Un Art Autre - Abstrakcja w Paryżu po II wojnie światowej w Levy Gorvy

W 1952 roku francuski krytyk sztuki i kurator Michel Tapié ukuł frazę „Un Art Autre”, co oznacza „sztuka innego rodzaju”, aby odnieść się do trendu, który dostrzegał w sztuce abstrakcyjnej, odchodzącego od racjonalności i zmierzającego w stronę spontaniczności. Trend ten manifestował się nie tylko we Francji, gdzie mieszkał Tapié, ale to właśnie do Francji przybywało wielu artystów z całego świata w latach 50. i 60., aby dzielić się swoimi poszukiwaniami tego estetycznego zjawiska. Niektórzy z nich byli weteranami II wojny światowej, którzy albo pozostali w Europie po wojnie, albo wrócili tam, aby studiować i pracować. Innych przyciągała po prostu ekscytacja miasta i kultury, które próbowały się odbudować. Wykorzystując unikalną „kulturę kawiarni” Paryża, ta międzynarodowa grupa artystów i myślicieli swobodnie dzieliła się swoimi pomysłami, tworząc ekscytującą, pierwotną scenę. Ta fascynująca kultura jest obecnie tematem wystawy w Levy Gorvy w Londynie, która nosi nazwę od ruchu, któremu Tapié nadał nazwę. Un Art Autre prezentuje 22 obrazy pięciu malarzy – Pierre'a Soulagesa, Zao Wou-Ki, Jean-Paula Riopelle'a, Joan Mitchell i Sam Francis – z których każdy w pewnym momencie lat 50. i 60. nazywał Paryż swoim domem. Reprezentując odpowiednio Francję, Chiny, Kanadę i Stany Zjednoczone, ci artyści wnieśli ze sobą indywidualistyczny światopogląd i osobistą historię. Każdy z nich miał zupełnie inną relację z malarstwem i życiem. Jednak wszyscy dzielili pragnienie połączenia z czymś intuicyjnym i wolnym. Z pewnością ci pięciu artyści nie byli jedynymi głosami „sztuki innego rodzaju”, które wyewoluowały z powojennych lat w Europie, ale zobaczenie ich prac razem na tej wystawie oferuje poruszający punkt wejścia do ruchu, którego byli częścią. Daje to również współczesnym widzom możliwość zbadania różnic między tym ruchem a podobnymi tendencjami, które manifestowały się w innych miejscach w tym czasie, takimi jak ekspresjonizm abstrakcyjny w Stanach Zjednoczonych.

Kolor i czarno-biały

Dziś, Pierre Soulages jest uważany przez wielu za największego żyjącego malarza. Jest uwielbiany za swoje eleganckie, a często emocjonalnie przytłaczające czarne obrazy. Nawet gdy Soulages po wojnie zaczynał rozwijać swój unikalny głos w Paryżu, miał głębokie zrozumienie tego, jak kolor czarny funkcjonował w jego obrazach. Postrzegał go nie jako sposób na pokazanie ciemności, ale jako sposób na „tworzenie światła”. Poprzez zestawienie wykończeń błyszczących i matowych oraz tworzenie relacji między czarnymi a białymi obszarami płótna, stworzył możliwości dla światła, aby oddziaływało z fakturami i odcieniami. Relacje między różnymi obszarami płótna są częścią tego, co sprawia, że jego obrazy są tak świetliste. Na tej wystawie widzimy pięć jego płócien. Pomimo ich ścisłej struktury kompozycyjnej w obrazach takich jak „Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957” (1957) i „Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957” (1957), ich żywe czernie i mocne pociągnięcia pędzla ożywiają ich powierzchnie. Są dalekie od czystej czerni, ale gra ochry, błękitów i bieli w jakiś sposób sprawia, że czerń świeci jeszcze bardziej.

Joan Mitchell - Bez tytułu, 1957. Olej na płótnie. 69 x 58 1/2 cala (175,2 x 148,5 cm). Kolekcja prywatna, Santa Barbara. © Spadek po Joan Mitchell.

