Kto jest najbardziej innowacyjnymi przedstawicielami chińskiej sztuki abstrakcyjnej dzisiaj?

Fraza „chińska sztuka abstrakcyjna” jest dla mnie niepokojąca. Chiny są domem najdłuższej, nieprzerwanej tradycji tworzenia sztuki na ziemi dzisiaj. Ta tradycja jest ogromna i złożona, znacznie bardziej niż tradycje sztuki zachodniej. Zachodnie rozumienie słowa abstrakcja odnosi się głównie do braku figury. Ale w Chinach sztuka niefiguratywna ma zupełnie inną historię, tak samo polityczną, jak estetyczną. A słowo abstrakcja oznacza coś innego dla Chińczyków niż po prostu brak figury. Niemniej jednak, wciąż myślę, że na jakimś głębokim poziomie, jakieś uniwersalne zrozumienie znaczenia abstrakcji mogłoby się pojawić, gdyby kultura wschodnia i zachodnia mogły częściej rozmawiać na ten temat. W tym celu, niedawno otwarta wystawa chińskiej sztuki abstrakcyjnej w Hongkongu otworzyła przede mną kilka drzwi i dała mi głębszy poziom zrozumienia. Time Line, Abstrakcyjna Sztuka z Chin, wystawiana w 10 Chancery Lane Gallery do 10 października 2018 roku, prezentuje prace czterech współczesnych chińskich artystów abstrakcyjnych, których prace koncentrują się szczególnie na elemencie linii. Kurator Tang Zhui zauważa w swoim tekście do wystawy, „ich ‘abstrakcja’ jest bardzo różna od klasycznych dzieł abstrakcyjnych zachodniego modernizmu. Nie mają na celu przedstawienia absolutnej idei ani dążenia do tzw. ‘znaczącej formy’, teoretyzowanej przez historyka sztuki Clive'a Bella, ani nie zmierzają w kierunku całkowitego materializmu jak minimalizm. Tworzenie jest zakorzenione w codziennym manualnym procesie tworzenia dzieł, wykorzystując swoje własne istnienie do prowadzenia stałego dialogu z obiektem przez dłuższy czas.” Ten komentarz sugeruje, że rzeczywiście jest coś specyficznego w sposobie, w jaki chińscy artyści używają i rozumieją słowo abstrakcja. Ale również sugeruje, co jest uniwersalne w tym słowie, i wskazuje, że moje współczesne, zachodnie rozumienie wartości sztuki abstrakcyjnej może nie być tak różne po wszystkim.

Głębokość liniowa

Artyści przedstawieni w Time Line, Abstrakcyjna Sztuka z Chin, urodzili się w latach 1973-1981. Troje z nich otrzymało formalne wykształcenie artystyczne, a jedna osoba była samoukiem. Ich różne podejścia są bardzo indywidualne, jednak ujawniają kilka wspólnych cech. Liu Wentao kształcił się w Pekinie oraz w Massachusetts. Tworzy złożone, geometryczne, trompe l’oeil formy, używając delikatnych linii rysowanych grafitem na płótnie. Jego obrazy łączą historię zachodniego modernizmu z wyraźnie chińską praktyką zakorzenioną w rygorze, prostocie i powtarzalności. Chi Qun ukończyła studia magisterskie z malarstwa ściennego w Centralnej Akademii Sztuk Pięknych w Pekinie. Jej obrazy mają taką teksturę i głębię, że wydają się być wykonane z tkanych tekstyliów. Ale to, co naprawdę widzisz, to nawet osiem kolejnych warstw pigmentu, starannie nałożonych, a następnie zeskrobanych. Część malarstwa i część reliefu, te prace mówią o systemie myślenia i działania, który jest zakorzeniony w naturze i w sposób nieodłączny opiera się na podstawowych relacjach.

Chi Qun - Four Lines - Grey Blue Brown, 2017, Oil on Canvas, 150 x 100 cm

Jiang Weitao był formalnie szkolony w Szanghaju. Jego obrazy olejne są świetliste. Przywołują wizualny język siatki, ale powstają w procesie podobnym do powtarzalnego pisania, w którym każdego dnia nakładane są nowe warstwy linii, stopniowo budując wzory, które wykraczają poza granice ich indywidualnych znaków. A na koniec, Gu Benchi jest artystą samoukiem, którego obrazy składają się z ręcznie tkanych linii z malowanej nici. Nicie przeplatają się nawzajem, budując geometryczne wzory liniowe. To, co na pierwszy rzut oka wygląda jak malowane znaki na powierzchni, w rzeczywistości jest fizycznymi materiałami, które nagromadziły się w rodzaj powierzchni. Koncepcyjne implikacje tych prac fascynują mnie, ponieważ bawią się pojęciem dwuwymiarowości i trójwymiarowości, a także rzekomą różnicą między powierzchnią a linią. Oprócz malarstwa, Gu Benchi rozszerza tę technikę, aby tworzyć rzeźby i instalacje w dużej skali. Na tę wystawę stworzył instalację okienną, która przekształciła przezroczystą szklaną fasadę galerii w dzieło sztuki.

Jiang Weitao - Lease of Life, 2017, 2017, Oil on board, 76 x 76 cm

Formy nieistotne

Dla mnie oczywiste jest, że wszyscy ci artyści są głównie zainteresowani osobistym doświadczeniem, które przeżywają, gdy tworzą swoje dzieła. To doświadczenie jest dla nich znacznie ważniejsze niż obiekty, które są wynikiem ich wysiłków. Najbardziej odkrywczym aspektem tego, co kurator Zhui miał do powiedzenia o tej wystawie, była jego odniesienie do Clive'a Bella, brytyjskiego krytyka sztuki XX wieku, i jego „znaczących form”. Bell wierzył w „estetyczną emocję”. Uważał, że jeśli moglibyśmy zrozumieć, jakie cechy inspirują ludzi do odczuwania estetycznej emocji, moglibyśmy w końcu odkryć, co różni obiekty sztuki od innych rodzajów obiektów. Uważał, że „znacząca forma” to taka, która porusza lub budzi estetyczną emocjonalną reakcję. Jak zauważa Zhui w swoim piśmie, prace na tej wystawie nie są obiektami mającymi na celu wzbudzenie emocji, lecz raczej obiektami ujawniającymi procesy i upływ czasu. Mają być używane w procesie kontemplacji, dzięki któremu mamy okazję zrozumieć relacje — między nami a sztuką; między nami a artystą; między sztuką a wszechświatem; lub między nami samymi a wszystkim.

Liu Wentao - TBC, 2012, Pencil on linen, 150 x 150 cm

Innymi słowy, te dzieła sztuki są nieistotnymi formami. Nie są celem. Są objawieniem celu. Ale ponieważ są abstrakcyjne, nie wyjaśniają, czym ten cel może być, ani nie krytykują tego, co widz może zinterpretować jako jego znaczenie. Powstały w wyniku serii ludzkich działań związanych z materiałami i procesami, które można wyjaśnić; jednak ich efekt przekracza konkretny opis, a ich znaczenie i cel są niejasne. Ta wystawa i towarzyszące jej pisanie ujawniły mi szerokie, transcendentalne zrozumienie słowa abstrakcja. Nie jest to coś, co całkowicie brakuje w zachodnim modernizmie. Jest to wyraz czegoś starożytnego i uniwersalnego, chociaż niemożliwego — a może zbędnego — do zdefiniowania.

Gu Benchi - Endless Line no 17, 2013, Polyester yarn line, stainless steel nail, acrylic adhesive, acrylic, 180 x 180 cm

Obraz wyróżniony: Gu Benchi - Nieskończona linia nr 56, 2017, włókno poliestrowe, gwóźdź ze stali nierdzewnej, klej akrylowy, akryl, 100x 120 cm

Wszystkie obrazy dzięki uprzejmości 10 Chancery Lane Gallery

Autor: Phillip Barcio