Impressões de Fotografia Abstrata à Venda que Você Não Deve Perder!

Na sua transgressão de limites, fotografia abstrata foi além de definições e caracterizações simples. Embora inicialmente enraizada no realismo, o meio fotográfico abraçou o não-representacional ao longo dos séculos de sua existência, com as obras de artistas lendários como Man Ray, William Klein, Hiroshi Sugimoto e, mais tarde, Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff e Jessica Eaton. Parte desse variado corpo de trabalho está exposta em nossa própria seleção excepcional de impressões de fotografia abstrata de alta qualidade à venda apresentadas abaixo. Temos orgulho em chamar sua atenção para seis dos artistas mais notáveis cujo trabalho está transformando profundamente tanto o meio da fotografia quanto a arte abstrata em si. Abaixo você encontrará nove impressões de fotografia abstrata à venda da mais alta qualidade que você não deve perder!

Richard Caldicott - Sem Título 153

Richard Caldicott ganhou reconhecimento mundial com sua composição abstrata de cores e formas geométricas que emanam de Tupperware (re)organizados e objetificados, que se dissolvem na pura abstração em suas fotografias. Seus esforços contínuos e ousados para desafiar o cânone fotográfico não se abateram ao longo dos anos, já que sua obra também abrange desenho e escultura, acentuando a mesma sofisticação e compostura. O trabalho recente de Caldicott revela a gradual saída da imobilidade modernista para composições que imitam interrupções e fraturas.

Em Untitled 153, Caldicott persegue sua abordagem tradicional de fotografia analógica para instilar seu conjunto minimalista de componentes generosos em cor e vivacidade. Essas formas, superfícies e cores surgem de sua experiência mais pessoal e atraem o espectador para seu universo mais íntimo. Untitled 153 segue uma lógica composicional linear discernível e germina em uma maravilhosa obra abstrata que é ao mesmo tempo autoexplicativa e parte de um diálogo maior. Ao enfatizar duplicação, replicação e ajustes sutis de cores, Caldicott anuncia de maneira discreta suas novas intenções estéticas e simbólicas que se baseiam no minimalismo, nas pinturas de Campo de Cor e na reapropriação pop.

Richard Caldicott - Sem Título 153, 2000. Impressão C. 61 x 50,8 cm.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010

O trabalho mais recente de Caldicott marca a saída final da serenidade modernista em direção à adoção do dinamismo e da força. Chance/Fall (4), 2010 exibe camadas sobrepostas e flutuantes de cores cintilantes que emanam vivacidade e intensidade de uma energia luminosa e atraente. Sua radiação pálida atrai o espectador enquanto ele se apoia firmemente na transparência e na saturação. A repetição inscrita na própria natureza da série faz de Caldicott um adotante de uma ‘atitude serial’ (Derek Horton) e ecoa o Minimalismo que realoca o espectador no labirinto contemplativo da fotografia abstrata.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. Impressão C. 127 x 101,6 cm.

Luuk De Haan - Campo de Cor 12

Misturando técnicas fotográficas históricas e a tecnologia contemporânea do software de gráficos digitais Luuk de Haan, um artista visual holandês, desenvolveu sua própria expressão distinta. De Haan cria uma composição geométrica usando software de gráficos digitais que ele fotografa diretamente da tela. Ele altera as condições físicas sob as quais a fotografia é tirada, enfatizando a incerteza e o elemento errático de surpresa que é revelado através da interação com a imagem digital. As imagens recém-emergidas cativam a eloquência visual natural e orgânica, bem como uma rigorosa exploração gráfica de forma, cor, geometria e linha.

Color Field 12 é um exemplo impressionante de uma exploração meticulosa da cor inspirada por expressionistas abstratos como Ellsworth Kelly, Barnett Newman e Kenneth Noland. Esta obra sugere estar em fluxo, mas um fluxo que escapa a uma interpretação mais precisa e rigor explicativo. De Haan revela apropriadamente sua estética minimalista e composições definidas por formas geométricas confiantes, linhas claras, superfícies suaves que ressoam rapidamente com seu vocabulário visual. Seu trabalho emana o movimento livre e profundidades em cascata, enquanto evoca uma sensação de calma elusiva que evapora na serenidade utópica tanto das cores quanto das formas.

Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. Tinta UltraChrome HD em papel Hahnemühle. 100 x 72,5 cm.

Luuk De Haan - Não Colocar a Mão na Tambor de Correr 11

De Haan demonstra seu talento único nesta tentativa de traduzir formas bidimensionais em imagens tridimensionais enquanto explora a deformação e alteração criadas pela câmera. Ele seleciona uma apresentação de slides de duas ou mais imagens que fotografa em uma única tomada, movendo e ampliando a lente, criando assim uma imagem tridimensional. Essas imagens conseguem capturar o movimento, a geometria e as relações dinâmicas de cor de sua criação. Nicht in die Laufende Trommel Greifen (Não Caia na Tamborilagem), um aviso impresso no topo de uma máquina giratória, serviu de inspiração para de Haan.

Luuk De Haan - Não Coloque a Mão na Trombeta em Movimento 11, 2015. UltraChrome HD Ink sobre papel Hahnemühle. 59,4 x 42 cm.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Médio)

Bem versado em uma grande variedade de formas e meios de arte, Seb Janiak se sente em casa oscilando entre fotografia e produção de vídeo. Suas escapadas fotográficas se estendem desde seu trabalho inicial em matte até suas mais recentes fotografias com feixes de laser tiradas através de um prisma. Ele não oferece lealdade a nenhuma escola ou dogma enquanto explora a complexidade do mundo que o cerca. Suas fotografias são conhecidas por sua excepcional incorporação da tensão nascida de dicotomias e opostos do nosso mundo. Seu trabalho serpenteia por fantasias frenéticas e ficção científica apenas para alcançar as costas de uma natureza atormentada e uma humanidade utópica. Janiak é um produtor de vídeo e música francês, globalmente celebrado por sua contribuição à fotografia analógica contemporânea.

