Dlaczego Naum Gabo był kluczowy dla rzeźby XX wieku

Naum Gabo był jednym z najważniejszych „istotnych artystów” XX wieku. Był ukształtowany przez swoje czasy, a jednocześnie rozwinął artystyczne stanowisko, które z kolei ukształtowało jego epokę i naszą. To, co czyni jego wkład szczególnie imponującym, to fakt, że doświadczył okoliczności, które łatwo mogłyby uczynić kogoś ponurym. Jednak zamiast poddać się depresji czy porażce, odkrył sposoby, w jakie sztuka przenika codzienne życie, i stworzył dzieła, które poprawiły jego spojrzenie na świat oraz wielu innych. Ponadto Gabo należał do pokolenia artystów, którzy wyobrażali sobie, że artysta nie musi być związany z jednym konkretnym rodzajem twórczości. Dzieła, które stworzył Gabo, obejmują wiele dziedzin – od rzeźby, przez malarstwo, architekturę, aż po scenografię teatralną. Postrzegał artystę nie jako samotną postać zamkniętą w pokoju ze swoim geniuszem, lecz jako społecznie zaangażowanego twórczego ambasadora, którego wyobraźnia może być kanałem do przekazywania różnorodnych doświadczeń i idei. Pionier konstruktywizmu; kluczowy członek Abstraction-Création; prekursor sztuki kinetycznej; Gabo jest prawdziwym wzorem dla artystów każdego pokolenia, pokazując, jak nie tylko wyrażać siebie poprzez swoją twórczość, ale także jak wplatać swoje dzieła i siebie samego w tkankę własnej kultury.

Droga do konstruktywizmu

Urodzony w rodzinie siedmiorga dzieci w Briańsku w Rosji, Gabo został wyrzucony ze szkoły w wieku 14 lat za pisanie „podważającej porządek” poezji. W wieku 15 lat był świadkiem okrucieństw podczas trwającej półtora roku rosyjskiej rewolucji 1905 roku. Obrazy robotników bitych na ulicach utrwaliły w nim świadomość społeczną jako rewolucjonisty i indywidualisty. Jednak w tym młodym wieku Gabo nie był jeszcze artystą. Pierwszy kontakt ze sztuką miał dopiero w wieku dwudziestu kilku lat. W wieku 21 lat zapisał się na medycynę, mówiąc, że chce móc leczyć swoją matkę, która cierpiała na bóle głowy. Wkrótce zmienił kierunek, szybko przechodząc przez różne dziedziny – najpierw matematykę, potem nauki przyrodnicze, filozofię i inżynierię. Dopiero po kursie historii sztuki w 1912 roku i przeczytaniu O duchowości w sztuce Wassilego Kandinsky’ego doznał olśnienia i zrozumiał, jak artyści jego pokolenia łączą swoje przekonania z innymi aspektami nowoczesnego życia. Zainspirowany do rozpoczęcia swojej twórczej drogi, przeprowadził się do Paryża wraz z bratem, Antoine’em Pevsnerem, który również stawał się artystą.

Naum Gabo - odlew z brązu alabastru w „Konstrukcji z rzeźbą z alabastru”, 1966. Brąz i pleksi. 15 × 18 1/5 × 5 1/10 cali; 38 × 46,2 × 12,9 cm. Edycja 4/6. Zdjęcie dzięki uprzejmości Annely Juda Fine Art, Londyn

Podczas pobytu w Paryżu Gabo odwiedził Salon des Indépendants i zetknął się z dziełami czołowych abstrakcyjnych i modernistycznych artystów swojego pokolenia. To doświadczenie zmieniło jego poglądy na to, co sztuka może osiągnąć społecznie i politycznie. Zaczął tworzyć rzeźby figuratywne, ale szybko dostrzegł, że przestarzałe metody sztuki historycznej są „martwe”. Razem z bratem opublikował w 1920 roku Manifest realistyczny. Potępia on przeszłość na rzecz przyszłości, odrzucając kolor jako element obrazowy; linię jako element wyobrażeniowy i graficzny; odrzucając objętość na rzecz „ciągłej głębi” rzeczywistości; odrzucając masę jako konieczność rzeźbiarską; i odrzucając sztukę statyczną na rzecz „rytmu kinetycznego”. Kończy się deklaracją, że „Sztuka ma towarzyszyć człowiekowi wszędzie tam, gdzie toczy się jego niestrudzone życie i działanie: przy warsztacie, w biurze, w pracy, w odpoczynku i w czasie wolnym; w dni robocze i święta, w domu i w drodze, aby płomień życia nie zgasł w człowieku.” W chwili publikacji tego epokowego manifestu Gabo miał 30 lat. Przeżył już wtedy niezwykłe życie, które doskonale przygotowało go do roli rewolucjonisty w świecie abstrakcyjnej sztuki początku XX wieku.

