Um Novo Livro Celebra Alice Trumbull Mason, Pioneira da Abstração Americana

Alice Trumbull Mason foi uma raridade no campo da arte: uma praticante obstinada motivada inteiramente pelo desejo de aprender. Mason morreu em 1971, aos 67 anos, deixando para trás centenas de pinturas e gravuras que a colocam entre os artistas mais perspicazes e talentosos de seu tempo. Imune a tendências e incessantemente dedicada à experimentação, ela criou um corpo de trabalho que transcende o tempo. Um importante monografia documentando mais de 150 de suas pinturas, e apresentando ensaios perspicazes sobre Mason por escritores de arte contemporâneos como Elisa Wouk Almino da Hyperallergic, está a caminho da editora Rizzoli Electa em Nova York (pode ser pré-encomendada agora). A avaliação mais completa de sua carreira até hoje, será valorizada por suas belas reproduções em página inteira de tantas de suas obras. No entanto, a recepção que o livro já está recebendo é um pouco estranha. A estranheza é personificada pela manchete de uma recente resenha escrita por Roberta Smith para o New York Times, que chama Mason de “Modernista Esquecida.” Essa afirmação, de que Mason não foi apreciada durante seu tempo, ou foi ignorada desde sua morte, é menos fato e mais hipérbole para alimentar o apetite do mercado de arte por obras e artistas que supostamente foram “esquecidos.” Eu rejeito isso como uma teoria neste caso apenas porque conheço muitos artistas reais que existem no verdadeiro campo da arte. A maioria dos artistas adoraria ter a carreira que Alice Trumbull Mason teve. Ao longo de quatro décadas, ela teve seis exposições individuais na cidade de Nova York, co-fundou a American Abstract Artists, fez amizade e aprendeu com vários dos artistas mais respeitados de seu tempo, e vendeu obras para algumas das figuras mais influentes do mundo da arte, incluindo Hilla Rebay e Peggy Guggenheim. Em uma realidade onde a esmagadora maioria dos artistas nunca tem uma única exposição individual em Nova York e nunca vende nenhuma pintura, Mason foi um sucesso estrondoso. Em vez de deixar o mercado de arte distorcer seu legado para se encaixar em sua narrativa corrupta, devemos respeitar o que Mason realmente fez.

Uma História Pessoal da Arte

Um testemunho do tipo de artista Alice Trumbull Mason que ela foi pode ser encontrado nos Arquivos de Arte Americana do Smithsonian, onde seus documentos pessoais foram doados. A coleção inclui um caderno, na capa do qual Mason escreveu à mão "História da Arte". Dentro de suas páginas (que estão disponíveis para consulta online) estão reflexões pessoais sobre as vidas e obras de uma dúzia de mestres clássicos. Em vez de ler e regurgitar a história da arte, Mason foi à Europa e visitou pessoalmente obras influentes, dedicando tempo também para aprender sobre os humanos que as criaram. Seu livro pessoal de história da arte inclui tanto observações plásticas quanto insights sobre as vidas interiores dos artistas. Ambos são igualmente reveladores. Por exemplo, ela observa que Michelangelo não queria pintar a Capela Sistina e que ele ressentia muitos de seus outros patronos também. O fato de ele ter se tornado um dos artistas mais famosos de todos os tempos era irrelevante para Mason—ela estava mais interessada no fato de que ele estava infeliz porque não tinha a liberdade de pintar o que queria.

Alice Trumbull Mason - #1 Towards a Paradox, 1969. Óleo sobre tela. 19 x 22 pol (48,3 x 55,9 cm). Washburn Gallery, Nova York.

Sobre a plasticidade da arte, Mason observa uma citação do escultor renascentista Donatello, que disse: “Você perde a substância pela sombra.” No seu caso, Donatello falava sobre os efeitos de mudanças ousadas de claridade e escuridão, conhecidas como chiaroscuro. Embora os detalhes de uma figura possam ser perdidos quando a luz atinge as dobras de um tecido esculpido, ou as elevações de músculos esculpidos, o drama e o realismo emergem da percepção de profundidade que a sombra cria. Mason leu algo ainda mais profundo em suas palavras. Ela viu nesta citação uma referência à potencialidade da abstração. A sombra tornou-se uma metáfora para o desconhecido. Assim como o desconhecido fazia uma escultura parecer real para Donatello, o desconhecido representava o que era mais real para Mason. Ela considerava a arte abstrata como o tipo de arte mais representativo—era o desconhecido, em vez do conhecido, que ela estava trabalhando para representar.

Alice Trumbull Mason - Sem Título, ca. 1939. Óleo sobre tela. 30 x 40 pol (76,2 x 101,6 cm). Washburn Gallery, Nova York.

Um pioneiro total

O título da próxima monografia de Mason—Alice Trumbull Mason: Pioneira da Abstração Americana—não poderia ser mais apropriado. Para mim, ele evoca o antigo ditado americano dos primeiros dias da expansão para o oeste: “Pioneiros são massacrados; colonos ficam ricos.” A arte pode nunca ter feito de Mason uma fortuna, mas o que você encontra nas páginas desta monografia é a evidência de uma artista que nunca se acomodou. Já em 1929, quando tinha 25 anos, Mason estava dedicada às possibilidades espirituais seculares contidas na arte abstrata. Ela estudou feliz teorias conflitantes, oscilando entre o biomorfismo de artistas como Wassily Kandinsky, Joan Miro e um de seus mentores pessoais, Arshile Gorky, e a pureza plástica geométrica de artistas como Piet Mondrian. Ela oscilou entre essas duas posições ao longo de sua vida. Em 1945, quando Hilla Rebay montou a Exposição Memorial Kandinsky, que apresentou 227 pinturas, Mason escreveu uma carta pessoal a Rebay agradecendo-a por lhe proporcionar a chance “de estudar tão plenamente” tanto de seu trabalho pessoalmente. No entanto, apenas um ano depois, Mason já estava adicionando retângulos e o que ela chamava de estrutura “arquitetônica” às suas composições no espírito Neo-Plástico de Mondrian.

Alice Trumbull Mason - Desenho para "Abstração Colorstructiva", 1947. Óleo sobre masonite. 26 1/2 x 23 pol (67,3 x 58,4 cm). Washburn Gallery, Nova York.

Em última análise, Mason manteve-se fiel a dois princípios orientadores em seu trabalho que ofuscavam quaisquer preocupações superficiais sobre o conteúdo. O primeiro era sua crença—seja ela fazendo pinturas ou gravuras, composições biomórficas ou geométricas—na importância da liberdade pessoal quando se trata de que arte criar e como criá-la. E o segundo era sua consciência de que o meio em si é o elemento mais importante e expressivo da arte abstrata. Como todos os grandes artistas, a magia de seu trabalho não está em seu currículo de exposições, nem em seus preços de leilão, nem em quantos colecionadores contemporâneos agora conhecem seu nome—está na plasticidade ekfrástica da própria tinta.

Imagem em destaque: Alice Trumbull Mason - Staff, Distaff and Rod, 1952. Óleo sobre tela. 34 3/8 x 42 pol (87,3 x 106,7 cm). Washburn Gallery, Nova York.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park