Relacje kolorów były również niezwykle ważne dla Joan Mitchell, z których cztery prace znajdują się na tej wystawie. Wszystkie cztery — które prawdopodobnie będą nowe dla większości odwiedzających, ponieważ zostały zebrane wyłącznie z prywatnych kolekcji — pokazują mistrzowską zdolność Mitchell do przekazywania emocjonalnego tonu poprzez swoją paletę kolorów. To, co widzimy w jej pracach, jest wyraźnie czymś „z natury”, mimo że obrazy są całkowicie abstrakcyjne. To poczucie natury jest tylko potęgowane przez niemal ekstatyczny gesturalny styl, który Mitchell rozwinęła podczas swoich częstych wizyt, a ostatecznie przeprowadzki do Francji — styl, który jest pięknie reprezentowany przez prace na tej wystawie. Jej kompozycje są najbardziej luźne i swobodne spośród wszystkich prac na wystawie: świadectwo jej pragnienia, aby zniknąć w sobie podczas malowania i uchwycić poczucie czegoś osobistego opartego na jej własnych wspomnieniach o świecie przyrody.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Olej na płótnie. 80 3/4 x 76 cali (205,1 x 193 cm). Muzeum Sztuki Mildred Lane Kemper, Uniwersytet Waszyngtoński w St. Louis. Dar pana i pani Richarda K. Weila, 1962. © Sam Francis Foundation, Kalifornia / DACS 2019.

Pełny zakres impulsu

Prace wystawione przez Jean Paul Riopelle pokazują dramatyczną zmianę, która miała miejsce w jego metodach na początku lat 50. Najbardziej rozpoznawalnym dziełem na wystawie jest „Abstrakcja (Pomarańczowa)” (1952). Jedno z większych dzieł na wystawie, jego frenetyczna gestykulacja natychmiastowo przywodzi na myśl malarstwo rozpryskowe, najczęściej kojarzone z malarzami ekspresjonizmu abstrakcyjnego, takimi jak Jackson Pollock. W późniejszych pracach, takich jak „Poziomo, Czarny i Biały” (1955), widzimy, jak Riopelle konstruuje znacznie bardziej przemyślaną technikę, z ciasnymi, wymierzonymi, pełnymi niepokoju pociągnięciami pędzla, jednocześnie zachowując impulsywną energię, która tak ożywia jego prace. Na niemal przeciwnym końcu skali impulsów widzimy trzy sublime obrazy autorstwa Zao Wou-Ki. Ich stonowane palety i zrównoważone kompozycyjne harmonie pokazują malarza, który osiąga wspaniale przejmującą równowagę między swobodnym wyrazem a wymierzoną spokojem.

Jean Paul Riopelle - Poziomy, czarno-biały, 1955. Olej na płótnie. 28 3/4 x 36 1/4 cala (73 x 92 cm). Zdjęcie: Øystein Thorvaldsen. Kolekcja Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Norwegia. © SODRAC, Montreal i DACS, Londyn, 2019.

Malarz, z którym najmniej się znam z tej wystawy, to Sam Francis. Po zobaczeniu pięciu przykładów jego prac na wystawie czuję, że wciąż jest wiele do nauczenia się o nim. Eteryczna lekkomyślność beztytułowej kompozycji w odcieniach pomarańczowego, żółtego i niebieskiego wywołała we mnie myśli o Hellen Frankenthaler, podczas gdy jego „Blue Series No. 1” (1960) natychmiast przywołało na myśl Yves'a Kleina. Dwa inne dzieła—„Kompozycja” (ok. 1957-58) i „Bez tytułu” (1959)—ofiarowały coś bardziej wyrazistego: niemal elektryzujące podekscytowanie, jakbym dosłownie patrzył na obrazy fluktuacji i przepływu. Te pojęcia, w rzeczywistości, są sednem tego, co ta wystawa ma do powiedzenia o „innym rodzaju sztuki”, który pojawił się w Paryżu w latach 50. i 60. Trudno to dokładnie określić i trudno nazwać, ale była to sztuka zdefiniowana przez swoją zdolność do zmiany i gotowość do odpuszczenia. Un Art Autre jest wystawiane w Levy Gorvy London do 5 lipca 2019.

Obraz wyróżniony: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Olej na płótnie. 31 7/8 x 51 3/16 cala (81 x 130 cm). Kolekcja prywatna. © DACS 2019.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio