Um Novo Livro Celebra Alice Trumbull Mason, Pioneira da Abstração Americana

Alice Trumbull Mason foi uma raridade no campo da arte: uma praticante obstinada motivada inteiramente pelo desejo de aprender. Mason faleceu em 1971, aos 67 anos, deixando centenas de pinturas e gravuras que a colocam entre as artistas mais perspicazes e talentosas de sua época. Imune às modas e incessantemente dedicada à experimentação, ela criou um conjunto de obras que transcende o tempo. Um importante monografia documentando mais de 150 de suas pinturas, com ensaios perspicazes sobre Mason por escritores contemporâneos de arte como Elisa Wouk Almino, do Hyperallergic, será lançada pela editora Rizzoli Electa em Nova York (já pode ser encomendada). A avaliação mais completa de sua carreira até hoje, será valorizada por suas belas reproduções em página inteira de tantas de suas obras. No entanto, a recepção que o livro já está recebendo é um pouco estranha. A estranheza está representada pela manchete de uma resenha recente escrita por Roberta Smith para o New York Times, que chama Mason de “Modernista Esquecida.” Essa afirmação, de que Mason não foi apreciada em sua época, ou tem sido ignorada desde sua morte, é menos fato e mais hipérbole para alimentar o apetite do mercado de arte por obras e artistas supostamente “desprezados.” Rejeito essa teoria neste caso apenas porque conheço muitos artistas reais que existem no campo real da arte. A maioria dos artistas adoraria ter a carreira que Alice Trumbull Mason teve. Ao longo de quatro décadas, ela realizou seis exposições individuais em Nova York, cofundou o American Abstract Artists, fez amizade e aprendeu com vários dos artistas mais respeitados de sua época, e vendeu obras para algumas das figuras mais influentes do mundo da arte, incluindo Hilla Rebay e Peggy Guggenheim. Em uma realidade onde a esmagadora maioria dos artistas nunca tem uma única exposição individual em Nova York, e nunca vende nenhuma pintura, Mason foi um sucesso estrondoso. Em vez de deixar o mercado de arte distorcer seu legado para se encaixar em sua narrativa corrupta, devemos respeitar o que Mason realmente fez.

Uma História Pessoal da Arte

Um testemunho do tipo de artista que Alice Trumbull Mason foi pode ser encontrado nos Arquivos Smithsonian de Arte Americana, onde seus papéis pessoais foram doados. A coleção inclui um caderno, na capa do qual Mason escreveu à mão “História da Arte.” Dentro de suas páginas (que estão disponíveis para consulta online) estão reflexões pessoais sobre as vidas e obras de um par de dezenas de mestres clássicos. Em vez de ler e regurgitar a história da arte, Mason foi à Europa e visitou pessoalmente obras influentes, dedicando tempo também para aprender sobre os humanos que as criaram. Seu livro pessoal de história da arte inclui tanto observações plásticas quanto percepções sobre a vida interior dos artistas. Ambos são igualmente reveladores. Por exemplo, ela observa que Michelangelo não queria pintar a Capela Sistina, e que ele ressentia muitos de seus outros patronos também. O fato de ele ter se tornado um dos artistas mais famosos de todos os tempos era irrelevante para Mason — ela estava mais interessada no fato de que ele estava infeliz porque não tinha a liberdade de pintar o que queria.

Alice Trumbull Mason - #1 Rumo a um Paradoxo, 1969. Óleo sobre tela. 48,3 x 55,9 cm (19 x 22 pol). Galeria Washburn, Nova York.

Sobre o tema da plasticidade da arte, Mason destaca uma citação do escultor renascentista Donatello, que disse: “Você perde a substância pela sombra.” No caso dele, Donatello falava sobre os efeitos das mudanças ousadas de claridade e escuridão, conhecidas como chiaroscuro. Embora os detalhes de uma figura possam se perder quando a luz incide sobre as dobras de um tecido esculpido, ou as cristas de músculos esculpidos, o drama e o realismo emergem da sensação percebida de profundidade que a sombra cria. Mason leu algo ainda mais profundo em suas palavras. Ela viu nessa citação uma referência à potencialidade da abstração. A sombra tornou-se uma metáfora para o desconhecido. Assim como o desconhecido fazia uma escultura parecer real para Donatello, o desconhecido representava o que era mais real para Mason. Ela considerava a arte abstrata o tipo mais representativo de arte — era o desconhecido, em vez do conhecido, que ela buscava representar.

Alice Trumbull Mason - Sem título, circa 1939. Óleo sobre tela. 76,2 x 101,6 cm (30 x 40 pol). Galeria Washburn, Nova York.

Uma Pioneira Completa

O título da monografia de Mason que será lançada — Alice Trumbull Mason: Pioneira da Abstração Americana — não poderia ser mais apropriado. Para mim, lembra o velho ditado americano dos primeiros dias da expansão para o oeste: “Pioneiros são massacrados; colonos enriquecem.” A arte talvez nunca tenha feito Mason enriquecer, mas o que você encontra nas páginas dessa monografia é a evidência de uma artista que nunca se acomodou. Já em 1929, quando tinha 25 anos, Mason estava dedicada às possibilidades espirituais seculares contidas na arte abstrata. Ela estudava com prazer teorias conflitantes, oscilando entre o biomorfismo lírico de artistas como Wassily Kandinsky, Joan Miró e um de seus mentores pessoais, Arshile Gorky, e a pureza geométrica e plástica de artistas como Piet Mondrian. Ela oscilou entre essas duas posições ao longo da vida. Em 1945, quando Hilla Rebay organizou a Exposição Memorial Kandinsky, que apresentou 227 pinturas, Mason escreveu uma carta pessoal a Rebay agradecendo por lhe proporcionar a chance de “estudar tão profundamente” tanto do trabalho dele pessoalmente. No entanto, apenas um ano depois, Mason já estava adicionando retângulos e o que ela chamou de estrutura “arquitetônica” às suas composições no espírito Neo-Plástico de Mondrian.

Alice Trumbull Mason - Desenho para "Abstração Colorstrutural", 1947. Óleo sobre masonita. 67,3 x 58,4 cm (26 1/2 x 23 pol). Galeria Washburn, Nova York.

Em última análise, Mason manteve-se fiel a dois princípios orientadores em seu trabalho que eclipsaram quaisquer preocupações superficiais sobre conteúdo. O primeiro era sua crença — fosse fazendo pinturas ou gravuras, composições biomórficas ou geométricas — na importância da liberdade pessoal no que diz respeito ao que criar em arte e como criá-la. E o segundo era sua consciência de que o próprio meio é o elemento mais importante e expressivo da arte abstrata. Como todos os grandes artistas, a magia de seu trabalho não está em seu currículo de exposições, nem em seus preços em leilões, nem em quantos colecionadores contemporâneos agora conhecem seu nome — está na plasticidade ekfrástica da própria tinta.

Imagem em destaque: Alice Trumbull Mason - Cajado, Ramo e Vara, 1952. Óleo sobre tela. 87,3 x 106,7 cm (34 3/8 x 42 pol). Galeria Washburn, Nova York.
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio