Impressões de Fotografia Abstrata à Venda que Você Não Deve Perder!

Ao transgredir limites, a fotografia abstrata ultrapassou definições e caracterizações simples. Embora inicialmente enraizado no realismo, o meio fotográfico abraçou o não representacional ao longo dos séculos de sua existência, com obras de artistas lendários como Man Ray, William Klein, Hiroshi Sugimoto e, posteriormente, Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff e Jessica Eaton. Parte desse corpo diversificado de trabalho está exibida em nossa própria seleção excepcional de impressões fotográficas abstratas de alta qualidade à venda, apresentada abaixo. Temos orgulho em chamar sua atenção para seis dos artistas mais notáveis cujo trabalho está transformando profundamente tanto o meio da fotografia quanto a arte abstrata em si. Abaixo, você encontrará nove impressões de fotografia abstrata à venda da mais alta qualidade que você não deve perder!

Richard Caldicott - Untitled 153

Richard Caldicott conquistou reconhecimento mundial com sua composição abstrata de cores e formas geométricas emanadas de Tupperware (re)arranjados e objetificados que se dissolvem na pura abstração em suas fotografias. Seus esforços contínuos e ousados para desafiar o cânone fotográfico não diminuíram ao longo dos anos, já que sua obra também abrange desenho e escultura, acentuando a mesma sofisticação e compostura. O trabalho recente de Caldicott revela a gradual partida da quietude modernista para composições que imitam rupturas e fraturas.

Em Untitled 153, Caldicott segue sua abordagem tradicional de fotografia analógica para infundir seu conjunto minimalista de componentes generosos em cor e vivacidade. Essas formas, superfícies e cores surgem de sua experiência mais pessoal e atraem o espectador para seu universo mais íntimo. Untitled 153 segue uma lógica composicional linear discernível e germina em uma maravilhosa obra abstrata que é ao mesmo tempo autoexplicativa e parte de um diálogo maior. Ao enfatizar duplicação, replicação e ajustes sutis de cores, Caldicott anuncia discretamente suas novas intenções estéticas e simbólicas que se baseiam no icônico minimalismo, pinturas do Campo de Cor e reaproveitamento pop.

Richard Caldicott - Untitled 153, 2000. Impressão C. 61 x 50,8 cm.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010

O trabalho mais recente de Caldicott marca a partida final da serenidade modernista para a aceitação do dinamismo e da força. Chance/Fall (4), 2010 exibe camadas sobrepostas e flutuantes de cores cintilantes que emanam vivacidade e intensidade de energia luminosa e atraente. Seu brilho translúcido atrai o espectador enquanto ele confia firmemente na transparência e saturação. A repetição inscrita na própria natureza da série faz de Caldicott um adepto da ‘atitude serial’ (Derek Horton) e ecoa o Minimalismo, que transporta o espectador para o labirinto contemplativo da fotografia abstrata.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. Impressão C. 127 x 101,6 cm.

Luuk De Haan - Color Field 12

Misturando técnicas fotográficas históricas e tecnologia contemporânea de software gráfico digital, Luuk de Haan, um artista visual holandês, desenvolveu sua própria expressão distinta. De Haan cria uma composição geométrica usando software gráfico digital que ele fotografa diretamente da tela. Ele altera as condições físicas sob as quais a fotografia é feita, enfatizando a incerteza e o elemento errático de surpresa que se revela através da interação com a imagem digital. As imagens recém-surgidas cativam a eloquência visual natural e orgânica, bem como uma rigorosa exploração gráfica de forma, cor, geometria e linha.

Color Field 12 é um exemplo impressionante de uma exploração meticulosa da cor inspirada por expressionistas abstratos como Ellsworth Kelly, Barnett Newman e Kenneth Noland. Esta obra sugere estar em fluxo, mas um fluxo que escapa a uma interpretação mais precisa e rigor explicativo. De Haan revela adequadamente sua estética minimalista e composições definidas por formas geométricas confiantes, linhas claras, superfícies suaves que ressoam vivamente com seu vocabulário visual. Seu trabalho emana movimento livre e profundidades em cascata enquanto evoca uma sensação de calma evasiva que evapora na serenidade utópica tanto das cores quanto das formas.

Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. Tinta UltraChrome HD em papel Hahnemühle. 100 x 72,5 cm.

Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11

De Haan demonstra seu talento único nesta tentativa de traduzir formas bidimensionais em imagens tridimensionais enquanto explora a deformação e alteração criadas pela câmera. Ele seleciona uma apresentação de duas ou mais imagens que fotografa em uma única tomada, movendo e aproximando e afastando a lente, criando assim uma imagem tridimensional. Essas imagens conseguem capturar movimento, geometria e relações dinâmicas de cor de sua criação. Nicht in die Laufende Trommel Greifen (Não Coloque a Mão no Tambor em Movimento), uma placa de aviso impressa no topo de uma máquina giratória, serviu de inspiração para De Haan.

Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11, 2015. Tinta UltraChrome HD em papel Hahnemühle. 59,4 x 42 cm.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium)

Versado em uma grande variedade de formas e meios artísticos, Seb Janiak se sente à vontade oscilando entre fotografia e produção de vídeo. Suas aventuras fotográficas vão desde seus primeiros trabalhos foscos até suas últimas fotografias com feixes de laser feitas através de um prisma. Ele não demonstra lealdade a nenhuma escola ou dogma enquanto explora a complexidade do mundo que o cerca. Suas fotografias são conhecidas por sua excepcional incorporação da tensão nascida das dicotomias e opostos do nosso mundo. Seu trabalho perambula por fantasia frenética e ficção científica apenas para alcançar as margens da natureza atormentada e da humanidade utópica. Janiak é um produtor francês de vídeo e música celebrado mundialmente por sua contribuição à fotografia analógica contemporânea.

Gravity liquid 04 (Medium) incorpora profundamente a própria afirmação metafísica de Janiak de que uma forma não pode existir sem um ambiente e que as formas visíveis dependem das condições que permitem sua existência. Para contestar visualmente sua afirmação metafísica, Janiak optou por focar na gravidade como uma força oculta que molda nosso universo. Nesta série de fotografias, ele explora o poder transformador que a gravitação exerce sobre líquidos e gases. Ele aplicou o processo fotográfico para congelar a forma, mas, como o ambiente está em constante transformação, esse processo também está.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium), 2014. Impressão cromogênica. 110 x 86 cm.

Gianfranco Pezzot - III. Deceit of Language

Gianfranco Pezzot é um artista abstrato italiano profundamente inspirado pelas formas como experimentamos e impactamos o ambiente ao nosso redor. Seus interesses penetram profundamente nas complexas modalidades de nossas interações com o mundo, enquanto seu trabalho se entrelaça cada vez mais com os domínios da história, política e economia. Ao fazer isso, Pezzot está inventando uma nova linguagem fotográfica contemporânea que combina várias imagens e meios e cria uma imagem complexa em camadas, apresentada em sua forma final como uma impressão digital C-print. III.

Deceit of Language faz parte de sua série Dichotomy of a Human Brain, onde Pezzot investiga profundamente as narrativas que os cérebros constroem ao perceber diferentes imagens. Pezzot busca fornecer uma estrutura interpretativa para narrativas que são distorcidas quando as imagens são alteradas, reestruturadas ou combinadas com outras imagens. Em III. Deceit of Language, ele combina fragmentos de flores, paisagem de praia e folhas de papel amassadas em um conjunto que convida a uma intervenção artística adicional. Esta é uma de suas tentativas mais persuasivas de investigar o papel mutável da fotografia como meio artístico contemporâneo.

Gianfranco Pezzot - III. Deceit of Language, 2017. Impressão digital C-Type em papel fotográfico Kodak Endura. 240 x 180 cm.

Paul Snell - Intersect # 201701

Artista da Tasmânia, Paul Snell combina técnicas tradicionais e digitais enquanto expande os limites da abstração e do minimalismo. Seu processo criativo começa capturando o objeto ou local com uma câmera tradicional, seguido pela decodificação digital. Após reduzir e simplificar cores e formas, Snell inverte o processo recodificando a imagem — essas cores e formas simplificadas tornam-se autorreferenciais em uma nova composição até que o processo de capturar e criar fique conceitual e praticamente obscuro. O resultado final é apresentado em suas impressões cromogênicas que dispersam uma impressão luminosa e vívida em papel metálico montado em plexiglass. Intersect # 201701 encapsula o léxico visual distinto de Snell, inspirado na pintura modernista, particularmente no minimalismo e na abstração de borda dura. Autodescrevendo seu processo criativo como uma busca por uma “compreensão sensorial do objeto físico”, Snell reconhece a substância material do mundo abstrato. Esta fotografia epitomiza sua paixão pelas relações de cor e realidades espaciais — suas relações dinâmicas, interação vibrante e surpreendente. Seu trabalho inclui uma visão contemplativa persuasiva, aquela que beira o reino metafísico.

Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Impressão cromogênica montada em plexiglass de 4,5 mm. 118 x 118 cm.

Paul Snell - Hover # 201909

O trabalho mais recente e profundamente hipnotizante de Snell utiliza estruturas visuais rítmicas e harmoniosas que transportam o espectador para as profundezas do pensamento puro. Ele cria sugestões visuais que traduzem a reflexão em um estado autenticamente meditativo. Hover # 201909 revela o dinamismo das relações de cor de Snell que surge da combinação de aspectos arquitetônicos de suas composições e suas superfícies vibrantes e luminosas. A ausência de metasemântica e representação arrasta o espectador para o meio da matéria estética primal e tonal. Nesta experiência primordial, o espectador é imerso em cor, ritmo e espaço que se abrem para sua reflexão interpretativa, abrindo assim o caminho para a pura transcendência.

Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Impressão cromogênica montada em plexiglass fosco de 3 mm. 80 x 80 cm.

Tenesh Webber - Boxy

Tenesh Webber, uma artista canadense, é amplamente reconhecida por suas ousadas tentativas de criar uma interseção distinta entre fotografia e escultura. Ela habilmente cria objetos bidimensionais sobrepondo e cortando o fio de costura ou um desenho de linha repetitivo no plexiglass. Esses objetos são usados para criar imagens fotográficas sem câmera que capturam um elemento de imprevisibilidade e incerteza gerado pelo movimento manual. Em seu trabalho mais recente, ela mergulha profundamente na natureza oculta da fotografia como meio enquanto continua a refletir sobre a percepção do espaço negativo e positivo, movimento e completa imobilidade.

Boxy é um exemplo das explorações icônicas de Webber sobre os desafios e convenções da fotografia tradicional em preto e branco. Ela termina criando uma composição rítmica e intuitiva que captura tanto a tensão quanto o equilíbrio que surgem entre o orgânico e o reticulado. A composição sofisticada de Boxy emana as visões macro e micro conflitantes da natureza e sua relação com o homem.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Fotografia em preto e branco. 50,8 x 50,8 cm.

Imagem em destaque: Richard Caldicott - Untitled 153, vista da instalação.
Por Jovana Vuković