Un Art Autre - Abstrakcja w Paryżu po II wojnie światowej w Levy Gorvy
W 1952 roku francuski krytyk sztuki i kurator Michel Tapié ukuł wyrażenie „Un Art Autre”, oznaczające „sztukę innego rodzaju”, aby opisać nurt, który dostrzegał w sztuce abstrakcyjnej, odchodzący od racjonalności ku spontaniczności. Ten trend nie ograniczał się tylko do Francji, gdzie Tapié mieszkał, lecz to właśnie do Francji wielu artystów z całego świata przybywało w latach 50. i 60., by dzielić się swoimi poszukiwaniami tego zjawiska estetycznego. Niektórzy byli weteranami II wojny światowej, którzy pozostali w Europie po wojnie lub wrócili tam, by studiować i pracować. Innych przyciągała po prostu atmosfera miasta i kultury, które starały się odbudować. Wykorzystując unikalną „kulturę kawiarni” Paryża, międzynarodowe środowisko artystów i myślicieli swobodnie wymieniało się pomysłami, tworząc ekscytującą, pierwotną scenę. Ta fascynująca kultura jest obecnie tematem wystawy w Levy Gorvy w Londynie, która nosi nazwę ruchu, któremu Tapié nadał nazwę. Un Art Autre prezentuje 22 obrazy pięciu malarzy — Pierre’a Soulagesa, Zao Wou-Ki, Jeana Paula Riopelle’a, Joan Mitchell i Sama Francisa — z których każdy w latach 50. i 60. na pewien czas nazywał Paryż swoim domem. Reprezentując kolejno Francję, Chiny, Kanadę i Stany Zjednoczone, ci artyści wnosili indywidualistyczną wizję świata i osobistą historię. Każdy z nich miał zupełnie inne podejście do malarstwa i życia. Jednak wszyscy dzielili pragnienie połączenia się z czymś intuicyjnym i wolnym. Ci pięciu artyści z pewnością nie byli jedynymi głosami „sztuki innego rodzaju”, która wyłoniła się w powojennej Europie, ale oglądanie ich dzieł razem na tej wystawie stanowi wzruszający punkt wyjścia do poznania ruchu, którego byli częścią. Daje to także współczesnym widzom okazję do porównania tego nurtu z podobnymi tendencjami, które pojawiły się w innych miejscach w tym czasie, jak na przykład ekspresjonizm abstrakcyjny w Stanach Zjednoczonych.
Kolor i czerń z bielą
Dziś Pierre Soulages uważany jest przez wielu za największego żyjącego malarza. Uwielbiany jest za swoje eleganckie, często emocjonalnie przytłaczające czarne obrazy. Już gdy Soulages rozwijał swój unikalny styl w powojennym Paryżu, miał głębokie zrozumienie funkcji koloru czarnego w swoich obrazach. Postrzegał go nie jako sposób na ukazanie ciemności, lecz jako sposób na „tworzenie światła”. Poprzez zestawienie połyskliwych i matowych powierzchni oraz tworzenie relacji między czarnymi i białymi obszarami płótna, stwarzał możliwości dla światła, by oddziaływało z fakturami i odcieniami. Relacje między różnymi częściami płótna są jednym z powodów, dla których jego obrazy są tak świetliste. Na tej wystawie prezentujemy pięć jego płócien. Pomimo ścisłej kompozycyjnej struktury w obrazach takich jak „Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957” (1957) i „Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957” (1957), ich żywe czernie i zdecydowane pociągnięcia pędzla ożywiają powierzchnie. To wcale nie jest czysta czerń, lecz gra ochry, błękitów i bieli sprawia, że czerń jeszcze bardziej błyszczy.
Joan Mitchell - Bez tytułu, 1957. Olej na płótnie. 175,2 x 148,5 cm (69 x 58 1/2 cala). Kolekcja prywatna, Santa Barbara. © Majątek Joan Mitchell.
Relacje kolorystyczne były również niezwykle ważne dla Joan Mitchell, której cztery prace znajdują się na tej wystawie. Wszystkie cztery — które dla większości odwiedzających będą prawdopodobnie nowością, gdyż pochodzą wyłącznie z kolekcji prywatnych — ukazują mistrzowską zdolność Mitchell do przekazywania emocjonalnego nastroju za pomocą palety barw. To, co widzimy w jej dziełach, jest wyraźnie czymś „z natury”, mimo że obrazy są całkowicie abstrakcyjne. To poczucie naturalności jest jeszcze bardziej podkreślone przez niemal ekstatyczny, gestualny styl, który Mitchell rozwinęła podczas częstych wizyt, a ostatecznie przeprowadzki do Francji — styl pięknie reprezentowany przez prace na tej wystawie. Jej kompozycje są najbardziej swobodne i luźne spośród wszystkich dzieł na wystawie: świadectwo jej pragnienia zanurzenia się w sobie podczas malowania i uchwycenia czegoś osobistego, opartego na własnych wspomnieniach o świecie przyrody.
Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Olej na płótnie. 205,1 x 193 cm (80 3/4 x 76 cali). Muzeum Sztuki Mildred Lane Kemper, Uniwersytet Waszyngtona w St. Louis. Dar pana i pani Richarda K. Weila, 1962. © Fundacja Sam Francis, Kalifornia / DACS 2019.
Pełne spektrum impulsu
Prace Jeana Paula Riopelle’a pokazują dramatyczną zmianę, jaka zaszła w jego metodach na początku lat 50. Najbardziej rozpoznawalnym dziełem na wystawie jest „Abstraction (Orange)” (1952). Jeden z większych obrazów, jego gwałtowny, gestualny ruch natychmiast przywodzi na myśl rozpryski farby kojarzone z ekspresjonistami abstrakcyjnymi, takimi jak Jackson Pollock. W późniejszych pracach, jak „Horizontal, Black and White” (1955), widzimy Riopelle’a stosującego znacznie bardziej przemyślaną technikę, z precyzyjnymi, napiętymi pociągnięciami pędzla, pełnymi niepokoju, a jednocześnie zachowującymi impulsywną energię, która ożywia jego dzieła. Na niemal przeciwnym biegunie impulsu znajdują się trzy znakomite obrazy Zao Wou-Ki. Ich stonowane palety i zrównoważone kompozycje ukazują malarza, który osiąga cudownie przejmującą równowagę między swobodną ekspresją a opanowanym spokojem.
Jean Paul Riopelle - Horizontal, Black and White, 1955. Olej na płótnie. 73 x 92 cm (28 3/4 x 36 1/4 cala). Zdjęcie: Øystein Thorvaldsen. Kolekcja Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Norwegia. © SODRAC, Montreal i DACS, Londyn, 2019.
Malarzem, którego znam najmniej z tej wystawy, jest Sam Francis. Po obejrzeniu pięciu jego prac na wystawie czuję, że wciąż jest wiele do odkrycia na jego temat. Eteryczna lekkość beztytułowej kompozycji w pomarańczach, żółciach i błękitach przywiodła mi na myśl Hellen Frankenthaler, podczas gdy jego „Blue Series No. 1” (1960) natychmiast skojarzyła się z Yvesem Kleinem. Dwa inne dzieła — „Composition” (ok. 1957-58) i „Untitled” (1959) — oferowały coś bardziej wyrazistego: niemal elektryzujące podekscytowanie, jakbym dosłownie patrzył na obrazy przedstawiające zmienność i przepływ. Te pojęcia są w istocie sednem tego, co ta wystawa mówi o „sztuce innego rodzaju”, która wyłoniła się w Paryżu w latach 50. i 60. Trudno ją dokładnie określić i nazwać, ale była to sztuka zdefiniowana przez zdolność do zmiany i gotowość do odpuszczenia. Un Art Autre jest prezentowana w Levy Gorvy London do 5 lipca 2019 roku.
Zdjęcie główne: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Olej na płótnie. 81 x 130 cm (31 7/8 x 51 3/16 cala). Kolekcja prywatna. © DACS 2019.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