Naum Gabo - motyw sferyczny: czarna wariacja, 1937. Przezroczysty rhodoid i czarny celuloid.
Średnica 16 7/10 cala; 42,5 cm średnicy. Zdjęcie dzięki uprzejmości Galerie Natalie Seroussi

Tworzenie przestrzeni

Jednym z kluczowych pomysłów, które Gabo wprowadził do historii rzeźby, było to, że masa nie musi być rzeźbiona ani odlewana, aby rzeźba mogła zaistnieć. Jego metoda polegała na „konstruowaniu”, budowaniu formy z różnych elementów w taki sposób, aby między nimi istniała przestrzeń – jedno z znaczeń terminu konstruktywizm. Drugie znaczenie tego słowa odnosi się do tworzenia sztuki konstruktywnej, czyli użytecznej, pożytecznej dla społeczeństwa. Gabo uważał, że jego metoda budowania rzeźb również spełnia ten warunek, ponieważ ucieleśnia ideę przestrzeni, nowoczesną koncepcję wyrażoną przez Alberta Einsteina w Ogólnej teorii względności, opublikowanej w 1915 roku, oraz czasu, elementu, który Gabo dodał do swoich dzieł kinetycznych, ponieważ postrzegał ruch jako dosłowne i artystyczne wyrażenie upływu chwil.

Naum Gabo - Liniowa konstrukcja w przestrzeni nr 1, 1943. Lucite z nylonową nicią.
24 1/8 × 24 1/4 × 9 7/8 cala; 61,3 × 61,6 × 25,1 cm. Kolekcja Phillips

Kiedy Gabo wrócił do Rosji, gdzie miał nadzieję dojrzeć swoje konstruktywistyczne idee na służbie ojczyźnie, epoka socrealizmu nabierała rozpędu. Jego abstrakcyjna twórczość nie miała tam żadnej wartości, więc znów musiał podróżować. Spędził czas w Niemczech, gdzie zaprzyjaźnił się z kluczowymi członkami Bauhausu; w Paryżu, gdzie projektował scenografie i kostiumy do baletu oraz zaprzyjaźnił się z artystami takimi jak Piet Mondrian; oraz w Anglii, gdzie zaprzyjaźnił się z członkami Szkoły z St. Ives, takimi jak Barbara Hepworth i Ben Nicholson. Wreszcie, po II wojnie światowej, Gabo przybył do Ameryki, gdzie kontynuował rozwijanie swojego estetycznego stanowiska aż do śmierci w 1977 roku. Pozostawione przez niego dzieła są zarówno owocem jego doświadczeń, jak i odpowiedzią na nie. Jego wizja ukształtowała się na podstawie przekonania, że historia ludzkości to w dużej mierze chaos i przemoc. Poprzez swoją sztukę pokazał, że powierzchowne rzeczy nie są tak ważne jak wewnętrzna istota i uniwersalne rytmy. Jego znaczenie polega nie tylko na wyjątkowości jego estetycznej wizji, ale także na tym, jak jego prace pokazują, że sztuka abstrakcyjna może współdziałać z codziennym życiem na rzecz bardziej harmonijnego świata.

Zdjęcie główne: Naum Gabo - Biały kamień, 1963-1964. Jasnoszary marmur na czarnym malowanym marmurze. 18 1/10 × 23 1/5 cala; 46 × 59 cm. Zdjęcie dzięki uprzejmości Annely Juda Fine Art, Londyn.

Autor: Phillip Barcio