A gravidade líquida 04 (Média) incorpora profundamente a própria afirmação metafísica de Janiak de que uma forma não pode existir sem um ambiente e que as formas visíveis dependem das condições que permitem a existência dessas formas. Para contestar visualmente sua afirmação metafísica, Janiak optou por concentrar seu foco na gravidade como uma força oculta que molda nosso universo. Nesta série de fotografias, ele explora o poder transformador que a gravitação exerce sobre líquidos e gases. Ele aplicou o processo fotográfico para congelar a forma, mas como o ambiente está em constante transformação, esse processo também está.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Médio), 2014. Impressão cromogênica. 110 x 86 cm.

Gianfranco Pezzot - III. Engano da Linguagem

Gianfranco Pezzot é um artista abstrato italiano que é profundamente inspirado pelas maneiras como experienciamos e impactamos o ambiente ao nosso redor. Seus interesses penetram profundamente nas complexas modalidades de nossas interações com o mundo, à medida que seu trabalho se entrelaça ainda mais com os reinos da história, política e economia. Ao fazer isso, Pezzot está inventando uma nova linguagem fotográfica contemporânea que combina várias imagens e meios e cria uma imagem complexa em camadas, apresentada em sua forma final como uma impressão digital C. III.

A Decepção da Linguagem é parte de sua série Dicotomia de um Cérebro Humano, onde Pezzot mergulha fundo nas narrativas que os cérebros constroem ao perceber diferentes imagens. Pezzot busca fornecer uma estrutura interpretativa para narrativas que são distorcidas quando as imagens são alteradas, reestruturadas ou combinadas com outras imagens. Em III. Decepção da Linguagem, ele combina fragmentos de flores, paisagens de praia e folhas de papel amassadas em uma assemblagem que convida a uma intervenção artística adicional. Esta é uma de suas tentativas mais persuasivas de investigar o papel em mudança da fotografia como um meio artístico contemporâneo.

Gianfranco Pezzot - III. Engano da Linguagem, 2017. Impressão Digital C-Type em papel fotográfico Kodak Endura. 240 x 180 cm.

Paul Snell - Intersect # 201701

Um artista da Tasmânia, Paul Snell mistura técnicas tradicionais e digitais enquanto expande os limites da abstração e do minimalismo. Seu processo criativo começa com a captura do objeto ou local com uma câmera tradicional, seguido pela decodificação digital. Após reduzir e simplificar cores e formas, Snell inverte o processo re-codificando a imagem -- essas cores e formas simplificadas tornam-se autorreferenciais em uma nova composição até que o processo de captura e criação seja obscurecido conceitual e praticamente. O resultado final é apresentado em suas impressões cromogênicas que dispersam uma impressão luminosa e vívida em papel metálico montado em acrílico. Intersect # 201701 encapsula o léxico visual distinto de Snell, inspirado pela pintura modernista, particularmente o minimalismo e a abstração de borda dura. Descrevendo seu processo criativo como uma busca por uma "compreensão sensorial do objeto físico", Snell reconhece a substância material do mundo abstrato. Esta fotografia epitomiza sua paixão por relações de cor e realidades espaciais -- suas relações dinâmicas, interações vibrantes e surpreendentes. Seu trabalho inclui uma visão contemplativa persuasiva, aquela que faz fronteira com o reino metafísico.

Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Impressão cromogênica montada na face em Plexiglas de 4,5 mm. 118 x 118 cm.

Paul Snell - Hover # 201909

O mais recente e profundamente hipnotizante trabalho de Snell utiliza estruturas visuais rítmicas e harmoniosas que transportam o espectador para as profundezas do pensamento puro. Ele cria sugestões visuais que traduzem a reflexão em um estado autenticamente meditativo. Hover # 201909 revela o dinamismo das relações de cor de Snell que surge de uma combinação de aspectos arquitetônicos de suas composições e suas superfícies vibrantes e luminosas. A ausência de metasemântica e representação arrasta o espectador para o meio da matéria estética primal e tonal. Nesta experiência primordial, o espectador é imerso em cor, ritmo e espaço que se abrem para sua reflexão interpretativa, assim limpando o caminho para a pura transcendência.

Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Impressão cromogênica montada na face em plexiglass fosco de 3mm. 80 x 80 cm.

Tenesh Webber - Boxy

Tenesh Webber, uma artista canadense, é amplamente aclamada por suas ousadas tentativas de criar uma interseção distinta entre fotografia e escultura. Ela habilidosamente cria objetos bidimensionais ao sobrepor e cortar o fio de costura ou um desenho de linha repetitivo no acrílico. Esses objetos são usados para criar imagens fotográficas sem câmera que capturam um elemento de imprevisibilidade e incerteza gerado pelo movimento das mãos. Em seu trabalho mais recente, ela mergulha profundamente na natureza oculta da fotografia como meio, enquanto continua a refletir sobre a percepção do espaço negativo e positivo, movimento e completa imobilidade.

Boxy é um exemplo das explorações icônicas de Webber sobre os desafios e convenções da fotografia tradicional em preto e branco. Ela termina criando uma composição rítmica e intuitiva que captura tanto a tensão quanto o equilíbrio que surgem entre o orgânico e o reticulado. A composição sofisticada de Boxy emana as visões macro e micro conflitantes da natureza e sua relação com o homem.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Fotografia em preto e branco. 50,8 x 50,8 cm.

Imagem em destaque: Richard Caldicott - Sem Título 153, vista da instalação.
Por Jovana Vuković