne rzeźby były jednymi z najwcześniejszych przykładów stylu biomorficznego, przyjętego przez artystów takich jak Barbara Hepworth. Jego mieszanka modernizmu, mitu i prymitywizmu była poprzednikiem neo-prymitywnych ruchów, takich jak Liryczna Abstrakcja i Ekspresjonizm Abstrakcyjny.

Ale oprócz bycia pionierem estetyki w dziedzinie abstrakcji, Brancusi był liderem w myśleniu. Wierzył w swoje własne pomysły. Weź pod uwagę najpopularniejszego ucznia Brancusiego, Isamu Noguchiego. Przed spotkaniem z Brancusim, Noguchi był wyśmiewany przez swojego byłego nauczyciela, rzeźbiarza figuratywnego Gutzona Borgluma, znanego jako twórca Mt. Rushmore. Borglum powiedział, że Noguchi nie ma talentu. Lata później, podróżując po Paryżu, Noguchi objął stanowisko asystenta Brancusiego. Tam otrzymał wsparcie, które zainspirowało jego własną podróż jako mistrza modernizmu. To był najważniejszy wpływ Brancusiego na historię rzeźby modernistycznej: jego żarliwa dedykacja dla mocy i potencjału indywidualnej wizji artysty.

Obraz wyróżniony: Constantin Brancusi - Portret Mademoiselle Pogany, 1912, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paryż
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio