Uma Entrevista com Jeremy Annear

Jeremy Annear (nascido em 1949) é um artista abstrato altamente respeitado e bem-sucedido, baseado em Cornwall, Inglaterra. Seu trabalho faz parte das coleções do Ionian Trust e da Royal Holloway Collection, entre outras, e ele já expôs internacionalmente no Canadá, Estados Unidos, Alemanha, França e Holanda; todos esses locais tiveram uma influência única em sua obra. Sua exposição mais recente na Lemon Street Gallery em Truro, uma mostra conjunta com sua esposa, Judy Buxton, serviu como uma espécie de retorno para o artista, para quem a paisagem da Cornualha é uma grande fonte de inspiração e contemplação. Conversamos com Jeremy sobre a exposição, sua carreira e sua visão da Abstração.

Você pode nos contar sobre a recente exposição "Twofold: in Art and Life" na Lemon Street Gallery?

A galeria Lemon Street é uma das principais galerias em Cornwall e tem uma ótima reputação nacionalmente. Ela ocupa três andares e Judy, minha esposa, deveria fazer uma exposição em toda a galeria, mas quando ela sentiu que não queria ocupar os três andares, fomos convencidos por Louise Jones, a galerista, a expor juntos. Eu tive uma mostra individual no porão da galeria, que é um espaço branco em forma de cubo, muito minimalista, muito contemporâneo, que combina muito bem com meu trabalho. Eu apresentei cerca de 30 obras na exposição.

Esta foi a primeira vez que você compartilhou uma exposição com sua esposa, houve alguma interação entre suas obras?

Não, nosso trabalho é realmente muito diferente e provavelmente esse é o segredo da nossa parceria bem-sucedida na pintura por trinta anos. Tenho enorme respeito por Judy como pintora figurativa expressiva e acho que ela tem um olhar incrível. Eu venho de um lugar muito diferente, de uma tradição modernista com raízes na pintura de ícones e depois na pintura italiana do Quattrocento, então eu passo por esse tipo de imagem até o modernismo do século XX e pessoas como Picasso e Paul Klee. Há uma sensibilidade muito diferente no trabalho.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Óleo sobre tela. 80 x 100 cm.

Você descreve uma abordagem lúdica à pintura: pode expandir esse aspecto da sua prática?

Acho que há um significado mais profundo para o brincar do que o sentido geralmente entendido de brincar – como em, se você está brincando, então não está fazendo nada sério –, mas penso que há uma abordagem, especialmente dentro da criatividade e do pensamento, onde o brincar é uma abordagem leve e você reconhece coisas como ironia e metáfora e até aspectos de travessura e brincadeira, como o ‘bobo’ na literatura. Quando falo sobre brincar, falo nesse sentido; é um lugar onde você se liberta de um rigor pedante, mas tem outro tipo de seriedade que é tremendamente produtiva.

Você pode descrever suas experiências trabalhando e expondo em outros países?

Sempre tive uma boa relação com a exibição de trabalhos na Alemanha e na Suíça. Morei em Worpswede, Alemanha, por um ano. É um lugar absolutamente incrível que oferece residências para muitos artistas, músicos e escritores – a minha foi uma bolsa generosa do DAAD –, e foi muito interessante estar na Alemanha, trabalhar lá e encontrar outros artistas, muitos deles do Leste Europeu, mas também vários artistas alemães, e sentir aquele senso um pouco opressor na Alemanha de que as coisas precisam ser muito bem executadas e muito claras. A paisagem refletia isso porque são terras de pântano recuperadas do norte da Alemanha. É muita charneca que é água recuperada, então, embora eu não estivesse perto do mar, sentia como se estivesse sentado no mar. É um pântano de turfa e diques negros são cortados na paisagem para domá-la, criando linhas retas bem ordenadas por quilômetros, mas ao mesmo tempo a vegetação começa a tomar conta e parte da ordem está sendo desordenada por uma vida natural indomável. É uma paisagem linda, mas demorou para eu me adaptar porque achei quase intimidante por ser tão rígida e severa. Depois que me adaptei, gostei muito disso. Também trabalhei extensivamente na Austrália, Espanha e França, então realmente gosto de trabalhar no calor. Gosto da cultura que geralmente está em lugares quentes: a capacidade de ser um pouco mais livre fisicamente em um país quente, ao contrário da úmida e antiga Cornualha!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Óleo sobre tela. 100 x 80 cm. 

Todos esses diferentes locais levaram seu trabalho para direções distintas?

Eles me deram a capacidade de ver o trabalho de forma mais ampla. Na Alemanha, fiquei muito interessado na ideia de colagem, tanto filosoficamente quanto na criação de colagens, e na ideia de sobrepor um conceito ou uma ideia sobre outra; uma abordagem em camadas para o trabalho. Na Austrália, fiquei impressionado com a sensação tóxica de uma paisagem que se deteriora, mas se renova, como se fosse constantemente testada pelo fogo. Na França e, particularmente, na Espanha, adorei o senso de coragem que o povo espanhol tem – é um país quente e intenso, a Espanha tem essa sensação de viver um pouco em um lugar perigoso em termos políticos e eu gosto dessa tensão; gosto da escuridão criada pelo brilho extremo: a sensação de claro-escuro. Gosto dos vermelhos criados pelo calor. Certas coisas em diferentes países realmente impactaram a forma como trabalho.

Por que você escolheu a Abstração?

A resposta simples é que a Abstração me escolheu. O espiritual, o filosófico e as grandes questões sempre me atraíram, mesmo nos meus anos formativos. Isso sempre existiu na arte e está relacionado ao porquê e como: a forma e o conceito por trás da narrativa e da figuração.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018. Óleo sobre tela. 60 x 40 cm.

Você acha que a pintura abstrata teve um renascimento nos últimos anos?

Na verdade, não. Tenho sentimentos bastante fortes, especialmente sobre a abordagem britânica à Abstração, porque acho que, no geral, os britânicos acham a Abstração muito difícil. Acho que a sensibilidade britânica é encontrar narrativa nas coisas, então temos uma tradição literária e musical muito forte na Grã-Bretanha, mas sinto que a tradição artística não foi tão forte em termos de Abstração. Um lugar como a Alemanha é muito mais capaz de lidar com conceitos e pensamentos abstratos. Há uma tendência, anedoticamente falando, no mundo da arte, para um realismo fotográfico, acabamento impecável, perfeição na arte, que não é necessariamente abstrata, mas que tem camadas de significado, uma abordagem pós-moderna: uma colagem de abstração e figuração. Eu adoro a abstração pura, embora nem sempre tenha sido um abstracionista puro; provavelmente passei por uma fase de abstrair objetos até o que agora sinto ser um lugar de abstração pura.

Você já retrabalhou alguma obra ou revisitou produções anteriores?

Já voltei a trabalhos e trabalhei neles novamente. Nunca trabalho em uma peça por vez; trabalho em um conjunto de obras. Tenho várias pinturas que podem ser trabalhadas no estúdio. Também penso que minha vida como pintor não é sobre pinturas individuais, mas é a busca pela declaração mais essencial que posso fazer, da forma mais simples e minimalista possível. Minha pintura ideal seria um espaço completamente em branco, mas uma superfície que também fosse atraente ao mesmo tempo, mas isso é como a perfeição, que sei que nunca alcançarei! Suponho que estou realmente buscando o essencial da linguagem que falo; a pintura é minha linguagem e tento encontrar a melhor forma de dizer o que quero dizer da maneira mais sucinta possível.

Houve alguma exposição recente que tenha se destacado particularmente para você?

Recentemente, vi uma exposição de Louise Bourgeois em Málaga, no museu Picasso, que foi absolutamente incrível e eu realmente adoro o trabalho dela. Também gostei de uma visita recente ao museu Miró em Barcelona. Braque, sempre considerei como meu pai na pintura, há algo que acho tremendamente atraente em seu trabalho. Olhar para a vida de Braque, seus altos e baixos na pintura e o homem que ele foi: acho sua vida fascinante. Sou um amante do Modernismo, em todas as suas formas, música, arquitetura e arte. E sou um grande admirador do Brutalismo na arquitetura e do Minimalismo na música.

Imagem em destaque: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Óleo sobre tela. 70 x 90 cm.