Tony DeLap, wieloaspektowy artysta abstrakcyjny, zmarł w wieku 91 lat

Abstrakcyjny artysta Tony DeLap zmarł w wieku 91 lat. Zaledwie nieco ponad rok temu w Laguna Art Museum w Laguna Beach w Kalifornii otwarto retrospektywę DeLapa. Wystawa obejmowała niemal 100 dzieł, obejmujących wiele formatów i technik. Przedstawiała karierę indywidualisty, który pomógł ukształtować ruchy artystyczne, jednocześnie je ignorując, zawsze realizując własną, osobliwą wizję ponad wszystko inne. Tekst katalogu do wystawy określał DeLapa jako „najważniejszego żyjącego artystę” hrabstwa Orange. Wyobraźcie sobie śmiałość tego stwierdzenia: hrabstwo Orange jest szóstym pod względem liczby ludności hrabstwem w Stanach Zjednoczonych i obejmuje Los Angeles. Dziesiątki tysięcy artystów mieszka w obszarze metropolitalnym Los Angeles, który jest bez wątpienia domem dla niektórych z najbardziej wpływowych nazwisk we współczesnej amerykańskiej sztuce. Jednak twierdzenie, że DeLap był na czele tej grupy, nie było przesadą. Był ogromnym wpływem. A jednak, jakoś poza swoją macierzystą bazą w Południowej Kalifornii, nie był gwiazdą sztuki. Jego sława przejawiała się w całkowitym szacunku i podziwie ze strony innych artystów, kuratorów, krytyków i miłośników sztuki. Był żywą historią, pomagającą zapoczątkować nie jeden, lecz być może pół tuzina unikalnych estetycznych stanowisk w trakcie swojej kariery. DeLap nie był jednak znany z dumy ani przechwałek. Wręcz przeciwnie. Pamiętają go ci, którzy go znali, jako życzliwego, zabawnego i zawsze oddanego drobnym szczegółom, które definiowały go jako jednego z najbardziej innowacyjnych i niezwykłych artystów swojego pokolenia.

Struktury podstawowe

W pewnym momencie DeLap był kojarzony z ruchem Finish Fetish, Light and Space, Abstrakcją o ostrych krawędziach, Sztuką kinetyczną, Op-artem, narodzinami instalacji oraz wieloma innymi definiującymi estetycznymi stanowiskami XX wieku. Jednak ruchem, któremu był najbardziej oddany — przynajmniej teoretycznie — był minimalizm. Pomimo unikania tej lub jakiejkolwiek innej etykiety, DeLap pozostał wierny jego najważniejszej zasadzie: redukcji. Jego prace zostały pokazane na wystawie, która według opinii wprowadziła minimalizm na międzynarodową scenę: Primary Structures: Younger American and British Sculptors, zorganizowanej w Żydowskim Muzeum w Nowym Jorku w 1966 roku. Wystawa obejmowała dzieła wielu najbardziej znanych rzeźbiarzy minimalistycznych, w tym Donalda Judda, Johna McCrackena, Sola LeWitta, Larry’ego Bella, Carla Andre, Dana Flavina i Ellswortha Kelly’ego. DeLap zaprezentował „Ka”, dużą pracę opartą na prostej krzywej.

Tony DeLap - Skaczący Puls, 2009. Akryl na aluminium. 13-1/2 x 9 x 1 cal. © Tony DeLap. Galeria Parrasch Heijnen.

Oprócz pragnienia ukazania prostoty w swojej twórczości, DeLap przyjął także inną zasadę przewodnią sztuki minimalistycznej: użycie materiałów i procesów przemysłowych, które mogą wyeliminować indywidualną osobowość artysty z równania. To właśnie zainteresowanie takimi rzeczami doprowadziło DeLapa do zostania jednym z założycieli ruchu Finish Fetish. W 1965 roku podjął pracę nauczyciela w wydziale sztuki na Uniwersytecie Kalifornijskim w Irvine. Jego pracownia znajdowała się w pobliskim Costa Mesa, które wówczas było głównie miejscem warsztatów zajmujących się renowacją łodzi i samochodów. DeLap był jednym z pierwszych artystów w okolicy, którzy przyjęli emalie i metody produkcji stosowane przez tych rzemieślników. Używanie materiałów takich jak pleksiglas i aluminium dodatkowo nadawało jego pracom błyszczące, przemysłowe cechy zewnętrzne, które stały się charakterystycznym stylem artystów Finish Fetish. Co ciekawe, w tym czasie DeLap był odpowiedzialny za sprowadzenie Johna McCrackena do Irvine, aby ten tam nauczał. Obaj często współpracowali w okresie, gdy McCracken tworzył swoje najbardziej znane dzieła: deski.

Tony DeLap - Tango Tangles, II, 1966. Lakierowany plastik, w dwóch częściach. Każda 13 x 3 1/2 x 1/2" (32,9 x 8,7 x 1,1 cm). Fundusz Larry Aldrich Foundation. Kolekcja MoMA.

Świat iluzji

Poza minimalizmem, innym ruchem artystycznym, z którym DeLap jest najczęściej kojarzony, jest op-art. Ponownie, to powiązanie sięga korzeniami jego udziału w ważnej wystawie. DeLap brał udział w wystawie The Responsive Eye w MoMA w 1965 roku. To wystawa, która wprowadziła świat w trend sztuki opierającej się na iluzji percepcyjnej i uczyniła znanymi artystów takich jak Victor Vasarely i Bridget Riley. Jednak stwierdzenie, że DeLap tworzył op-art, może być nieco na wyrost. Interesowało go coś nieco innego niż to, co robili inni artyści op-artu. Chciał zaangażować ludzi w proces oglądania sztuki, sprawić, by poruszali się wokół niej i oglądali ją w zmieniających się warunkach. Tworzył momenty iluzji i zaskoczenia podczas oglądania. Jednak te momenty nie opierały się tak bardzo na iluzji optycznej, jak na napięciu percepcyjnym. DeLap chciał, aby temat jego pracy nie istniał na powierzchni, gdzie można go było zobaczyć od razu jak płaski obraz, lecz na krawędziach, tak aby doświadczenie nigdy nie było stabilne. Można powiedzieć, że to właśnie tam tkwiła magia jego dzieł.

Tony DeLap - Spheero, 2014. Len, akryl, aluminium. 22-1/2 x 22-1/2 x 1/8 cala. © Tony DeLap. Galeria Parrasch Heijnen.

Mówiąc o magii, DeLap był również znany jako mistrz iluzji, biegły w sztuczkach karcianych i innych zręcznościach manualnych, a szczególnie lubił sprawiać, że ludzie unosili się w powietrzu. Zwykł kłaść osobę na desce zbalansowanej na krześle i sprawiać wrażenie, że ciało unosi się. Do tego triku używał asystentki, ponieważ środek ciężkości u kobiet różni się od mężczyzn, co ułatwiało wykonanie sztuczki na kobiecie. Idea lewitacji nie była jednak tylko zabawą. DeLap wierzył, że wracając do korzeni abstrakcji, do obrazów takich jak „Białe kwadrat” Malevicha, pojęcie formy unoszącej się w przestrzeni zawsze było istotne. Takie spostrzeżenia mogą tłumaczyć, dlaczego nie da się podsumować twórczości DeLapa w jednym artykule, poza stwierdzeniem, że spuścizna, którą pozostawił jako artysta, nauczyciel, mentor i twórca magii, dodaje coś kapryśnego, oświecającego i radosnego do tej dumnej historycznej linii.

Zdjęcie główne: Tony DeLap - Wiljalba, 1967. Akryl, włókno szklane, lakier, pleksiglas, stal nierdzewna, drewno. 31,8 × 31,8 × 8,9 cm (12,5 × 12,5 × 3,5 cala). Galeria Parrasch Heijnen.
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio